Alle folgenden (und noch viele weitere) Titel im Codaex-Vertrieb erscheinen am 24. Februar 2012.

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Im heutigen Teil I der Vorschau präsentiere ich meine Favoriten aus den Bereichen 1. Orchesterwerke und 2. Kammermusik; morgen im Teil II folgen dann die Höhepunkte der Neuerscheinungen aus den Bereichen 3. Vokalmusik, 4. Alte Musik und 5. Neue Musik.

1. Orchesterwerke

Luciano Berio
Orchestral realisations of Schubert, Brahms and Mahler
Bergen Philharmonic Orchestra, Edward Gardner
Solisten: Roderick Williams, Bariton · Michael Collins, Klarinette

Luciano Berio (1925-2003) war nicht nur einer der bedeutendsten dezidiert modernen Komponisten des 20. Jahrhunderts, er war auch ein Musikforscher, der sich intensiv mit der Vergangenheit beschäftigte. Auf der vorliegenden Chandos-SACD sind drei von ihm vervollständigte und/oder orchestrierte Werke zu hören: “Rendering”, eine Restaurierung von Skizzen zu einer zehnten Sinfonie von Franz Schubert (1797-1828), die Sonate für Klarinette, Op. 120 No. 1 von Johannes Brahms (1833-1897) mit einigen überraschenden Ergänzungen und die Orchestrierung sechs frühe Lieder von Gustav Mahler (1860-1911).

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Benjamin Britten
Violin Concerto · Double Concerto · Lachrymae
BBC Scottish Symphony Orchestra, Ilan Volkov
Solisten: Anthony Marwood, Violine · Lawrence Power, Viola

Sowohl das Violinkonzert (von 1939), als auch das Doppelkonzert (1932) gehören zu den frühesten Meisterwerken die Benjamin Britten (1913-1976) komponiert hat. Die vorliegende Neueinspielung für Hyperion entstand mit dem als Kammermusiker bekannt gewordenen Anthony Marwood und dem Star-Bratschisten Lawrence Power als überzeugenden Solisten-Duo.

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Manuel de Falla
Nights in the Gardens of Spain · The Three-cornered Hat · Homenajes
BBC Philharmonic, Juanjo Mena
Solisten: Jean-Efflam Bavouzet, Klavier · Raquel Lojendio, Sopran

Drei der populärsten Werke für Bühne und Konzerthalle von Manuel de Falla (1876-1946) befinden sich auf dieser ersten CD der neuen Chandos-Reihe La música de España, die in hochkarätiger Besetzung einen umfassenden Überblick über die spanische Musik geben möchte.

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Igor Stravinsky
Rite of Spring · Firebird Suite · Scherzo à la Russe · Tango
Budapest Festival Orchestra, Iván Fischer

Audiophile Neuaufnahme des ausgezeichneten Budapest Festival Orchestra unter der Leitung seines gefeierten Dirigenten Iván Fischer für das renommierte Channel Classics-Label der zwei berühmt-berüchtigten Orchesterwerke von Igor Stravinsky (1882-1971): L’Oiseau de feu (Der Feuervogel, 1910) und Le sacre du printemps (Die Frühlingsweihe, 1913), ergänzt durch zwei kleinere Werke.

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2. Kammermusik

Sofia Gubaidulina
Complete String Quartets
Stamic Quartet

Kaum zu glauben, aber wahr: Erstmalig wurden sämtliche Streichquartette von Sofia Gubaidulina (*1933) für diese Supraphon-CD aufgenommen. Die vier Werke entstanden zwischen 1971 und 1992, das ergänzende Reflections on the Theme B-A-C-H 2002. Mit dem Stamic Quartet konnte eines der besten tschechischen Kammerensembles für diese Produktion gewonnen werden.

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Erich Wolfgang Korngold
String Sextet in D major, Op. 10 · Piano Quintet in E major, Op. 15
Doric String Quartet
mit Jennifer Stumm, Viola & Bartholomew LaFollette, Cello
und Kathryn Stott, Klavier

Das kammermusikalische Œuvre von Erich Wolfgang Korngold (1897-1957) wartet, wie so viele seiner Werke. noch auf auf seine angemessene Würdigung. Das englische Doric String Quartet hat für diese Chandos-CD gemeinsam mit mit  der Bratschistin Jennifer Stumm und dem Cellisten Bartholomew LaFollette das Streichsextett, mit der Pianistin Kathryn Stott das Klavierquintett aufgenommen.

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Leonid Sabaneev
Piano Trios
Ilona Then-Bergh · Wen-Sinn Yang · Michael Schäfer

Wenn das in diesem Blog immer wieder vorgestellte Entdecker-Duo Ilona Then-Bergh (Violine) und Michael Schäfer (Klavier) – dieses Mal ergänzt durch Wen-Sinn Yang (Cello) – eine neue Genuin-CD vorlegen, dann darf man großartige, unerhörte Musik (im wahrsten Sinne des Wortes) in überragender Umsetzung erwarten. Auf der neuen CD machen sie sich für die beiden Klaviertrios von Leonid Sabaneev (1881–1968) stark, die auf dem Grat zwischen Romantik und Moderne balancieren.

