Auf dem Album 8 Seasons koppeln die unkonventionellen Belgier die berühmten Violinkonzerte Le Quattro Stagioni von Antonio Vivaldi (1678-1741) mit einer Barockorchester-Bearbeitung des Streichquartetts von John Cage (1912-1992). In der Rubrik »Take 5« des mitteldeutschen Kultursenders mdr Figaro wurde nun das Album den Hörern ans Herz, pardon ans Ohr gelegt.

Redakteur André Sittner schreibt über das Albums:

»Ein sehr gekonnter Vivaldi, der sich nicht hinter den bekannten wichtigen Aufnahmen verstecken muss. Doch das allein macht nicht den Reiz dieses Doppelalbums aus (…)  Es ist auch die eigentümliche CD-Kombination mit dem Streichquartett in vier Teilen von John Cage. Diese Gegenüberstellung offenbart in erstaunlicher Weise eine Wesensverwandtschaft dieser Musiken.«

Ein Resümee, das übrigens dem in meiner → Besprechung ganz ähnlich ist.

Den gesamten Artikel zur Take-5-Ausgabe vom 30. Januar 2012 findet man → hier.

Die Doppel-CD Antonio Vivaldi | John Cage – 8 Seasons des Barockorchesters B’Rock mit Rodolfo Richter als Solisten  ist am 20. August 2010 auf Etcetera (KTC 1429) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Was kommt aber heraus, wenn man eine der verstörendsten Erzählungen Kafkas, nämlich In der Strafkolonie mit der hypnotischen, bisweilen durchaus sehr bedrohlich klingenden Minimal Music von Glass zusammenbringt?

Die vorliegende 2010 entstanden Aufnahme des Ensembles Music Theatre Wales unter der Leitung von Michael Rafferty mit dem Tenor Michael Bennett in der Rolle des Reisenden und der Bariton Omar Ebrahim als Offizier muss in vielerlei Hinsicht als herausragend bewertet werden. Die beklemmende Atmosphäre der literarischen Vorlage (und des von Rudolph Wurlitzer verfassten Librettos) werden klar verständlich vorgetragen; die bald rätselhafte, bald entsetzliche, bald klaustrophobische, bald bedrohliche Musik wird vom Waliser Musiktheater-Quintett präzise umgesetzt und trägt in nicht unerheblichem Maße zum wachsenden Horror bei; das ohnehin aktionsarme, reduzierte Bühnengeschehen wird durch einige wenige akustische Effekte verdeutlicht, der Rest wird der Phantasie überlassen: Mehr braucht es nicht, um den Spannungsbogen des knapp 80-minütigen Werkes umzusetzen. Ich wäre fast versucht vom Musiktheater als musikalisches Hörbuch zu schreiben, wenn ich damit nicht Glass’ exzellente Komposition zu weit in den Hintergund stellen würde.

Erfreulicherweise kommt die CD in einem ansprechend gestalteten Digipak (mit zusätzlichem Pappschuber) und einem schön gestalteten Booklet, das neben dem kompletten Libretto ebenso viele Bilder der 2010er-Aufführung von In The Penal Colony und eine aufschlussreiche Zusammenfassung und Analyse des Werkes, allerdings nur auf Englisch, beinhaltet. Akustisch, optisch und inhaltlich ein echtes Highlight im OMM-Katalog.

Tipp: Ein ausführliches Interview mit Philip Glass wurde anlässlich der Aufführungen in Großbritannien im Daily Telegraph veröffentlicht und kann → hier nachgelesen werden.

Musik, Text, Ausführung, Verpackung, Gestaltung: Ein echtes Highlight des späten Glass-Œuvres in einer angemessenen Aufmachung. Die besondere CD, erschienen im Januar 2012.

Die CD Philip Glass – In The Penal Colony des Music Theatre Wales unter der Leitung von Michael Rafferty ist am 20. Januar 2012 auf Orange Mountain Music (OMM 0078) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Zu dieser ‘neuen Generation’ von Künstlern, die Shostakovich undogmatisch betrachten, gehört zweifelsohne auch der italienische Cellist Enrico Dindo, der 1997 den renommierten Rostropovich-Wettbewerb in Paris gewann, um den es aber, zumindest außerhalb Italiens, nach diesem Erfolg etwas still wurde. Das könnte sich mit seiner neuen, für Chandos aufgenommenen SACD ändern. Gemeinsam mit dem Danish National Symphony Orchestra unter der Leitung seines Landsmanns Gianandrea Noseda, hat er die zwei Cellokonzerte Shostakovichs aufgenommen. Und ausgerechnet das Ergebnis dieser dänisch-italienischen Koproduktion für ein englisches Label erweist sich als äußerst gelungene Umsetzung dieser Werke, denen man gerne ein Quasi-Monopol für russische Künstler nachsagt. Dieses unerwartete Ergebnis hat viele Gründe.

Da wäre zunächst das glänzend aufgelegte dänische Radiosinfonieorchester zu nennen, das sich mit seinem energiegeladenen, rhythmischen Spiel als hervorragender Klangkörper für die burleske, sprunghafte Musik Shostakovichs eignet. Vor allem die kraftvolle und präzise Bläsersektion weiß beim 1. Cellokonzert, wo sie besonders prominent gefordert ist, vollends zu begeistern. Gianandrea Noseda belegt nach seiner hochgelobten 2005er-Aufnahme der Suite nach Worten von Michelangelo, op. 145 erneut sein gutes Gespür für die innere Balance der paradoxen Klangwelt Shostakovichs. Schließlich ist es der Solist Enrico Dindo, der mit seinem weichen, aber nicht zu süßlichen, kraftvollem, aber nicht zu vordergründigen, temperamentvollem, aber nicht ruppigen Spiel die Aufnahme auszeichnet. Dindo gelingt es, den Spagat zwischen den schnellen, technisch anspruchsvollen Sätzen und den emotional dichten langsamen Sätzen überzeugend zu gestalten. Das Widersprüchliche, das Shostakovichs Musik auszeichnet, der Dialog zwischen sottendem Zynismus und introvertierter Fragilität, wird (glücklicherweise!) nicht aufgehoben, wohl aber in seiner Interpretation kohärent aufgearbeitet.

