Mahlers nur schwer nachvollziehbaren Charakterisierung zum Trotz ist es tatsächlich jene Sinfonie, die aus seinem Œuvre am ehesten übergangen oder vergessen wird. Von keiner anderen Sinfonie Mahlers gibt es so wenig Einzelaufnahmen, die nicht im Rahmen eines großen Gesamtaufnahme-Projekts (erst-) veröffentlicht wurden, wie von der Siebten. Umso bemerkenswerter ist es, wenn ein Orchester mit seinem (relativ) neuem Chefdirigenten ausgerechnet mit dieser Sinfonie debütiert. Andererseits: Sowohl das Orchester, als auch der Dirigent sind freilich nicht gänzlich unbeleckt und haben Mahlers Werke sowohl aufgeführt, als auch anfgenommen, wenn auch nicht gemeinsam.

Wie aber nähern sich Järvi und seine niederländischen Musiker der Sinfonie? Nun,sie tun es bemerkenswert zügig (rund 70 Minuten brauchen sie für das fünfsätzige Werk, statt der üblichen 80), jedoch ohne große Gesten, ohne eine voreilige Deutung, weder die traditionelle spätromantische, noch die das Moderne darin betonende. Die Sinfonie, die Mahler zügig im Sommer 1904 begann (in dem er die beiden Nachtmusiken, respektive die Sätze II und IV schrieb) und die dann lange brach lag und erst im darauffolgenden Jahr sehr schnell vollendet wurde, macht es dem Hörer auch wirklich nicht leicht. Sie wirkt etwas zerrissen (gemessen an anderen Sinfonien Mahlers), ohne den sonst so nachvollziehbaren Zusammenhalt. Es steckt etwas Übergangshaftes in Järvis Deutung, das immer wieder andeutet, dass Mahler hier tatsächlich “zwischen allen Stühlen” saß. Vielleicht ist das die unsichtbare Überschrift dieser Sinfonie: Veränderung, Bewegung, Übergang. Der Kontrast zwischen Tag und Nacht, etwa zwischen dem ersten und zweiten Satz, ist schroff; noch gespenstischer ist der 3. Satz (zwischen den beiden Nachtmusiken), einem Scherzo mit der Anweisung ‘schattenhaft‘, der hier bei Järvi fast wie der Prototyp eines beißend-spottenden Satzes einer Shostakovich-Sinfonie wirkt. Grelle Effekte wechseln sich mit poetischen Momenten ab, Licht mit Dunkelheit, »Film noir und Romanze« wie Wilhelmer schreibt.

Mahlers Siebte bleibt in Järvis Interpretation rätselhaft, widersprüchlich, gleichzeitig stößt sie mit der unüberhörbaren Abkehr von Konventionen die Tür zur Moderne ganz weit auf, gerade im 3. und 4. Satz. Nicht umsonst war Arnold Schönberg einer der ersten und prominentesten Fürsprecher für dieses Werk.

Die SACD  Gustav Mahler -  Symphony No. 7 des Residentie Orchestra The Hague unter Neeme Järvi ist am 23. Juli 2010 auf Chandos (CHSA 5079) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Und ihr Beethoven ist nicht minder überzeugend, im Gegenteil: So komplexe, so schwierige, so technisch vertrackte Kadanzen (jene von Joseph Joachim), wie sie die fast 30-jährige Haendel hier spielt, traut sich heutzutage kaum noch einer auf dem Podium zu bringen. Auch hier überrascht Ida Haendel mit kräftigem, selbstbewusst-temperamentvollen Bogenstrich; auch in ihrem Beethoven steckt viel Bewunderung, viel Freude.

Das vielleicht Faszinierende an diesen Aufnahmen ist: Die virtuosesten, technisch anspruchsvollsten Momente werden so mühelos, so schwerlos gespielt, dass sie federleicht erscheinen. Auch wenn Ida Haendel der ganz große Weltruhm ihre Kollegen verwehrt bliebt (und sie wohl auf ewig ein wenig unterschätzt bleiben wird): Ida Haendel gehört zu den ganz großen ihrer Zunft. Diese CD ist ein Beleg dafür.