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Sigismund Thalberg
Songs and Chamber Music
Manja Raschka · Felix Plock · Andreas Hartmann · Stefan Burkhardt

Zum 200. Geburtstag des österreichischen Komponisten Sigismund Thalberg (1812-1871) veröffentlicht das Label Querstand in seiner Jubilee Edition ein Album mit größtenteils erstmals eingespielten Liedern und Klavierwerken des Romantikers und Klaviervirtuosen.

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Dies gelingt, es sei gleich verraten, dem österreichischen Ensemble La Gioconda auf dieser im Dezember 2011 bei Querstand erschienenen CD mit fünf Triopartiten von J. J. Fux ganz ausgezeichnet. Die vier Musikerinnen meiden die Versuchungen von übertriebener Schmissigkeit und Glamour, die sich an nicht wenigen Stellen anbieten, um lieber eine zarte, hochtransparente und dabei hervorragend durchdachte Interpretation höfischer Musik aus der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts zu liefern – ein mutiger, ein guter Schachzug!

Und ein Zugang, der auch deshalb so gut zu dieser Literatur passt, da er den intimen, aber höchst anspruchsvollen Rahmen trifft, für den Fux seine Triopartiten geschrieben hat: als exklusive Unterhaltung für den Wiener Hof, Kammer-Musik im wörtlichsten Sinne, die glanzvoll, geistreich und vollendet zu sein hatte, dabei aber nie zu schwer oder ambitioniert werden durfte. So stellen die Triopartiten einen Fux vor, der wahrscheinlich am allermeisten in Vergessenheit geraten ist – einen gewieften und einfallsreichen Musiker, der mit allen kompositorischen Wassern gewaschen war und ein ganz famoses Hörvergnügen zuzubereiten wusste. Wie kam so jemand nur zu seinem knöchernen „Ruhm“ in der Nachwelt, die in ihm nur noch den bedeutenden, aber vertrockneten Theoretiker zu sehen gewillt war? Wahrscheinlich lag es nicht zuletzt an seinem wirkmächtigen Kontrapunkt-Lehrbuch „Gradus ad Parnassum“, das den Blick auf einen so produktiven und vielseitigen, für Kirche, Theater und höfische Zwecke schreibenden Künstler verstellte.

Die Triopartiten dürfen dabei, wie die lesenswerte Einführung von Guido Erdmann im Booklet der (nebenbei bemerkt: sehr hübsch gestalteten und eingehüllten) CD hervorhebt, als eine Königsdisziplin barocker Musik gelten. Sie wurde besonders geschätzt, und Johann Joseph Fux war als ihr unvergleichlicher Meister anerkannt. So weiß man auch heute tatsächlich nicht, worüber man mehr staunen darf: über die Versiertheit und atemberaubende Perfektion der Komposition, die virtuos italienische und französische Formen zu einem unverkennbaren Stil verwebt – oder über den sensiblen melodischen Einfallsreichtum, mit dem diese Musik einen bewegenden, mustergültig barocken emotionalen Reichtum entfaltet; das Schlichte und Gesangliche dabei nicht scheuend, ohne je trivial zu werden.

So stellen diese Triopartiten auch, und das sei ausdrücklich empfohlen, einen enorm attraktiven Fundus für Musiker, die ein entsprechendes Ensemble zu bilden in der Lage sind. Ich gebe zu, dass mir lange keine CD so in die Finger gefahren ist wie diese, um dort einen erheblichen Juckreiz zu entfalten … es kann, geehrte Verlage, kein schlechtes Geschäft sein, diese Literatur editorisch wieder mehr zu berücksichtigen. Die Kammermusikkultur sollte es danken, denn in einer Zeit, in der die kaiserlichen Höfe – mit Verlaub – nicht mehr die Bedeutung für Kunst und Musik haben, ist es äußerst spannend, diese Stücke mit all ihrer Beweglichkeit in neuen Räumen und Kontexten freizulassen. Auch, wenn dann vielleicht nicht überall mit so viel Präzision und Ausdruckskraft musiziert werden dürfte wie sie Lucia Froihofer, Mónika Tóth, Barbara Julia Reiter und Anne Marie Dragosits auf ihren alten und neuen Barockinstrumenten zeigen – lohnen wird Fux jede Mühe! Die besondere CD, erschienen im Januar 2012.

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die CD Johann Joseph Fux: Triopartiten des Ensembles La Gioconda ist am 20. Januar 2012 bei Querstand (VKJK 1108) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Johann Joseph Fux, Triopartita g-Moll (K 320)
2. Triopartita C-Dur (K 323)
3. Triopartita g-Moll (K 322)
4. Triopartita B-Dur (K 319)
5. Triopartita d-Moll (K 326)
6. Rondeau aus der Triopartita G-Dur (K 321)

Für ihre neue CD mit den zwei Streichquintetten opp. 4 und 29 Beethovens haben sie sich mit Barbara Buntrock mit einer der erfolgreichsten Bratschistinnen der jüngeren Generation zusammengetan. Und obwohl die Leipziger zum ersten Mal für eine Aufnahme mit der Wuppertalerin ins Studio (und in den Konzertsaal) gingen, klingen die hier eingespielten Streichquintette wie aus einem Guss. Diese wirklich hinreißenden Frühwerke Beethovens zeichnen sich durch Eleganz und Kunstfertigkeit aus. Das kraftvolle Element, das Beethovens spätere Musik auszeichnet, ist nur stellenweise erkennbar (v.a. im Quintett op. 29).

