Was kommt aber heraus, wenn man eine der verstörendsten Erzählungen Kafkas, nämlich In der Strafkolonie mit der hypnotischen, bisweilen durchaus sehr bedrohlich klingenden Minimal Music von Glass zusammenbringt?

Die vorliegende 2010 entstanden Aufnahme des Ensembles Music Theatre Wales unter der Leitung von Michael Rafferty mit dem Tenor Michael Bennett in der Rolle des Reisenden und der Bariton Omar Ebrahim als Offizier muss in vielerlei Hinsicht als herausragend bewertet werden. Die beklemmende Atmosphäre der literarischen Vorlage (und des von Rudolph Wurlitzer verfassten Librettos) werden klar verständlich vorgetragen; die bald rätselhafte, bald entsetzliche, bald klaustrophobische, bald bedrohliche Musik wird vom Waliser Musiktheater-Quintett präzise umgesetzt und trägt in nicht unerheblichem Maße zum wachsenden Horror bei; das ohnehin aktionsarme, reduzierte Bühnengeschehen wird durch einige wenige akustische Effekte verdeutlicht, der Rest wird der Phantasie überlassen: Mehr braucht es nicht, um den Spannungsbogen des knapp 80-minütigen Werkes umzusetzen. Ich wäre fast versucht vom Musiktheater als musikalisches Hörbuch zu schreiben, wenn ich damit nicht Glass’ exzellente Komposition zu weit in den Hintergund stellen würde.

Erfreulicherweise kommt die CD in einem ansprechend gestalteten Digipak (mit zusätzlichem Pappschuber) und einem schön gestalteten Booklet, das neben dem kompletten Libretto ebenso viele Bilder der 2010er-Aufführung von In The Penal Colony und eine aufschlussreiche Zusammenfassung und Analyse des Werkes, allerdings nur auf Englisch, beinhaltet. Akustisch, optisch und inhaltlich ein echtes Highlight im OMM-Katalog.

Tipp: Ein ausführliches Interview mit Philip Glass wurde anlässlich der Aufführungen in Großbritannien im Daily Telegraph veröffentlicht und kann → hier nachgelesen werden.

Musik, Text, Ausführung, Verpackung, Gestaltung: Ein echtes Highlight des späten Glass-Œuvres in einer angemessenen Aufmachung. Die besondere CD, erschienen im Januar 2012.

Die CD Philip Glass – In The Penal Colony des Music Theatre Wales unter der Leitung von Michael Rafferty ist am 20. Januar 2012 auf Orange Mountain Music (OMM 0078) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Denn die Werke Gubaidulinas – die sie selbst als „Züchtungen“ begreift, nicht als statische Bauwerke – zeichnen sich durch eine höchst moderne Offenheit aus, die auf allen Stufen des künstlerischen Prozesses bereit ist, neue Einflüsse aufzunehmen. Dieser prozessuale Charakter artikuliert sich zum Beispiel in den diversen Versionen der 1979 erstmals erschienenen Komposition „In Croce“, und bildet das nie müde werdende Interesse Gubaidulinas an musikalischen Phänomenen ab – zu denen nicht zuletzt die Entdeckungen gehören, die Musiker an ihren Instrumenten machen, wenn sie von ähnlicher Hingabe beseelt sind wie die Komponistin.

Auch die hier besprochene CD protokolliert eine solche Begegnung; in ihr scheint das 2003 uraufgeführte Konzert „Im Zeichen des Skorpions“ ganz zu vergessen, dass es ursprünglich für Bajan und großes Orchester komponiert wurde, und vertraut sich für die fast acht Minuten währende „Kadenza“ allein dem klassischen Akkordeon Iñaki Alberdis an. Eine Atempause soll diese eindringliche Interpretation im Sinne des Programms sein, die zwischen den geistlichen Stücken vermittelt – was für ein Anspruch! Aber er besteht am Ende doch zu Recht, angesichts der Dichte, die die „Sieben Worte“, „In croce“ und „Et exspecto“ durch die Intensität entwickeln, mit der sie hier vorgetragen werden.