Die CD  Ludwig van Beethoven – Violin Concerto in D major · Jean Sibelius – Violin Concerto in D minor mit Ida Haendel als Solistin und dem Czech Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Karel Ančerl ist am 23. Juli 2010 bei Supraphon (5186 317) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Ludwig van Beethoven – Violin Concerto in D major
2. Jean Sibelius – Violin Concerto in D minor

Mackerras galt, neben anderen Schwerpunkten seiner Arbeit, als kompetentester Dirigent für tschechische Musik und hat maßgeblich dazu beigetragen, dass die Musik der großen tschechischen Komponisten des 19. und 20. Jahrhunderts Bedřich Smetana, Antonín Dvořák, Leoš Janáček, Bohuslav Martinů usw. heute international wahrgenommen und anerkannt wird.

→ www.echoklassik.de

Die CD Bohuslav Martinů – Three Fragments from the Opera »Juliette«, gespielt von der Tschechische Philharmonie unter Charles Mackerras, ist am 25. Mai 2009 auf Supraphon (3994-2) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Anders als viele andere Interpreten, die aus der klassischen Musik kommen und die sich an Gershwin versucht haben, war den beiden Französinnen von Anfang bewusst, dass Gershwin selbst (wie sie) ein Grenzgänger war. Seine Einflüsse waren mannigfaltig und reichten vom virtuosen Spätromantizismus eines Sergei Rachmaninov über den farbig-perlenden Impressionismus des Maurice Ravel, bis hin zum Jazz und den Melodien der populären Broadway-Musicals. Nur wenn man diese sehr eigene Gershwin-Mischung nachempfinden kann und sich sowohl in der klassischen Musik, als auch im Jazz zu Hause fühlt, wird man der Musik Gershwins gerecht. Die Schwester stellen nicht die Frage, ob Gershwin ‘ernsthaft’ war, sie haben ihn einfach gespielt, seine Musik mit Leben gefüllt, mehr noch: Katia und Marielle Labèque haben es bei diesen Aufnahmen (und bei noch zahlreichen anderen, die folgen sollten) geschafft, sich in das Wesen der Musik hinein zu denken. Ihr Gershwin versucht erst gar nicht seine Jazz-Wurzeln zu kaschieren, im Gegenteil: Wann hatte man jemals zuvor ein so grooviges Klavierduo musizieren gehört? Andererseits offenbart ihre furios-virtuose Interpretation des Materials auch seine Nähe zur klassischen Musik seiner Zeit: Ein Grenzgänger eben, gespielt von zwei Grenzgängerinnen.

Eine schöne (Wieder-) Entdeckung eines musikalischen Phänomens der aufstrebenden US-amerikanischen Musikkultur der 1920er und 1930er Jahre.

Das Album George Gershwin – Rhapsody in Blue & Piano Concerto in F von Katia & Marielle Labèque wurde am 25. Juni 2010 auf Newton Classics (8802004) wiederveröffentlicht – die Originalveröffentlichung ist schon lange vergriffen – und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Rhapsody in Blue (Version for 2 pianos)
2. Piano Concerto in F (Version for 2 pianos)

»Wie kommt es, dass solch ein atemberaubendes Statement so selten aufgeführt und so unterschätzt wird? (…) War Britten als Opernkomponist so erfolgreich, dass man seine Instrumentalmusik nicht ernst genug nehmen konnte? Oder war es das modernistische Establishment seiner Zeit, das sich weigerte, das schiere Genie dieses Mannes anzuerkennen? Dies ist meine erste Begegnung mit seinem Konzert (denn das ist es natürlich) und es war ein profunder, erfreulicher Schock. Dieses Meisterwerk gehört für mich zu den allerbesten im Cellorepertoire.«

Sein leidenschaftliches Plädoyer für dieses oft übersehene Werk Brittens stellt nicht nur interessante Fragen (die letzten Endes freilich nur die Zeit beantworten kann), es offenbart auch viel von seiner eigenen Begeisterung für das Werk, die man der Aufnahme von der ersten Sekunde an anmerkt. Die Cello Symphony ist ein emotionales Werk, gespickt mit zahlreichen technischen Schwierigkeiten, die den Solisten sehr weit in den Vordergrund rücken. Ohne jeden Zweifel hat Britten es verstanden das Solo-Instrument Cello wirkungsvoll einzusetzen. Für einen technisch brillanten Cellisten wie Pieter Wispelwey, der über ein wohlklingendes Cello verfügt (er spielt auf einem 1760 erbauten Instrument von Giovanni Battista Guadagnini) ist die Cello Symphony geradezu ein Paradestück, weil es die bestmöglichen Eigenschaften eines Cellisten unterstreicht. Wispelwey spielt mit bemerkenswerter Leichtigkeit selbst die schwierigsten Passagen und auch wenn sich vieles bei der Cello Symphony um den Solisten dreht, so ist die Leistung des belgischen Flanders Symphony Orchestra (auch bekannt unter seinem niederländischen Namen Symphonieorkest Vlaaderen) unter der Leitung des jungen japanischen Dirigenten Seikyo Kim nicht zu unterschätzen. Der belgische Klangkörper spielt rhythmisch betont mit schlanken, frischem Klang und unterstreicht den gefühlvollen Charakter des Konzerts.