Das frühere der beiden, das Quintett in Es-Dur, op. 4, hatte Beethoven noch im Unterricht bei Joseph Haydn aus dem in Bonn geschriebenen Bläseroktett (posthum veröffentlicht als op. 103) erarbeitet und 1795 noch einmal revidiert, bevor es 1796 im Druck erschien. Auch wenn Haydn selbst kein Quintett geschrieben hat (weil er »alles mit vier Stimmen ausdrücken könne«, soll Haydn gesagt haben), steckt in diesem Werk noch sehr viel von der Sorgfalt und Kunstfertigkeit, die Haydns Kammermusik auszeichnet und die der junge Beethoven so bewunderte.

Das spätere der beiden Quintette in C-Dur (von 1800/01), ist die eigentliche Überraschung der CD. Beethovens einziges ‘echtes’ Quintett erweist sich als kammermusikalische Großtat erster Güte  und gleichzeitig als völlig anders geartet als seine zeitnah entstandenen Streichquartette op. 18. Zweifelsohne zeigte sich Beethoven beim Quintett deutlich experimentierfreudiger, kühner und nonkonformistischer, was die tradierten Kompositionstechniken anbelangt. Die ausführenden Musiker glänzen hier (wie auch beim dem Quintett in Es-Dur) durch eine perfekte Balance von Temperament und Zurückhaltung, machen Beethovens kleine und große Kunstgriffe hörbar. Gerade im dynamischen Bereich überraschen die Musiker mit einer bemerkenswerten Feinabstimmung. So nuancenreich wurden diese Quintette gewiss noch nie aufgenommen. Dank der (gewohnt) exzellenten MDG-Tontechnik ist dies auch in jeder Sekunde der CD hörbar.

Fazit; Eine exzellente Einspielung bemerkenswerter Musik, die zu Unrecht eher unbeachtet bleibt, ausgeführt von fünf herausragenden Musikern. Eine Überraschung ist dies bei den Leipzigern freilich nicht, wohl aber immer wieder erfreulich.

Die  CD Ludwig van Beethoven – String Quintets, op. 4 & 29 des Leipziger Streichquartett und Barbara Buntrock ist am 18. November 2011 bei MDG (MDG 307 1715) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Streichquintett für 2 Violinen, 2 Violen und Cello in Es-Dur, op. 4
2. Streichquintett für 2 Violinen, 2 Violen und Cello in C-Dur, op. 29

Traditionell erscheinen im Januar immer besonders viele neue Titel auf dem Tonträger-Markt. Alle folgenden (und noch viele weitere) Titel im Codaex-Vertrieb erscheinen am 20. Januar 2012.

Die monatliche Codaex-Neuheiten-Newsletter mit Infos zu allen anstehenden Veröffentlichungen im Codaex-Vertrieb kann man → hier abonnieren.

Im heutigen Teil I der Vorschau präsentiere ich meine Favoriten aus den Bereichen 1. Orchesterwerke und 2. Kammermusik; morgen im Teil II folgen dann die Höhepunkte der Neuerscheinungen aus den Bereichen 3. Vokalmusik, 4. Alte Musik und 5. Neue Musik.

1. Orchesterwerke

Ludwig van Beethoven
The 9 Symphonies
Royal Flemish Philharmonic, Philippe Herreweghe

Philippe Herreweghes historisch-orientierte Aufnahmen (auf modernen Instrumenten) der Sinfonien von Ludwig van Beethoven (1770-1827) konnten mit ihrem schlankem Ton, den eher zügigen Tempi und der Präzision im Spiel des Royal Flemish Philharmonic die Kritiker überzeugen. Nun liegen die Pentatone-Produktionen in einer preisgünstigen 5-SACD-Box vor.

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Max Reger
The Romantic Violin Concerto Vol.11: Violin Concerto In A, Op. 101 · 2 Romances
Konzerthausorchester Berlin, Lothar Zagrosek – Solistin: Tanja Becker-Bender

Fast eine Stunde dauert das in der Tradition der Violinkonzerte Beethovens und Brahms’ gehaltene Violinkonzert von Max Reger (1873-1916), das die junge deutsche Geigerin Tanja Becker-Bender gemeinsam mit dem Konzerthausorchester Berlin unter der Leitung von Lothar Zagrosek auf dieser Hyperion-Produktion für die Reihe The Romantic Violin Concerto eingespielt hat.