Insbesondere das komplexe Zwie-, ja Trigespräch der „Sieben Worte“ ist der bewegende Glücksfall einer gelungenen Aufnahme Neuer Musik. Es wird von den beiden Solisten und dem Orchester mit so großer Sensibilität geführt, dass man die außergewöhnliche Präzision glatt überhört, mit der hier agiert wird. Gubaidulinas text- aber keineswegs sprachlose Fassung der Kreuzesworte, inspiriert durch Schütz und Haydn, öffnet so von der ersten Sekunde an die Welt ihrer klanglichen Gesten und instrumentalen Metaphern. Eine Welt, die unter dem seit jeher gänzlich unzeitgemäßen Thema der Kreuzestheologie steht und sich hier – wie in dem ursprünglich für Cello und Orgel komponierten „In croce“ – auf vollkommen untheologische Weise manifestiert: als ein vielschichtiger künstlerischer Vollzug religiöser und humaner Motive – wenn man das Wort „Motiv“ denn einmal etwas aus der Musikwissenschaft befreien, und seiner Bedeutung einen Aspekt wie „Beweggrund“ hinzudenken will. Dieser ethische Grundzug ist der Musik Gubaidulinas eigen, und sie komponiert das Kreuzmotiv auf allen Ebenen, die ihr zur Verfügung stehen, bis in die Gestaltung des Notenbildes der „Sieben Worte“ hinein; sie nimmt den Atem der Balgbewegung und die mechanischen Geräusche des Akkordeons ebenso auf wie die Kreuzsymbolik, die in der Haltung des Cellos liegt, und die Klangsphären der Saitenbereiche vor und hinter dem Steg. Nicht zu vergessen die mathematischen Strukturen, die für Gubaidulina bekanntermaßen wichtig sind; sie stellen in einem musikalischen Prozess, der der Prozession nahe kommt, jene Ordnung her, die die Komponistin als den Zweck ihrer Musik begreift: als die „Wiederherstellung der Einbindung, als Wiederherstellung des ‚Legatos’ im Leben.“

Lässt sich Musik, die einem solchen Anspruch folgt, überhaupt auf CD pressen? Diese Frage habe ich mir mehr als einmal bei Werken Gubaidulinas gestellt, und halte es für ein unbedingtes Qualitätsmerkmal der vorliegenden Aufnahme, dass sie die Frage selbst nach wenigen Minuten verschwinden lässt. Die besondere CD, erschienen im November 2011.

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die CD Sofia Gubaidulina – Kadenza des Basque National Orchestra unter der Leitung von José Ramón Encinar und mit den Solisten Iñaki Alberdi (Akkordeon) und Asier Polo (Violoncello) ist am 14. November 2011 bei Etcetera Records (KTC 1433) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Seven Words
2. In croce
3. Kadenza
4. Et exspecto

»Der Klarinettist Don Byron bezeichnete Steve Coleman als “Ausnahmepersönlichkeit der amerikanischen Musikgeschichte”. Der Pianist Vijay Iyer sagte im Jahr 2010: “In meinen Augen ist Steve [Coleman] so bedeutend wie [John] Coltrane. Er hat einen gleich großen Beitrag zur Musik-Geschichte geleistet. Er verdient, in den Pantheon der wegweisenden Künstler aufgenommen zu werden.”«¹

Steve Coleman ist in der Tat einer der letzten Nonkonformisten im US-amerikanischen Jazz. Seine Musik lässt sich nicht in die gängigen Kategorien pressen. Seitdem er Mitte der 1980er Jahre als Solist in Erscheinung trat, hat er sein Publikum immer wieder durch neue Entwicklungen und neue Ideen zu neuen Klängen geführt. Der einzige rote Faden blieb dabei sein virtuos-bewegliches, dabei aber elegantes und außergewöhnlich klares Saxophonspiel. So nonkonformistisch und individuell seine Musik über die letzten 25 Jahre blieb, so nonkonformistisch blieb er auch im Umgang mit der Musikindustrie. Coleman meidet seit Jahren die großen Major Labels und bevorzugt kleine, unabhängige Plattenfirmen. Seit 2010 veröffentlicht er beim US-amerikanischen Label Pi Recordings. Eine interessante Fußnote zu seiner Diskografie: Alle älteren Alben, die von ihm derzeit nicht im Handel sind, bietet er bereits seit Anfang der 2000er kostenlos zum Download (im MP3-Format) auf seiner Homepage an und führt in einer interessant zu lesenden Essay aus, was ihn dazu bewogen hat². Er gilt damit als einer der Pioniere der kostenlosen, legalen Downloads.