Zeitnah zur Cello Symphony (1963) entstand 1964 die Suite No. 1 für Cello solo, op. 72 und obwohl sie die beiden Stücke von der Art und der Grundstimmung unterscheiden haben sie auch einiges gemeinsam: Technisch anspruchsvolle Passagen, in denen die klanglichen Möglichkeiten des Cellos immer wieder voll ausgereizt werden, wechseln sich mit langen, elegischen Passagen ab. Nicht umsonst benutzt Britten bei den Satzbezeichnungen zahlreiche Begriffe aus der Vokalmusik: “Canto” (zu Dt. Gesang), “Lamento” (zu Dt. Klagelied) und Serenata (zu Dt. Abendständchen) unterstreichen den kantilenen Charakter der Suite. Auch ohne Orchesterbegleitung beweist Wispelwey seine besondere Affinität für Brittens Musik: Allein schon diese durch und durch inspirierte und bewegende Aufnahme der Cellosuite ist ein guter Grund in diese CD hinein zu hören.

Wispelwey empfiehlt sich mit dieser auch klanglich sehr überzeugenden CD als einer der derzeit sensibelsten und fähigsten Britten-Interpreten. Wer ein Faible für diese introvertierten und gewiss nicht auf den ersten Durchlauf eingängigen Werke hat, der ist mit dieser Einspielung bestens bedient. ‘Die besondere CD‘ des Monats Mai 2010.

Die CD Benjamin Britten – Symphony for Cello and Orchestra · Cello Suite No. 1, eingespielt von Pieter Wispelwey als Solist und dem Flanders Symphony Orchestra unter Seikyo Kim ist am 21. Mai 2010 bei Onyx Classics (4058) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Cello Symphony (mit dem Flanders Symphony Orchestra, Seikyo Kim)
2. Cello Suite No. 1

Als Martinů 1930 sein erstes Klaviertrio schrieb, befand er sich mitten in einer entscheidenden Phase seiner Komponisten-Laufbahn: Seit 1923 lebte er in Paris und hatte (endlich) seine Kompositionsstudien bei Albert Roussel vollendet. In Paris setzte er sich stark mit der kosmopolitischen Kulturszene der 1920er und 1930er auseinander: Vor allem die Rhythmik des Jazz und der Neoklassizismus Igor Stravinskys beeinflussten ihn nachhaltig, als er sein erstes von drei Klaviertrios schrieb, das den Untertitel “Cinq pièces brèves” – fünf kurze Stücke – trägt. Robert Philip, der Autor der Liner Notes des vorliegenden Albums, schreibt dazu:

»Musik, die aus kleinen Zellen konstruiert ist (ein Wort, das Martinů selbst benutzte) und insistierende Rhythmen hat, die sich über die herkömmliche Regelmäßigkeit hinwegsetzen, teilweise durch jazzartige Einflüsse, teilweise durch beißende Harmonien und teilweise durch ein feingearbeitetes kontrapunktisches Netzwerk. Der Effekt ist eine musikalische Sprache, die wie eine Art kubistische Rekonstruktion barocker Techniken funktioniert.«

In der nervösen Rhythmik steckt also auch ein volksmusikhaftes Element (denn der Jazz entstand ja aus den Volksmusik der Nachkommen der US-amerikanischen Sklaven), etwas wie ungezähmte Wildheit einer noch nicht begradigten, unverfälschten Musik.

Petr Eben, einer der wichtigsten tschechischen Komponisten des 20. Jahrhunderts (wenn auch hierzulande noch recht unentdeckt), bezog sich bei seinem 1986 entstandenen Klaviertrio auf den Neoklassizismus Martinůs und seiner Zeitgenossen und entwickelte daraus seinen eigenen Ansatz.