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Dmitri Shostakovich
Cello Concertos Nos. 1 and  2
Danish National Symphony Orchestra, Gianandrea Noseda – Solist: Enrico Dindo

1997 gewann der Italiener Enrico Dindo des renommierten Rostropovich-Wettbewerb in Paris und erntete danach viel Lob, auch vom Namensgeber des Wettbewerbs. Für seiner neuen SACD hat er mit dem Danish National Symphony Orchestra unter der Leitung seines Landsmanns Gianandrea Noseda die zwei Cellokonzerte von Dmitri Shostakovich (1906-1975) für Chandos aufgenommen.

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Pyotr Ilyich Tchaikovsky
Violin Concerto · Valse-Scherzo ·Sérénade mélancolique · Souvenir
Sydney Symphony, Vladimir Ashkenazy – Solist: James Ehnes

James Ehnes gehört derzeit zu den allerbesten, gleichzeitig zu den erfrelich unaufdringlichsten Violinisten. Auf seinem neuen Album hat er gemeinsam mit Vladimir Ashkenazy bei einem Konzert mit dem Sydney Symphony das Violinkonzert von Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) für Onyx Classics aufgenommen.

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2. Kammermusik für Solisten und Ensembles

Ludwig van Beethoven
Piano Trio in B-flat Major,  op. 97 (Archduke) · Piano Trio op. 1, No. 3
Trio Ex Aequo

Diese Neueinspielung für Genuin des berühmten Erzherzog-Trios von Ludwig van Beethoven wäre zwar erfreulich, aber letzten Endes nicht so ungewöhnlich und interessant, wenn sich nicht hinter dem Ensemble Trio Ex Aequo drei hervorragende Kammermusiker, Gerald Fauth (Klavier), Matthias Wollong (Violine) und Matthias Moosdorf vom Leipziger Streichquartett (Cello), verbergen würden.

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Antonín Dvořák
String Quartet in G, op. 77 · Nocturne, op.40 · Scherzo, op. 97
Berlin Philharmonic String Quintet

Das Berliner Philharmonic String Quintet wurde erst 2007 gegründet, konnte sich aber schnell einen internationalen Namen machen, wohl auch dank seiner Provenienz von den Berliner Philharmonikern. Auf ihrer neuen Pentatone-SACD spielen sie populäre Werke von Antonín Dvořák (1841-1904) für Streichquintett.

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Gabriel Fauré
Cellosonaten
Alban Gerhardt & Cecile Licad

Wenn der Berliner Cellist Alban Gerhardt und die philippinische Pianstin Cecile Licad ihre hochgelobte musikalische Zusammenarbeit mit den Cellosonaten von Gabriel Fauré (1845-1924) fortsetzen, so darf man auf diese neue Hyperion-CD zurecht sehr gespannt sein.

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Francisco Tárrega · Antonio Lauro · Agustin Barrios-Mangoré · Miguel Llobet
Oremus
Jens-Uwe Popp

Nach einem Spätwerk von Francisco Tárrega (1852-1909) hat der Hamburger Gitarrist Jens-Uwe Popp, unter anderem Gitarrist beim David Orlowsky Trio und beim Giora Feidman Trio, seine erste Solo-CD benannt, die Werke von eben Tárrega, sowie Antonio Lauro (1917-1986), Agustin Barrios-Mangoré (1885-1944) und Miguel Llobet (1878-1938) enthält und nun bei Querstand erscheint.

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Über die auf dieser CD versammelten Stücke sind unmittelbar nur wenige Worte zu verlieren; sie finden beileibe nicht zum ersten Mal in einem Programm zusammen, und wer eine ebenso kompakte wie flüssig lesbare Orientierung sucht, dem seien die ausgezeichneten Begleittexte von Bayan Northcott im Booklet mit Nachdruck empfohlen. In seinen einleitenden Bemerkungen erinnert er sehr zu Recht an die Zwischenstellung, die gerade die beiden Sonaten einnehmen – nach Beethoven, vor Brahms – und betont ihre hohe „Kunstfertigkeit … von den komplexen, unterschwelligen Gefühlen ganz abgesehen.“ Und wie manch ein anderes Werk Mendelssohns werden diese Kompositionen gerade deshalb oft unterschätzt, weil ihre Komplexität so vollendet auskomponiert ist, dass man ihre Leichtigkeit bei oberflächlichem Hören als Leichtgewichtigkeit missverstehen kann.