Sein neues Album »The Mancy of Sound« folgt dem Stile des erfolgreichen Vorgängers »Harvesting Semblances and Affinities« (2010) und präsentiert Coleman auf dem Höhepunkt seiner Kreativität im Zusammenspiel mit einem exzellent harmonierenden Band-Kollektiv. Kernstück des neuen Albums ist die Odú Ifá Suite, in der Steve Coleman die vier Elemente aus Sicht der westafrikanischen Yoruba-Kultur und -Religion charakterisiert, einer Kultur also, die ihre Spuren quasi undercover in den Kulturen jener Länder hinterließ, in die Menschen dieser Region versklavt wurden. Colemans multi-ethnischer Ansatz verbindet folgerichtig Klänge und Rhythmen Kulturen miteinander. Er tut dies gewiss nicht zum ersten Mal: Lange bevor der Begriff ‘Weltmusik’ zum Modeetikett für nach westlichem Geschmack geglättete Popmusik mit exotischem Flair wurde, waren er einer der wenigen Jazz-Pioniere, der den improvisierten Jazz gleichberechtigt mit den verschiedensten Kulturen verband, die Improvisation nicht einfach überstülpte, sondern integrierte. Auf »The Mancy of Sound« verbindet er westafrikanische Klänge, Rhythmen und Motive mit der Musik der Nachfahren der Sklaven aus Brasilien, Kuba und Haiti und seinem freien, dennoch aber durchkonzipierten Jazz zu einer übergeordneten Entschlüsselung einer uns fremden Weltsicht, ganz ohne Glättung, ganz ohne Anpassung.

Zur Beschallung der Jazz-Lounge ist Stec gewiss nicht geeignet. In einer Szene, die sich zwischen konservativen Bewahrern, aufgesetzt-lasziven Langeweile der (sogenannten) Jazz-Chanteusen und den überdrehten Hip-Hop- und Dubstep-Tanzbarkeiten langsam aufreibt und an Bedeutung und Innovationskraft verliert, knüpft Steve Coleman mit seiner Musik (zumindest von der Philosophie her) an die mutigen Erneuerer des Jazz wie John (und Alice) Coltrane und Charles Mingus an. Wer intelligenten, komplexen Jazz schätzt, der sich erst nach und nach erschließt (und dafür nicht gleich abnutzt), der findet auf Steve Colemans Meisterwerken wie The Mancy of Sound hochwertigste Musik.

Die CD The Mancy Of Sound von Steve Coleman and Five Elements ist am 18. November 2011 auf Pi Recordings (PI 38) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Jan 18
2. Formation 1
3. Fire-Ogbe (Odú Ifá Suite)
4. Earth-Idi (Odú Ifá Suite)
5. Air-Iwori (Odú Ifá Suite)
6. Water-Oyeku (Odú Ifá Suite)
7. Formation 2
8. Noctiluca (Jan 11)

Besetzung:

• Steve Coleman – Alt-Saxophon
• Tim Albright – Posaune
• Jonathan Finlayson – Trompete
• Marcus Gilmore – Schlagzeug
• Thomas Morgan – Bass
• Ramon Garcia Perez – Percussion
• Jen Shyu – Gesang

Fußnoten:

¹ – Wikipedia-Artikel zu Steve Coleman
² – Why do I give away some of my music by Steve Coleman

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Sofia Gubaidulina (*1931) und ihr weites, vielseitiges Werk erfahren in diesem Jahr allseits besondere Aufmerksamkeit, anlässlich des 80. Geburtstages der großen Komponistin. Bei Neos legt Martin Heinze nun eine umfassende Sammlung ihrer Arbeiten für Kontrabass vor – ein Genuss für Ohr und Geist, der mehr als drei Stunden währt und auch für denjenigen noch Überraschendes birgt, der Gubaidulinas Musik bereits für sich entdeckt hat. Von ihren künstlerischen Anfängen bis in die Gegenwart hinein reichen die Stücke für Kontrabass, die hier erstmals in ihrer Gesamtheit eingespielt wurden: eine Wanderung durch die fast fünf Jahrzehnte ihres freien kompositorischen Schaffens, die auch eine gute Einführung in die Klangwelten Sofia Gubaidulinas bietet. Nicht zuletzt liefert Heinze mit diesen drei CDs ein starkes Plädoyer für den Bass, der solistisch und kammermusikalisch weiterhin zu den verkannten Instrumenten gerechnet werden muss, und dessen Fülle an klanglichen Möglichkeiten hier eindrucksvoll hörbar wird.