The Florestan Trio - Fotografie: Richard Lewisohn

Das Florestan Trio spielt diese drei eigenen, sehr unterschiedlichen Werke  eindringlich, präzise, bei Smetana melancholisch und bei Martinů und Eben mit der gebotenen rhythmischen Schärfe. Ihr Mut sich als nicht-tschechisches Ensemble an die beiden tschechischen Ikonen Smetana und Martinů zu wagen, ist beachtlich; sie so bravourös, so stringent zu meistern, ist nicht selbstverständlich, zeugt aber von ihrer Flexibilität. Denn Smetana, Martinů und Eben waren eben nicht nur drei tschechische Komponisten, die die heimische Musik nachhaltig geprägt haben, sie ‘gehören’ auch dem Rest der Musikwelt, so wie sie selbst in ihren Werken Bezug auf die gesamte Musikwelt nahmen. Das Florestan Trio spielt diese Werke ebenso souverän, wie man es von einem tschechischen Ensemble erwarten würde. Und das ist schon ziemlich beeindruckend.

Die CD Czech Piano Trios des Florestan Trio mit Werken von Bedřich Smetana, Bohuslav Martinů und Petr Eben ist am 21. Mai 2010 auf Hyperion Records (CDA67730) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Bedřich Smetana – Piano Trio in G Minor
2. Bohuslav Martinů – Piano Trio No, 1 – Cinq pièces brèves
3. Petr Eben – Piano Trio

Es war üblich von größeren symphonischen Werken Fassungen für Klavier, für Klavier-Duo und/oder für Klavier zu vier Händen anzufertigen. Das brachte den Komponisten eine lukrative zusätzliche Einnahmequelle und half bei der Verbreitung der neuen Werke, brachte sie auch ohne Orchester einem breiteren Publikum zu Gehör. Oft genug fertigen die Schüler oder Assistenten der Komponisten diese Arrangements an, in nicht seltenen Fällen arbeiteten die Komponisten selbst diese Bearbeitungen aus, die oft genug mit den Fassungen Dritter (zurecht!) nicht einverstanden waren. Auf der vorliegenden CD des Duos Trenkner/Speidel (mit den Pianistinnen Evelinde Trenkner und Sontraud Speidel) finden sich drei Werke, die von ihren Komponisten selbst für Klavier zu vier Händen arrangiert wurden: Die Reduktion für Klavier zu vier Händen der symphonischen Suite Scheherazade, op 35 (aus dem Jahre 1899) von Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908); die Reduktion des symphonischen Satzes Pacific 231 (1924) von Arthur Honegger (1892-1955) und der Boléro von Maurice Ravel (1875-1937) in der Transkription für Klavier zu vier Händen (1929, ein Jahr später fertigte Ravel noch eine weitere Bearbeitung für zwei Klaviere an).

Schon in der Vergangenheit hat das Duo Trenkner/Speidel sehr viel Lob für ihre CDs mit Arrangements für vierhändiges Klavier bzw. für Klavierduo erhalten. Kein Wunder, denn kaum hat man die ersten Noten ihres Spiels vernommen, schon merkt man, wie symbiotisch ihre künstlerische Verbindung ist. Es wirkt nicht so, als ob hier zwei autarke Persönlichkeiten sehr gut eingespielt miteinander musizieren würden, sondern so, als ob es den beiden Künstlerinnen gelänge, ihre Ausdrucksmöglichkeiten so sehr ineinander zu verschmelzen, dass ihr Spiel ein ein Ganzes (und nicht wie zwei Teile eines Ganzen) wirkt. Wenn man den beiden (übrigens auch als Solistinnen) bemerkenswerten Künstlerinnen zuhört, möchte man stellenweise eher an ein pianistisches Wunderwesen mit vier Händen glauben, als an zwei Individuen, so harmonisch, so (ich sag es noch einmal) symbiotisch ist das Ergebnis.