Vor diesem Hintergrund sollte man also besonders aufmerksam sein, wenn sich ein Cellist und ein Pianist zusammentun, um Mendelssohn zu spielen – und innerhalb der Aufnahmen der vergangenen Jahre darf man der Interpretation der Brüder Watkins eine beeindruckende Stringenz bescheinigen, die auf der Basis perfekter Spieltechnik gründet und eine kontrollierte, luzide und mit reichlich Finesse ausgestattete Lesart dieser Literatur bietet. Wo aber das Rettende wächst, scheint hier einmal die Gefahr nicht weit zu sein, und so ist die wohlbemessene Durchdachtheit dieser Aufnahme zugleich ihre gefährliche künstlerische Falle. Keine Arbeit Mendelssohns verträgt einen zu gebändigten, reflektierten, ja: akademischen Zugang, wenn sie denn zünden und ergreifen soll. Das gilt für die Cellowerke in besonderer Weise: Sie stellen den hohen Anspruch, zugleich den hochemotionalen, schnell wechselnden Lagen ihrer Ausdruckswelt gerecht zu werden, nein: sie mit Leben zu erfüllen – während man sich kompromisslos auf der Höhe der in ihnen artikulierten satztechnischen Meisterschaft bewegen muss; und sei es nur, damit weder die Interpreten noch das Publikum, von der geballten musikalischen Energie bedrängt, in wilde Raserei verfallen. Und genau diesen sensiblen Punkt verpassen die Brüder Watkins leider an entscheidenden Stellen, und fliehen – was im Zweifel die bessere Wahl sein mag – in ein hochpräzises und meisterliches Musizieren, das, leicht unterkühlt, Mendelssohn insgesamt doch mehr zeigt als spielt.

Nun gehört es sich nicht, die Arbeiten reifer Interpreten gegeneinander in Stellung zu bringen, und nicht in diesem Sinne sei der immense Kontrast unterstrichen, der sich ergibt, wenn man die Mendelssohn-Interpretationen von Wispelwey-Giacometti und Watkins-Watkins vergleicht. Sicher: nach einer so mitreißenden, „durchbluteten“ Hörerfahrung ist der erste Eindruck der hier besprochenen CD zunächst einmal erschreckend nackt, und leicht verstört fragt man sich, ob man denn wirklich dieselbe Musik desselben Komponisten höre. Irgendwann beim zweiten oder dritten Durchgang kam mir allerdings der Gedanke, dass der Abstand beider Aufnahmen ähnlich zu bemessen ist wie der zwischen den Instrumenten, mit denen sie entstanden: Ein Guadagnini-Cello von 1760 mit reichlich italienischem Esprit bei Wispelwey, das zudem mit dem Érard-Flügel von 1837 eine glanzvolle Freundschaft pflegt – ein Vuillaume von 1846 bei Watkins, das an sich schon ein gerüttelt Maß an Forschergeist und feinster, ausgetüftelter Handwerkskunst mit sich bringen muss … die analytische Kraft, durch die sich die Interpretation der beiden Brüder aus Wales auszeichnet, hätte in diesem Sinne ihr höchst angemessenes Medium gefunden. So gesehen, aus einer etwas ins Akademische gerückten Perspektive, ist diese CD aufschlussreich und empfehlenswert und setzt einen interessanten Akzent in der einschlägigen Diskographie.

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die CD Felix Mendelssohn – Works for Cello and Piano von Paul & Huw Watkins ist am 15. Oktober 2011 bei Chandos (CHAN 10701) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Sonata No. 1, op. 45
2. Variations concertantes, op. 17
3. Lied ohne Worte D-Dur, op. 109
4. Sonata No. 2, op. 58

»Die Musiker von Tempesta di Mare spielen auf dieser CD Fasch sehr lebendig und mitreißend. So machen sie Lust auf mehr. (…) [Sie spielen] stilgemäß auf barocken Instrumenten, was dem authentischen Orchesterklang zu Gute kommt.«

Hier noch eine audiovisuelle Visitenkarte des Ensembles mit Musik von Johann Friedrich Fasch:

Den Podcast mit der gesamten Kritik kann man → hier anhören.
Den Artikel zur »CD der Woche« findet man → hier.

Die CD Johann Friedrich Fasch, Orchestral Works, Volume 2 von Tempesta di Mare ist am 15. Oktober 2011 bei Chandos (CHAN 0783) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Immerhin käme man auf diesem Wege – inklusive einer vorläufigen Ausblendung Telemanns – dem Geist der damaligen Zeit näher, die von Bach vergleichsweise wenig wusste, und hätte einen weiteren Fürsprecher in der Wertschätzung, die der große J.S.B. selbst seinem Zeitgenossen Fasch entgegenbrachte. Nun soll die Musikgeschichte aber keine Sportveranstaltung sein, und es geht den Musikern aus Philadelphia auch nicht darum, in diesem Sinne für Fasch zu punkten – vielmehr atmen ihre Aufnahmen die Begeisterung für ein verkanntes Werk, das sie mit Prägnanz, Sensibilität und Frische vorstellen.

Die auf dieser CD versammelten Werke werden in Dresden aufbewahrt und sind musikalische Zeugen der guten Verbindungen an die Elbe, die Fasch durch seine Jugendfreunde pflegte, allen voran der Komponist Johann David Heinichen und der Violinist Johann Georg Pisendel. Sein Zerbster Dienstherr, der Musikfanatiker Johann August von Anhalt-Zerbst, ermöglichte Fasch 1726-27 einen langen Aufenthalt in Dresden, der ihm wesentliche Impulse vermittelt haben dürfte.