Dass gerade Sofia Gubaidulinas Musik dabei auch noch das allerletzte Ressentiment brummiger Bass-Schwerfälligkeit widerlegt, ist kein Zufall – im Gegenteil, denn in welchen Händen wäre eine Randexistenz wie der Kontrabass besser aufgehoben! Es ist ja gerade das außergewöhnliche Talent dieser Komponistin, jedem Instrument, für das sie schreibt, weitere Klangräume zu eröffnen als es zuvor selbst von sich kannte. Dieses Gespür für das instrumental Mögliche und die Neugier sind nicht nur der Ausgangspunkt ihrer Musik, sondern gehören zu ihren zentralen kompositorischen Verfahrensweisen – ein wichtiger Grund dafür, dass Sofia Gubaidulina zugleich ein erstaunlich großes Publikum erreicht wie sie für so viele Musiker interessant ist, die „Klangphantasien aus der Vergangenheit … auf geniale Weise zu musikalischer Form verdichtet“ finden, wie es Martin Heinze in seinem aufschlussreichen und persönlichen Begleittext schildert. Solches geschieht wohl nicht nur dem Kontrabassisten selten – und dass auch der Zuhörer von dieser hochmodernen Tonkunst berührt wird, ist eine glückliche Koinzidenz.

Denn über die komplexen künstlerischen Strukturen im Werk von Sofia Gubaidulina hinaus, die nach und nach ihre angemessene Würdigung durch die Musikwissenschaft erfahren, ist es der offene, organische Charakter, der ihre Klangsprache auszeichnet und von einer Zugänglichkeit ist, wie man sie der Gegenwartsmusik nicht gerade nachsagt. Wo Heinze den konstitutiven Raum für die Improvisation lobt, der dem interpretierenden Musiker eröffnet wird, kann das Ohr etwas wie eine Poesie des Hörens erfahren; und die Einladung dazu wird bei dieser Veröffentlichung leicht und gern angenommen, allein schon wegen der Vielseitigkeit der Themen und der Ensembles, in denen der Bass seine Stimme erklingen lässt.

Zu Beginn stehen die Fünf Etüden für Harfe, Kontrabass und Perkussion von 1965, Gubaidulinas erste künstlerische Veröffentlichung, die nicht nur ein Zeugnis ihrer frühen Meisterschaft ist, sondern auch ein Dokument der leisen und vollkommen kompromisslosen Unvereinbarkeit mit der sozialistischen Kunstdoktrin, wegen der sie bis Mitte der 1980er Jahre nur unter schwierigen Bedingungen arbeiten und leben konnte. Es ist interessant, im Fortgang des chronologisch angelegten Programms zu beobachten, dass der Kontrabass regelmäßig wiederkehrte: 1966 mit der Pantomime für Bass und Klavier, 1974 mit den Acht Etüden für Kontrabass und ein Jahr später mit der Sonate für Kontrabass und Klavier.

Die zweite CD dokumentiert die lange und tiefe Beschäftigung Gubaidulinas mit dem russischen Knopf-Akkordeon Bajan, wie der Kontrabass ein Außenseiter unter den Instrumenten und die wohl prominenteste „musikalische Rettung“ der Komponistin. In Croce von 1979 für Bass und Bajan, besonders aber Silenzio für Bajan, Violine und Kontrabass von 1991 sind Höhepunkte dieser Sammlung, die zudem weite Ausblicke zu anderen prominenten Werken Gubaidulinas bieten, etwa zu ihrem Violinkonzert in tempus praesens, das Silenzio an mancher Stelle berührt.