Maurice Ravel

Die Arrangements mögen allesamt aus der Feder ihres Komponisten stammen, doch ansonsten halten sich die Ähnlichkeiten der Ausarbeitungen in Grenzen und das obwohl alle drei Werke in einem Zeitraum von 30 Jahren geschrieben wurden. Es war eben eine Zeit, in der viele Strömungen gleichzeitig existierten. Abgesehen von prinzipiellen stilistischen Unterschieden zwischen den drei Komponisten haben die ursprünglichen Kompositionen zumindest gemein, dass sie über ausgefeilte und wohl durchdachte Orchestrierungen verfügen. Diese Wuchtigkeit, mit der sich die Originale in Szene setzen, bleibt nicht immer erhalten. Während Rimsky-Korsakov und Honegger ihre Bearbeitungen nicht Réduction zufällig nennen – und die Fassungen tatsächlich wie Reduzierungen der Originale wirken – ist Ravels Bearbeitung des Boléro eine Transcription, die viel stärker als Honeggers oder gar Rimsky-Korsakovs Bearbeitung darauf aus ist, die rhythmischen und klanglichen Orchestereffekte mit dem Klavier zu vier Händen zu imitieren, sie zu umschreiben.

Arthur Honegger

Honeggers Pacific 231 (benannt nach einer Anfang des 20. Jahrhunderts weit verbreiteten, sehr schnellen Dampflok) in der reduzierten Fassung für Klavier zu vier Händen wirkt noch rhythmischer, als die Orchestervorlage. Durch die Konzentration auf das Klavier mit seinen melodischen und rhythmischen Möglichkeiten, wird Honeggers genialer Ansatz in gewisser Weise noch transparenter: Nicht das Tempo der Musik beschleunigt sich (wenn die Dampflok Fahrt aufnimmt), sondern die Notenwerte verkürzen sich, während das eigentliche Tempo stets dasselbe bleibt.

Hier ein experimenteller Kurzfilm von 1949, gedreht von Jean Mitry, mit der Originalmusik von Honegger (der Komponist dirigiert selbst):



Nikolai Rimsky-Korsakov

Rimsky-Korsakovs Fassung für Klavier zu vier Händen seines Wohl populärsten Werkes Scheherazade (über Wohl und Wehe der Beschränkung Rimsky-Korsakovs auf ein Stück schrieb ich im Zusammenhang mit der Neuveröffentlichung des Albums “Orchestral Suites” des Russian National Orchestra unter Mikhail Pletnev) vermittelt einen ganz anderen Höreindruck, als das Original. Während Rimsky-Korsakovs Orchesterfassung in opulenten Klängen schwelgerisch wirkt und geradezu verschwenderisch mit den Klanfarben des Orchesters ausgestattet ist – Rimsky-Korsakov galt nicht zu Unrecht als ein Meister der Orchestrierung – ist die vorliegende Klavierfassung deutlich schlichter ausgefallen. Durch den Wegfall des Orchesters wirkt die Suite auf einmal gar nicht mehr so dezidiert russisch, wie die Vorlage: Am Klavier offenbart sich die durch und durch romantische Seele des Werkes. Es ist schon erstaunlich wie anders das Werk so reduziert nun wirkt. Wollte der Komponist eine andere Facette der Suite offenbaren oder ist der veränderte Höreindruck wirklich nur Ergebnis der Unmöglichkeit die Klangfarben der Klangfarben des Originals am Klavier zu imitieren?

Drei Orchesterwerke, dreimal auf unterschiedliche Art und Weise für Klavier zu vier Händen umgesetzt, dreimal einfühlsam und mit unglaublicher Präzision im synchronen Spiel  vom Duo Trenkner/Speidel interpretiert. Wenn man das Duo so muszieren hört, dann bereut man, dass diese Tradition heute so weit in den Hintergrund getreten ist. Andererseits: Es gibt noch genügend Material, dass das Duo einspielen kann.

Das Album des Piano Duo Trenkner/Speidel mit Werken von Nikolai Rimsky-Korsakov, Arthur Honegger und Maurice Ravel für Klavier zu vier Händen erscheint am 23. April 2010 auf MDG (330 1616-2) und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt  bzw. vorbestellt werden.