Aber auch von Zerbst aus pflegte der entschiedene Netzwerker den – ganz wörtlich gemeinten – Austausch mit Kollegen, die einander Kompositionen zur Verfügung stellten, um ihre jeweiligen Hofgesellschaften stets gut und mit frischer Kost versorgen zu können. Auf diese Weise konnte auch ein überbeschäftigter und in ständiger Finanznot lebender Kapellmeister wie Fasch auf der Höhe der Zeit bleiben – und wurde zugleich landauf, landab gespielt, gehört und wahrgenommen. In diesem weitverzweigten Kontext sind die hier vorgelegten Orchesterkompositionen ein erneutes Zeugnis von der Vielfältigkeit und dem Beziehungsreichtum der spätbarocken Musikszene; Werke, die an mehr als einer Stelle die Hand zur Klassik ausstrecken, wenn auch zur oft behaupteten Rolle Faschs als Brückenbauer zwischen den Epochen viel Kritisches anzumerken wäre.

Kronzeuge für die These vom spätbarocken Frühklassiker ist das Konzert in G-Dur, FWV L:G13, das vierte Stück der CD, bei dem „Tempesta di Mare“ eindrucksvoll beweisen, wie farbenreich man auch auf Barockinstrumenten spielen kann. Das eröffnende Konzert D-Dur FWV L:D5 überbietet diesen Reichtum an melodischen Einfällen mit seinen erweiterten Bläser-Sätzen. Aufsehenerregend majestätisch und dramatisch heischen die mittleren Stücke, die Ouverture a-Moll FWV K:a1 und die Sinfonia g-Moll FWV M:g1, die Gunst des Publikums, das in der Zeit Faschs gewiss nicht unter Reizarmut litt.

Ausgestattet mit einem lesenswerten Booklet ist die zweite Fasch-CD von „Tempesta di Mare“ ein schönes Geschenk für Leute, die schon alles gehört zu haben meinen und mit Sicherheit überrascht sein werden: von einem zu Unrecht vernachlässigten Komponisten, und von einem ausgezeichnet eingespielten Barock-Ensemble aus der Neuen Welt.

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die CD Johann Friedrich Fasch, Orchestral Works, Volume 2 von Tempesta di Mare ist am 15. Oktober 2011 bei Chandos (CHAN 0783) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Concerto in D major, FWV L:D5
2. Ouverture in A minor, FWV K:a1
3. Sinfonia in G minor, FWV M:g1
4. Concerto in G major, FWV L:G13

Er schreibt über White:

»Beide Komponisten seien überaus klar in ihrer musikalischen Sprache, sagen die Musiker des Amaryllis Quartetts – und so spielen sie auch: konturiert, rhythmisch prägnant, strukturbewusst. Unnötige Sentimentalitäten haben die Vier nicht nötig: Der Vibratoeinsatz ist differenziert, die Tempi angenehm straff, dabei nicht unflexibel. In ihrer jeweils sehr klaren Sprache formulieren beide Komponisten allerdings auch Vieldeutiges und Traumhaftes: Bei Webern sind es geflüsterte, schattenhafte Melodien, bei Haydn, im langsamen Satz von op. 50 Nr. 5, unwirklich schwebende Akkord-Ketten. Nach diesem wunderbaren Poco Adagio erhielt das viel zu selten gespielte Werk seinen Beinamen “Der Traum”, der ebenso gut zu Weberns Fünf Sätzen passt – auch insofern eine reizvolle Zusammenstellung.«

und resümiert:

»Eine überzeugende CD und ein Name, den man sich merken sollte.«

Den gesamten Artikel kann man → hier nachlesen.

Die CD White – String Quartets by Joseph Haydn & Anton Webern vom Amaryllis Quartett ist am 20. Oktober 2011 auf Genuin (GEN 11218) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Sofia Gubaidulina (*1931) und ihr weites, vielseitiges Werk erfahren in diesem Jahr allseits besondere Aufmerksamkeit, anlässlich des 80. Geburtstages der großen Komponistin. Bei Neos legt Martin Heinze nun eine umfassende Sammlung ihrer Arbeiten für Kontrabass vor – ein Genuss für Ohr und Geist, der mehr als drei Stunden währt und auch für denjenigen noch Überraschendes birgt, der Gubaidulinas Musik bereits für sich entdeckt hat. Von ihren künstlerischen Anfängen bis in die Gegenwart hinein reichen die Stücke für Kontrabass, die hier erstmals in ihrer Gesamtheit eingespielt wurden: eine Wanderung durch die fast fünf Jahrzehnte ihres freien kompositorischen Schaffens, die auch eine gute Einführung in die Klangwelten Sofia Gubaidulinas bietet. Nicht zuletzt liefert Heinze mit diesen drei CDs ein starkes Plädoyer für den Bass, der solistisch und kammermusikalisch weiterhin zu den verkannten Instrumenten gerechnet werden muss, und dessen Fülle an klanglichen Möglichkeiten hier eindrucksvoll hörbar wird.