Neben Quasi Hoquetus von 1984 für Viola, Bass und Klavier bringt die zweite CD das Lied Ein Engel für Alt und Bass zu Gehör, die 1994 entstandene Vertonung eines Gedichts von Else Lasker-Schüler, die zu den 15 Galgenliedern von Christian Morgenstern auf der dritten CD überleitet, letztere komponiert im Jahre 1996 für Mezzo-Sopran, Perkussion und Kontrabass. Seinen fulminanten Abschluss findet das Programm im Pentimento von 2007, der Bearbeitung von Ravvedimento, einer ursprünglich für Cello und Gitarrenquartett geschriebenen Komposition. Sie ist als solche ein weiterer, beeindruckender Beleg dafür, wie die offene Wandlungsfähigkeit des Klangempfindens im Werk Gubaidulinas zu kompositorischen Strukturen findet, die konstant, ja gesetzmäßig sind, ohne je zu erstarren.

Die Freude, die die Interpretation solcher Musik bereitet, ist dieser großartigen Referenz-Aufnahme für den Kontrabass durchweg anzuhören. Martin Heinze hat sie mit Kollegen realisiert, die nicht nur die erforderlichen hohen spielerischen Fähigkeiten mitbringen, sondern vor allem die künstlerische Reife für den Umgang mit einer solchen Musik, die Heinze treffend als von elementarer Kraft, zugleich aber sehr fragil charakterisiert. Dass das Gitarrenquartett Quasi Fantasia die Uraufführung von Ravvedimento spielte und die Bajanistin Elsbeth Moser die Widmungsträgerin von Silenzio ist, braucht dabei nur ergänzend bemerkt zu werden. Es scheint, dass die halboffene, netzwerkartige Struktur des Ensembles KlangArt Berlin, das Martin Heinze gemeinsam mit dem Perkussionisten Jan Schlichte und der Pianistin Heike Gneiting bildet, eine gute Grundlage für ein Projekt wie dieses ist, zumal dann, wenn es um Musik geht, die von nichts anderem gebunden ist als von der Freiheit der Kunst. Unsere CD des Monats im November 2011.

Die CD Sofia Gubaidulina – Chamber Music with Double Bass von Martin Heinze und dem Ensemble KlangArt Berlin and friends ist am 14. Oktober 2011 auf NEOS (NEOS 11106-08) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Five Etudes for harp, double bass and percussion
2. Pantomime for double bass and piano
3. Eight Etudes for double bass
4. Sonata for double bass and piano
5. In Croce for double bass and bayan
6. Quasi Hoquetus for viola, double bass and piano
7. Silenzio for bayan, violin and double bass
8. Ein Engel, Lied for alto and double bass
9. Galgenlieder à 3, 15 pieces for mezzo-soprano, percussion and double bass
10. Pentimento for double bass and three guitars

Aber Brooklyn Rider können deutlich mehr, als “heimische Musik” interpretieren: Sie haben ein ausgesprochenes Faible (und Talent) für die Musik von Claude Debussy (1862-1918), schreiben ihre eigenen hochinteressanten Werke oder arrangieren persische oder kurdische Volkslieder zu spannenden, effektvollen Streichquartett-Miniaturen.

Bei einem Besuch im US-amerikanischen öffentlichen Radio NPR haben Brooklyn Rider im Januar 2010 ein gut viertelstündiges Konzert gegeben, genauer gesagt ein »Tiny Desk Concert«, weil die Konzerte am Büro-Schreibtisch (=desk) des NPR-Redakteurs Bob Boilen stattfinden. Das Konzert kann man sich als Video anschauen (s. hier unten ↓)

oder als MP3 kostenlos → hier herunterladen.

Setlist:

1. Vagharshabadi Dance (Kurdischer Folklore)
2. Colin Jacobsen – Second Bounce
3. Claude Debussy – 2. Satz aus dem Streichquartett in g-Moll
4. Ascending Bird (Persische Folklore)

Weitere Infos zu Brooklyn Rider, dem Konzert und weiteren Tiny Desk Concerts aus Pop, Jazz und (moderner) Klassik finden man → hier.