Inhalt:

1. Nikolai Rimsky-Korsakov Sheherazade – Suite Symphonique op. 35. Réduction pour Piano à 4 mains
2. Arthur Honegger – Pacific 231, Mouvement Symphonique. Réduction pour Piano à 4 mains
3. Maurice Ravel – Boléro. Transcription pour Piano à 4 mains

Piers Lane - Quelle: hyperion.co.uk

Eugen d’Albert (1864-1932) war, gelinde gesagt, ein exzentrischer Mensch: Nicht nur dass er sechs Mal verheiratet war (eine siebte Ehe wurde nur durch seinen Tod verhindert, der ihn ereilte, als er nach Riga reiste, um dort eine Eil-Scheidung von seiner sechsten Ehefrau durchführen zu lassen), er hatte auch eine kreative Vorstellung von seiner Nationalität: Er wuchs in Schottland als Sohn eines in Deutschland geborenen französisch-italienischen Vaters und einer englischen Mutter auf, siedelte aber 1884 nach ersten Erfolgen in England als Pianist und Komponist (unter anderem als Assistent von Arthur Sullivan) nach Deutschland über, nicht ohne seine nun frei gewählte patriotische Loyalität öffentlich in einer deutschen Zeitung kundzutun. So ließ er die Musikwelt wissen »Vor allem lehne ich den Titel “englischer Pianist” ab! Leider habe ich eine beachtliche Zeit in jenem Land der Nebel studiert, aber während dieser Zeit habe ich absolut nichts gelernt. Wäre ich dort noch länger geblieben, es wäre mein völliger Ruin gewesen. Erst seit ich jenes barbarische Land verließ, habe ich begonnen zu leben. Und ich lebe nun für die einzigartige, wahre, glorreiche deutsche Kunst.« Selbstredend hatte Eugen d’Albert damit alle Brücken zum Land seiner Jugend abgebrochen und die schwärmerische, aber naive Rede des 20-jährigen d’Albert mag dazu beigetragen haben, dass er in seinem Geburtsland fortan so gut es irgend ging ignoriert wurde. Vielleicht war es ja auch diese Deutschtümelei, die Adolf Hitler später bewog, d’Alberts einzig erfolgreiche Komposition, die Oper “Tiefland” (1903) zu einer seiner Lieblingsopern zu küren.

Vor seinem Opernerfolg (und lange vor seinem verzweifelten Versuch diesen Erfolg mit zahlreichen folgenden Opern zu wiederholen), war Eugen d’Albert vor allem ein gefeierter Pianist und nach seiner selbst gewählten ‘Germanisierung’ spielte er (natürlich) bevorzugt Beethoven und Bach. Bei Letzteren stand er jedoch schon bald vor dem Problem der umfangreichen Pedalstimmen, die Bach für mehrere seiner spektakuläreren Tasteninstrument-Stücke geschrieben hatte, die eben meistens primär Orgelwerke waren. Es lag nahe, diese Stücke entsprechend zu arrangieren, so dass sie auf dem Klavier bewältigt werden konnten und der Pianist d’Albert mit dem Bach, transkribiert vom Komponisten d’Albert glänzen konnte. Anders als Ferruccio Busoni wählte d’Albert nicht den Weg die Werke durch Ergänzungen klaviertauglich zu machen, im Gegenteil: d’Albert vereinfachte die Stücke, versuchte in seinen Transkriptionen den Grundcharakter, den vordergründigen Klangeindruck der Werke zu erhalten, in dem er sie entschlackte, ausdünnte. So klingen die Stücke, die auf der vorliegenden CD “Bach Piano Transcriptions Vol. 8″ zusammengefasst sind manchmal verblüffend leicht und transparent (vor allem, wenn man anschließend die Original-Fassung auf der Orgel gegenhört). Piers Lane spielt diese Transkriptionen mit genau jenem romantisierenden Klang, mit dem auch d’Albert selbst wohl den barocken Kompositionen zu Leibe gerückt war. So anachronistisch uns heute solche Bearbeitungen erscheinen mögen, so wichtig sind sie, wenn man verstehen will, wie Bach durch die Jahrhunderte stets neu entdeckt, neu erfunden wurde. Und eines schimmert durch Lanes flüssig-weiches, aber dennoch präzises Spiel bei aller Vereinfachung und bei aller Romantik immer wieder durch: Wenn d’Albert es tatsächlich wichtig war, die Essenz der Bachwerke am Klavier nachzuformen, ohne zu viel Eigenes hinzuzufügen, so kann man nur konstatieren, dass ihm das mit seinen Bearbeitungen gelungen ist. Es mag nicht viel d’Albert in diesen Bearbeitungen stecken, aber es steckt – trotz der Vereinfachungen – immer noch eine Menge Bach darin.