Dass gerade Sofia Gubaidulinas Musik dabei auch noch das allerletzte Ressentiment brummiger Bass-Schwerfälligkeit widerlegt, ist kein Zufall – im Gegenteil, denn in welchen Händen wäre eine Randexistenz wie der Kontrabass besser aufgehoben! Es ist ja gerade das außergewöhnliche Talent dieser Komponistin, jedem Instrument, für das sie schreibt, weitere Klangräume zu eröffnen als es zuvor selbst von sich kannte. Dieses Gespür für das instrumental Mögliche und die Neugier sind nicht nur der Ausgangspunkt ihrer Musik, sondern gehören zu ihren zentralen kompositorischen Verfahrensweisen – ein wichtiger Grund dafür, dass Sofia Gubaidulina zugleich ein erstaunlich großes Publikum erreicht wie sie für so viele Musiker interessant ist, die „Klangphantasien aus der Vergangenheit … auf geniale Weise zu musikalischer Form verdichtet“ finden, wie es Martin Heinze in seinem aufschlussreichen und persönlichen Begleittext schildert. Solches geschieht wohl nicht nur dem Kontrabassisten selten – und dass auch der Zuhörer von dieser hochmodernen Tonkunst berührt wird, ist eine glückliche Koinzidenz.

Denn über die komplexen künstlerischen Strukturen im Werk von Sofia Gubaidulina hinaus, die nach und nach ihre angemessene Würdigung durch die Musikwissenschaft erfahren, ist es der offene, organische Charakter, der ihre Klangsprache auszeichnet und von einer Zugänglichkeit ist, wie man sie der Gegenwartsmusik nicht gerade nachsagt. Wo Heinze den konstitutiven Raum für die Improvisation lobt, der dem interpretierenden Musiker eröffnet wird, kann das Ohr etwas wie eine Poesie des Hörens erfahren; und die Einladung dazu wird bei dieser Veröffentlichung leicht und gern angenommen, allein schon wegen der Vielseitigkeit der Themen und der Ensembles, in denen der Bass seine Stimme erklingen lässt.

Zu Beginn stehen die Fünf Etüden für Harfe, Kontrabass und Perkussion von 1965, Gubaidulinas erste künstlerische Veröffentlichung, die nicht nur ein Zeugnis ihrer frühen Meisterschaft ist, sondern auch ein Dokument der leisen und vollkommen kompromisslosen Unvereinbarkeit mit der sozialistischen Kunstdoktrin, wegen der sie bis Mitte der 1980er Jahre nur unter schwierigen Bedingungen arbeiten und leben konnte. Es ist interessant, im Fortgang des chronologisch angelegten Programms zu beobachten, dass der Kontrabass regelmäßig wiederkehrte: 1966 mit der Pantomime für Bass und Klavier, 1974 mit den Acht Etüden für Kontrabass und ein Jahr später mit der Sonate für Kontrabass und Klavier.

Die zweite CD dokumentiert die lange und tiefe Beschäftigung Gubaidulinas mit dem russischen Knopf-Akkordeon Bajan, wie der Kontrabass ein Außenseiter unter den Instrumenten und die wohl prominenteste „musikalische Rettung“ der Komponistin. In Croce von 1979 für Bass und Bajan, besonders aber Silenzio für Bajan, Violine und Kontrabass von 1991 sind Höhepunkte dieser Sammlung, die zudem weite Ausblicke zu anderen prominenten Werken Gubaidulinas bieten, etwa zu ihrem Violinkonzert in tempus praesens, das Silenzio an mancher Stelle berührt.

Neben Quasi Hoquetus von 1984 für Viola, Bass und Klavier bringt die zweite CD das Lied Ein Engel für Alt und Bass zu Gehör, die 1994 entstandene Vertonung eines Gedichts von Else Lasker-Schüler, die zu den 15 Galgenliedern von Christian Morgenstern auf der dritten CD überleitet, letztere komponiert im Jahre 1996 für Mezzo-Sopran, Perkussion und Kontrabass. Seinen fulminanten Abschluss findet das Programm im Pentimento von 2007, der Bearbeitung von Ravvedimento, einer ursprünglich für Cello und Gitarrenquartett geschriebenen Komposition. Sie ist als solche ein weiterer, beeindruckender Beleg dafür, wie die offene Wandlungsfähigkeit des Klangempfindens im Werk Gubaidulinas zu kompositorischen Strukturen findet, die konstant, ja gesetzmäßig sind, ohne je zu erstarren.

Die Freude, die die Interpretation solcher Musik bereitet, ist dieser großartigen Referenz-Aufnahme für den Kontrabass durchweg anzuhören. Martin Heinze hat sie mit Kollegen realisiert, die nicht nur die erforderlichen hohen spielerischen Fähigkeiten mitbringen, sondern vor allem die künstlerische Reife für den Umgang mit einer solchen Musik, die Heinze treffend als von elementarer Kraft, zugleich aber sehr fragil charakterisiert. Dass das Gitarrenquartett Quasi Fantasia die Uraufführung von Ravvedimento spielte und die Bajanistin Elsbeth Moser die Widmungsträgerin von Silenzio ist, braucht dabei nur ergänzend bemerkt zu werden. Es scheint, dass die halboffene, netzwerkartige Struktur des Ensembles KlangArt Berlin, das Martin Heinze gemeinsam mit dem Perkussionisten Jan Schlichte und der Pianistin Heike Gneiting bildet, eine gute Grundlage für ein Projekt wie dieses ist, zumal dann, wenn es um Musik geht, die von nichts anderem gebunden ist als von der Freiheit der Kunst. Unsere CD des Monats im November 2011.