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Die Doppel-CD Brooklyn Rider plays Philip Glass ist am 17. Juni 2011 auf Orange Mountain Music (OMM 0074) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Jeweils den gleichen Text Teresas’ (Efficacia de la paciencia, zu Deutsch Lob der Geduld) und Johannes’ (En una noche oscura, zu Deutsch In einer dunklen Nacht) haben die drei Komponisten vertont; außerdem befindet sich noch jeweils ein anderes Werk der Komponisten auf der CD. Die Ergebnisse sind wie gesagt bei den mystischen Texten sehr unterschiedlich ausgefallen: Von den drei Komponisten ist Roderick Williams, im “Hauptberuf” Bariton, der konservativste der drei; seine Stücke sind (im Vergleich zu den beiden anderen Komponisten) geradezu freundlich. Ambivalenter sind da schon O’Regans Umsetzungen, die vielschichtig das Chiaroscuro der Texte auszuloten scheinen, Am drastischsten fallen die Werke von Ruth Byrchmore aus, die die aufwühlende Emotionalität der Texte mit einer effektreichen, eindrucksvollen Tonsprache umsetzt.

Ganz gleich wessen Musik The Sixteen umsetzen, wie immer souverän geleitet von Harry Christophers, das Ergebnis ist meisterhaft. Mit teilweise geradezu überirdischen schönen Stimmen (Grace Davidson als Solistin in Byrchmores A Birthday ist eigentlich schon alleine die Anschaffung des Albums wert), perfektem Timing im Chor und einer exquisiten Aufnahmetechnik gehört diese CD mit frischen, interessanten Werken zu den Chormusik-Highlights des Jahres.

Die CD O Guiding Night – The Spanish Mystics von The Sixteen unter der Leitung von Harry Christophers mit Werken von Tarek O’Regan, Ruth Brychmore und Roderick Williams ist am 17. Juni 2011 auf Coro (COR 16090) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Tarik O’Regan – fleeting, God (Text: hl. Teresa von Ávila)
2. Ruth Byrchmore – The Dark Night (Text: hl. Johannes vom Kreuz)
3. Tarik O’Regan – O vera digna hostia (Text: hl. Wulfstan)
4. Roderick Williams – O Guiding Night (Text: hl. Johannes vom Kreuz)
5. Ruth Byrchmore – Prayer of St. Teresa de Ávila (Text: hl. Teresa von Ávila)
6. Tarik O’Regan – Beloved, all things ceased (Text: hl. Johannes vom Kreuz)
7. Roderick Williams – Let Nothing Trouble You (Text: hl. Teresa von Ávila)
8. Ruth Byrchmore – A Birthday (Text: Christina Rossetti)
9. Roderick Williams – O Adonai (O-Antiphon)

Und berechenbar und trivial ist dieses Trio gewiss nicht, denn nicht nur was man auf dieser (Quasi-)Debüt-CD (vorletztes Jahr erschien in einer Kleinstauflage bereits eine CD mit Werken von Max Reger und Joseph Haydn) spielen, sondern auch wie ist wirklich bemerkenswert: Zum einen fällt der Wohlklang des Spiels von Hwa-Won Pyun an der Violine und von Lena Wignjosaputro am Cello sofort auf, sicher auch Verdienst einer sehr guten Aufnahmetechnik, zum anderen fällt das harmonische, durchaus temperamentvolle Spiel der drei jungen Musiker miteinander sehr positiv auf. Das Trio hat Meisterkurse beim Florestan Trio und beim Alban Berg Quartett belegt und die Einsichten dieser (bei allem Respekt) Altmeister der Kammermusik haben das Trio offenbar beflügelt.

Mein persönliches Highlight steht direkt am Anfang des Albums: Das faszinierende Trio on Popular Irish Tunes des jungen Frank Martin hat alles, was man sich von einem Klaviertrio wünschen kann: Hinreißende, manchmal überraschend zerbrechliche Melodien, schöne Einzelstimmen, die kunstvoll in einander verwoben sind und kontrastreiche, rhythmisch abwechslungsreiche Sätze. Wenn es dann auch noch so kunstvoll und vor allem kitschfrei gespielt wird – kein Geplärre vom Klavier als Klimperkasten, kein kratziges Geschrammel auf der Violine als Fiddle, um vermeintlich “irischer” zu klingen – dann fragt man sich, warum das Trio nicht viel öfter aufgenommen wurde. Überhaupt überraschen die drei jungen Musiker durch einen warmen, angenehmen, zart schmelzenden, aber nicht zu sentimentalen Klang, den sie kraftvoll und nuancenreich umsetzen.