Die CD Bach Piano Transcriptions 8 mit den Bearbeitungen von Eugen d’Albert, eingespielt von Piers Lane, wird am 19. März 2010 auf Hyperion (CDA 67709) erscheinen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Tipp: Auf der Produktseite auf hyperion-records.co.uk kann man in alle Stücke des Albums hineinhören und die Liner Notes (auch auf Deutsch) lesen.

Inhalt:

1. Passacaglia in C minor, BWV582, arr. Eugen d’ Albert
2. Fantasia and Fugue in C minor, BWV537, arr. Eugen d’ Albert
3. Prelude and Fugue in G major, BWV541, arr. Eugen d’ Albert
4. Toccata and Fugue in F major, BWV540, arr. Eugen d’ Albert
5. Prelude and Fugue in A major, BWV536, arr. Eugen d’ Albert
6. Prelude and Fugue in F minor, BWV53, arr. Eugen d’ Albert
7. Toccata and Fugue in D minor ‘Dorian’, BWV538, arr. Eugen d’ Albert
8. Prelude and Fugue in D major, BWV532, arr. Eugen d’ Albert

Die Academy of St. Martin in the Fields spielt wie immer makellos. Neville Marriner gelingt es, die rhythmisch-tänzerischen Sequenzen in Gettys Kompositionen schwungvoll auszuarbeiten: Gerade das Hauptwerk des Albums, die Ballettmusik “Ancestors Suite” mit ihren zahlreichen Tänzen, 2009 in Russland uraufgeführt, könnte man sich nicht besser, nicht nostalgischer, nicht altmodischer vorstellen, denn genauso ist Gettys Musik intendiert. Die Aufnahmetechnik des Albums ist, wie immer bei PentaTone-Neuveröffentlichungen, absolut makellos; das Booklet ist schlicht und informativ gehalten und wenn man einmal die holprige deutsche Übersetzung ignoriert, so erfährt man in den Liner Notes vieles über Gettys Musik und seinen musikalischen Hintergrund.

Die SACD Orchestral Works mit Werken von Gordon Getty, eingespielt von der Academy of St. Martin in the Fields unter der Leitung von Neville Marriner erscheint am 19. März 2010 auf PentaTone (5186 356) und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Overture ‘Plump Jack’
2. Ancestor Suite
3. Tiefer und Tiefer
4. Homework Suite
5. The Fiddler of Ballykeel
6. Raise the Colors

Ilona Then-Bergh, Bild © genuin.de

Markus Schäfer, Bild © genuin.de

Eine Binsenweisheit besagt: »Nicht alles, was in der Musik hörenswert wäre, wird gehört; nicht alles, was gehört wird, ist wirklich hörenswert« Jeder, der sich mit Musik gleich welcher Art beschäftigt, erfährt sofort, dass Erfolg und Bekanntheitsgrad eines Werkes oder eines Künstlers nur ein sehr zweifelhafter Gradmesser für die Qualität der Musik ist; umgekehrt ist gewiss nicht alles Gold, was auf goldenen Schallplatten glänzt. Wer das nicht glauben will, der mag einfach nur ein beliebiges Mainstream-Radio einschalten und hören, was uns dort vorgedudelt wird. Zwar ist der Klassik-Sektor bisher weitgehend von solchen Manipulationen verschont geblieben, doch auch hier häufen sich die Versuche dem Hörer ein X (für x-beliebig) für ein U, Pardon, für ein E (wie E-Musik) vorzumachen. Auch der eine oder andere Klassiksender beschränkt sich bei seinem Programm auf die ‘Greatest Hits’ oder noch schlimmer, auf die bekannten Themen der ‘Greatest Hits’, wie schauderhaft!

Wie wundervoll ist es hingegen, wenn sich Künstler als Forscher betätigen und in den Archiven Vergessenes und Seltenes zu Tage fördern, das bisher ungehört bliebt und das nun dem Entdecker unter den Musikfreunden zu Gehör gebracht wird. Das Münchener Kammerduo Ilona Then-Bergh (Violine) und Michael Schäfer (Klavier) hat auf seiner neuen CD für das Dresdner Label Genuin mit Werken für Violine und Klavier der Fin-De-Siècle-Komponisten Sylvio Lazzari (1857-1944) und Volkmar Andreae (1879-1962) solch vergessene Kleinode zu Tage gefördert und was man zu hören kriegt, ist sowohl kompositorisch, als auch interpretatorisch Kammermusik vom Feinsten, nur eben solche, die abseits der eingetretenen Wege der Kammermusik für Violine und Klavier stattfindet.