Die CD Sofia Gubaidulina – Chamber Music with Double Bass von Martin Heinze und dem Ensemble KlangArt Berlin and friends ist am 14. Oktober 2011 auf NEOS (NEOS 11106-08) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Five Etudes for harp, double bass and percussion
2. Pantomime for double bass and piano
3. Eight Etudes for double bass
4. Sonata for double bass and piano
5. In Croce for double bass and bayan
6. Quasi Hoquetus for viola, double bass and piano
7. Silenzio for bayan, violin and double bass
8. Ein Engel, Lied for alto and double bass
9. Galgenlieder à 3, 15 pieces for mezzo-soprano, percussion and double bass
10. Pentimento for double bass and three guitars

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die Streichquartette Joseph Haydns sind die Gründungsakte ihrer Gattung, und die neue Aufnahme der drei Quartette op. 74 mit dem Takács Quartet wurde unlängst hier im Codaex-Blog als mustergültig gelobt. Nun laden die Kollegen vom Amaryllis Quartett zu einem kontrastreichen Programm ein, das Haydns „Traum-“ und „Reiterquartett“ mit Anton Weberns Fünf Sätzen für Streichquartett konfrontiert. In unschuldiges Weiß gehüllt bieten die vier jungen, vielfach ausgezeichneten Musiker eine argumentativ zugespitzte Lesart der atonalen Revolution.

So ist es gerade die Kürze der klug fokussierten Auswahl, die den Reiz dieser bei Genuin erschienenen CD ausmacht. Sie vermeidet es, Haydns epochemachendes Schaffen für zwei Geigen, Bratsche und Cello in enzyklopädischer Weite auszubreiten, und erliegt auf Weberns Seite nicht der Versuchung, etwa auch die Bagatellen für Streichquartett op. 9 mit zu berücksichtigen – und damit die Kürze künstlich zu dehnen, die Weberns Komposition ja gerade als typisches Werk seiner Zeit erweist. Denn ihr aphoristischer Zug ist Teil jener Verunsicherung, die der Hörer unserer Tage als solche überhaupt erst wieder wahrnehmen muss: „Als ob das Licht erloschen wäre!“ So zitiert Jan Philipp Sprick Anton Webern in seinem aufschlussreichen Begleittext, denn: „Mit der Aufgabe der Tonalität war das Mittel zum Aufbau längerer Stücke verlorengegangen.“

Diese Irritation inszeniert das Amaryllis Quartett mit einem zweifachen Salto mortale: Dem Sprung aus der transparenten Motivarbeit in F-Dur, die Haydns „Traum“-Quartett in Freund- und Bruderschaft mit Mozart schwelgen lässt, hinein in die weit ausdifferenzierten Klangkosmen Weberns – und wieder heraus, um die kontrastreiche Expressivität des „Reiterquartetts“ in g-Moll auszukosten. Der Effekt ist ein doppelter: nicht allein, dass Weberns Quartettsätze als prononcierte, frühe Formulierung seiner atonalen Klangsprache viele interessante Aspekte zu erkennen geben, wenn sie vor dem Hintergrund, nein: inmitten des Haydnschen Werkes erklingen; auch Haydns Streichquartette offenbaren ihre Kühnheiten dem Ohr besonders willig, das mit Amaryllis gerade einen Abstecher ins 20. Jahrhundert gemacht hat.

Dass dieser musikhistorische Dreisatz auch ästhetisch aufgeht, ist natürlich nicht zuletzt dem Umstand zu verdanken, dass hier vier ausgezeichnete Streicher mit Frische, Präzision und Kraft an einem interpretatorischen Strang ziehen. Auch die technische Qualität der Aufnahme lässt mit ihrem gewohnt hohen Genuin-Standard nichts zu wünschen übrig. Was sich nicht recht erschließen will, ist der Titel „White“, der den Willen zum Style im Zusammenspiel mit der Cover-Fotografie für den Geschmack des Rezensenten doch leicht überdreht. Aber gut, darauf kommt es nicht an, denn um so stimmiger sind die inneren Werte dieser CD, die gut 48 Minuten feine Klangkunst bietet, in einer ebenso schlüssigen wie lehrreichen und inspirierenden Zusammenstellung.

Die CD White – String Quartets by Joseph Haydn & Anton Webern vom Amaryllis Quartett ist am 20. Oktober 2011 auf Genuin (GEN 11218) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Joseph Haydn, Streichquartett in F-Dur op. 50 Nr. 5
2. Anton Webern, Fünf Sätze für Streichquartett op. 5
3. Joseph Haydn, Streichquartett in g-Moll op. 74 Nr. 3