Wer auf so hohem Niveau debütiert, der lässt freilich auf noch größere Taten hoffen. Denn jetzt wäre ich wirklich gespannt, was sie aus den ‘Gassenhauern’ von Beethoven, Shostakovich, Dvořák oder Mendelssohn herausholen könnten.

Die CD Works for Piano Trio by Antonín Dvořák, Joseph Finlay and Frank Martin des Leibniz Trio ist am 20. Mai 2011 auf Genuin (GEN 10208) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Frank Martin – Trio On Popular Irish Folk Tunes(1924/25)
2. Antonín Dvořák – Trio in f-Moll, op. 65 (1883)
3. Joseph Finlay – Piano Trio (2006)

Facing Goya (2002-Cover)

Die über zwei Stunden lange, über vier Akte verlaufende Oper Facing Goya (Libretto: Victoria Hardie) hat eine lange Entwicklungsgeschichte hinter sich, die sich über mehrere Jahrzehnte erstreckt, bis sie in einer (endgültigen?) Fassung aufgeführt und aufgenommen wurde. Als Quellen enthält sie zum einen Motive aus der 1985 entstandenen TV-Produktion »The Kiss« (mit Texten italienischer Maler des 15. Jahrhunderts), zum anderen basiert sie auf den Einakter »Vital Statistics« (Libretto: Victoria Hardie) von 1987. Im Laufe der Jahre arbeiteten Nyman und Hardie immer wieder an Vital Statistics, fügte Ideen hinzu, verwarf Konzepte usw., bis daraus die heute bekannte Fassung Facing Goya entstand, die dann auch 2002 für Nymans damaliges Label Warner Classics aufgenommen und veröffentlicht wurde. Es sangen Winnie Böwe (Sopran), Marie Angel (Sopran), Hilary Summers (Alt), Harry Nicoll (Tenor) und Omar Ebrahim (Bariton), der schon bei The Kiss den männlichen Gesangspart übernommen hatte. Es spielte das Kammerensemble Michael Nyman Band (!) unter der Leitung des Komponisten.

Facing Goya (2011 Cover)

2005 gründete Michael Nyman, als einer der ersten zeitgenössischen Komponisten, seine eigene Plattenfirma MN Records, um volle künstlerische (und wirtschaftliche) Kontrolle über seine Musik haben zu können. Auf MN Records erscheinen aber nicht nur Neuproduktionen, sondern (nach und nach) bereits bei anderen Labels veröffentlichte Aufnahmen, an denen Michael Nyman die Rechte besitzt bzw. zurückerhalten konnte.

Und wie essentiell diese Wiederveröffentlichung ist, kann man erst ermessen, wenn man eingetaucht ist in diese faszinierende, verwirrende und skurrile Geschichte um Genetik, Klonen und den Schädel des berühmten Malers, der das Geheimnis seiner Kunst preisgeben soll. Die ungewöhnliche Instrumentierung (Streicher, Bläsern – inklusive Euphonium – und zwei (E-)Gitarren), die exzellenten Sänger machen aus der langen Oper eine überraschend kurzweilige, abwechslungsreiche Angelegenheit. Vor allem Hilary Summers mit ihrer natürlichen Intonation und ihrem warm gefärbten Alt ist unbedingt hörenswert. Dazu kommt Nymans unnachahmliche Art Genre-Grenzen zu ignorieren und zu verwischen: Auch wenn es dem einen oder anderen als Blasphemie vorkommen mag, so kann man sich durchaus einzelne Nummern (fast) als Stücke vorstellen, die so auch auf einem Avantgarde-Rock-Album der spätem 1970er hätten erscheinen können. Andere Stücke zeigen wiederum Referenzen an die großen britischen Opernkomponisten des 20. Jahrhunderts (sogar ein wenig Britten ist vernehmbar), andere haben regelrechten Ohrwurm-Charakter.