Sylvio Lazzari

Sylvio Lazzari, geboren im damals noch österreichischen Bozen (heute bekanntermaßen als Bolzano ein Teil der autonomen Region Südtirol in Italien), reiste nach einem Jurastudium in Wien nach Paris, um dort am Konservatorium zu studieren. Dort ließ es sich dauerhaft nieder und wurde 1896 französischer Staatsbürger. Zu diesem Zeitpunkt war er schon eine bekannte Figur im musikalischen Leben der Hauptstadt, u.a. war er Präsident der französischen Wagner-Gesellschaft. Seine Wahlheimat Frankreich und seine glühende Verehrung für Richard Wagner sind dann auch die beiden Haupteinflüsse auf seine Musik gewesen. Seine Sonate für Violine und Klavier in E-Dur, op. 24 von 1894 ist eine faszinierende Mischung aus Wagner’schen Zitaten und impressionistischen Klängen (immerhin war Lazzaris Freund und ehemalige Lehrer César Franck), dies alles in Form einer Beethoven’schen Sonate (speziell der Kreutzersonate). Erfreulich, dass Ilona Then-Bergh bei ihrem Spiel auf allzu süßlichen oder pathetischen Klang verzichtet und so die gesamte Bandbreite der Fin-De-Siècle-Komposition mit all ihren konkurrierenden und widersprüchlichen Tendenzen ausgestaltet. Gerade bei den ersten beiden Sätzen entpuppt sich Lazzari als überaus versierter und eigenständiger Komponist, der geschickt sein zweigeteiltes musikalisches Credo in eine stringente Form bringt.

Volkmar Andreae

Weniger französisch als bei Lazzari geht es in der Sonate für Violine und Klavier in D-Dur, op. 4 zu des Schweizer Dirigenten und Komponisten Volkmar Andreae zu. Andreaes Œuvre als Komponist ist, wie so oft bei Dirigenten, heutzutage völlig in Vergessenheit geraten. Das Vorurteil, das Dirigenten das Komponieren nur nebenher betreiben und Kapellmeistermusik schreiben (und gibt es nicht genügend Beispiele, wo dies so sein mag?), kann beim Anhören der Violinsonate Andreaes beim besten Willen nicht bestätigt werden. Der langjährige Dirigent des Tonhalle-Orchester Zürich belegt, dass er bei seiner Sonate, die er als 25-jähriger 1904 schrieb, sehr genau die klassischen Formen der Sonate beherrschte und mit Leben und Persönlichkeit zu füllen wusste. Seine Anklänge an Wagner und Brahms (!) werden von Then-Bergh und Schäfer als Ausdruck einer Zeit gedeutet, in der sich das scheinbar Unvereinbare sehr wohl vereinbaren ließ (fast schon im postmodernen Sinne). Standen sich Brahms und Wagner als führende Vertreter zweier Auffassungen gegenüber (und ihre Anhänger sogar noch viel mehr), so schafft Andreae in seiner Musik eine Synthese aus beiden und so schaffen es wiederum die beiden Musiker diesen aufgelösten Antagonismus lebendig zu gestalten. Hört man diese Aufnahmen, dann wird einem klar, was im Booklet der »Schmelztiegel-Charakter« der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts genannt wird, der in die komplexe und sehr individuelle Fin-de-Siècle-Ästhetik Lazzaris und Andreaes mündete.

Die hörenswerte Einspielung mit hörens- und entdeckenswerten Werken für Violine und Klavier von Sylvio Lazzari und Volkmar Andreae, gespielt von Ilona Then-Bergh & Michael Schäfer, erhält das Prädikat »Die besondere CD« Februar 2010 auf blog.codaex.de

Die CD Sylvio Lazzari / Volkmar Andreae – Sämtliche Werke für Violine und Klavier von Ilona Then-Bergh & Michael Schäfer ist am 19. Februar 2010 auf Genuin erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Sylvio Lazzari: Sonate für Violine und Klavier in E-Dur, op. 24
2. Sylvio Lazzari: Scherzo in gis-Moll für Violine und Klavier
3. Volkmar Andreae: Sonate für Violine und Klavier in D-Dur, op. 4