Die Neuausgabe kommt in einem schön gestalteten Digipak, mit einem ausführlichen (allerdings nur englischsprachigen) seperaten Booklet in einem stabilen Schuber und mit einer Bonus-CD, auf der Auszüge (jeweils dem 2. Akt) aus den zeitlich nahen Opern Man and Boy: DaDa und Love Counts zu hören sind.

Eine zeitgenössische Oper, die man gehört haben sollte, gerade wenn man normalerweise nicht unbedingt ein Opern-Fan ist und sich musikalisch in anderen Genres zu Hause fühlt. Der Filmmusik-Komponist Michael Nyman erweist sich als einer originellsten und versiertesten Opern-Komponisten. CD des Monats im Mai 2011.

Das 2-CD-Set (plus Bonus-CD) Facing Goya mit der Michael Nyman Band ist am 20. Mai 2011 auf MN Records (MNRCD 121) wiederveröffentlicht worden und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Hier findet man die → Liste der diesjährigen Preisträger.

Seine aktuellste Veröffentlichung, das 3-CD-Set Facing Goya mit der Michael Nyman Band ist am 20. Mai 2011 auf MN Records (MNRCD 121) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Die vorliegende bei Linn Records erschienene SACD, gleichzeitig ihr Debüt als Solistin, präsentiert ihre selbst-arrangierten Bearbeitungen dreier »Meisterwerke der 1980er« wie sie im Booklet schreibt, die sie in enger Abstimmung mit Steve Reich persönlich erstellt hat. Es handelt sich dabei um Bearbeitungen der Stücke “Electric Counterpoint” (von 1987), “Six Marimbas” (1986) und “Vermont Counterpoint” (1982), also beileibe nicht nur um Stücke, die von Reich für Schlagwerk intendiert waren: “Electric Counterpoint” wurde ursprünglich für den Jazz-Gitarristen Pat Metheny geschrieben, “Vermont Counterpoint” wurde für drei Flöten geschrieben, lediglich “Six Marimbas” ist auch in der Originalfassung für Schlagwerk (wie der Name schon nahe legt für sechs Marimbas). Die nun auf »kuniko plays reich« veröffentlichten Ergebnisse haben den Komponisten offensichtlich beeindruckt. In einer Art Widmung zum Album schreibt er:

»Kuniko Kato ist einer erstklassige Perkussionistin, die eine Menge umsichtiger Überlegungen und viele Stunden an Proben in dieses Album investiert hat. Sie hat neue, wunderschöne Arrangements geschaffen.«

Tatsächlich sind Kunikos Arrangements sehr filigran und vielschichtig geworden. Durch eine umsichtige Wahl der jeweils eingesetzten Instrumente (die teilweise als Band-Aufnahmen eingespielt werden – eine typische Technik in der Minimal Music) hat die junge Musikerin eine geradezu dreidimensional wirkende Transparenz der hypnotisierend pulsierende Stücke erzielt. Dass sie sich dabei als äußerst versierte, technisch beeindruckende Perkussionistin dem Publikum vorstellt, ist fast schon eine Selbstverständlichkeit. Die perfekte Klangqualität der Aufnahmen und die lesenswerten persönlichen Anmerkungen im Booklet (leider nur auf Englisch) runden das sehr positive Bild der Veröffentlichung ab.

Mit diesem Debüt hat es Kuniko geschafft, sich nicht nur als eine der Besten ihres Fachs zu empfehlen, sondern auch als eine intelligente Arrangeurin, die mit den gegebenen gestalterischen Freiheiten der zeitgenössischen Musik umzugehen weiß. Die besondere CD, erschienen im Mai 2011.

Die SACD kuniko plays reich von Kuniko (Kato) ist am 20. Mai 2011 auf Linn Records (CKD 385) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Electric Counterpoint, Version for Percussions (1987/2009) – Arr. for Steel Pans, Vibraphone, Marimba & pre-recorded Tape: Kuniko Kato
2. Six Marimbas Counterpoint (1986/2010) – Arr. for Solo Marimba & pre-recorded Tape: Kuniko Kato
3. Vermont Counterpoint, Version for Vibraphone (1982/2010) – Arr. for Vibraphone & pre-recorded Tape: Kuniko Kato