Mag sein, dass sich Dindo bisher nur national als Interpret hervorgetan hat, mit dieser Aufnahme unterstreicht er seine internationale Ambitionen. Der exzellente Klang der SACD und das informative, mehrsprachige Booklet runden den sehr positiven Eindruck dieser wirklich sehr empfehlenswerten Veröffentlichung ab. Die CD des Monats, erschienen im Januar 2012.

Die SACD Dmitri Shostakovich – Cello Concertos Nos. 1 and 2 von Enrico Dindo mit dem Danish National Symphony Orchestra unter der Leitung von Gianandrea Noseda ist am 20. Januar 2012 auf Chandos (CHSA 5093) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Cellokonzert No. 1 in Es-Dur, op. 107 (1959)
2. Cellokonzert No. 2 in Es-Dur, op. 126 (1966)

»Reger, ein leeres, gefährliches Können und eine Lüge dazu. (…) Er ist nichts, er hat nichts als eine Fingerfertigkeit höherer Ordnung, und das Empörende daran bleibt, dass er doch nicht nur nichts ist, ein Quell der beständigen, fruchtlosen Irritierung.«

Sein Komponistenkollege Arnold Schönberg(1874-1951) dagegen konstatierte:

»Reger muss meines Erachtens viel gebracht werden: 1. weil er viel geschrieben hat. 2. weil er schon tot ist und man immer noch nicht Klarheit über ihn besitzt. (Ich halte ihn für ein Genie).«

Max Reger (Max Beckmann, 1917)

Und Paul Hindemith (1895-1963), einer seiner bedeutendsten Schüler, sagte lapidar:

»Max Reger war der letzte Riese in der Musik.«

Als einen solchen hat Max Beckmann (1884-1950) den Komponisten kurz nach dessen Tod gemalt. (s. rechts). Die neue Aufnahme seines monumentalen Violinkonzerts mit der Geigerin Tanja Becker-Bender und dem Konzerthausorchester Berlin unter der Leitung von Lothar Zagrosek, erschienen beim britischen Label Hyperion Records, bietet nun eine gute Gelegenheit, den „Fall Reger“ neu zu überdenken.

Regers einziges Violinkonzert, im Jahr 1907 parallel zu seinen „Hiller-Variationen“ op. 101 und seinem nicht minder monumentalen Klaviertrio op. 102 „während langer Eisenbahnfahrten ‚im Kopf ausgearbeitet’“, wie es im sehr lesenswerten Booklet-Text heißt, teilt das Schicksal seines ebenfalls einzigen Klavierkonzerts: Es wird (um die Formulierung Schönbergs zu variieren) nicht viel gebracht: 1. weil es sehr schwer zu spielen und zu hören ist. 2. weil man immer noch nicht Klarheit darüber besitzt. (Ich halte beide Konzerte für genial).

Ganz offensichtlich stellt sich Reger mit seinem dreisätzigen Konzert in die Reihe der großen, singulären Werke von Beethoven und Brahms und betrachtete seinen eigenen Beitrag zu dieser Gattung wohl als eine Art der monumentalen Überbietung – und das bestimmt nicht im Sinne der Qualität, sondern zunächst einmal der Quantität und Masse. Genau diese spezifisch Regersche Form der Opulenz ist dem Komponisten im Laufe der höchst unglücklichen Rezeptionsgeschichte seines Œuvres immer wieder vorgeworfen worden. Dabei verstellt nichts so sehr den Blick auf einen der faszinierendsten und fragilsten (!) deutschen Tonsetzer wie dieser Vorwurf. Regers Klangballungen, seine fast schon pathologisch zu nennenden chromatischen Wucherungen und seine geradezu manische Phrasierungsbesessenheit – viele seiner Notenbilder (s. links) sind kalligraphische Kunstwerke vom Schlage eines Cy Twombly oder Hans Hartung – zielen gerade nicht auf Wagners totale Absorbierung des Hörers, sondern bleiben trotz aller Opulenz feinst gezeichnete Protokolle von kammermusikalischer Intimität und Introspektion. Auch wenn es – vor allem in seiner Orchestermusik – vielleicht so klingen mag: Reger war kein Al-Fresco-Maler, sondern Kalligraph.

Ich wage die Behauptung, dass mit Max Reger die „absolute Musik zu ihrem „absoluten Höhepunkt“ kommt. Kein Komponist vor ihm (auch nicht Brahms) und keiner nach ihm (auch nicht Webern) hat so radikal und unbedingt „absolut reine Nur-Musik“ geschrieben wie Reger, und nichts charakterisiert ihn vielleicht besser, als dass niemand – am allerwenigsten er selbst – es gewagt, geschweige denn geschafft hat, einem seiner Kammermusikwerke (um bei der „reinsten“ Gattung zu bleiben) einen illustrierenden Namen anzuhängen. Es gibt – und das ist das spezifisch Regersche Skandalon und Faszinosum – nur Werke mit einem Gattungsnamen (Streichquartett), einer Tonartenbezeichnung (fis-Moll) und einer Opuszahl (op. 121).

Und damit wären wir wieder bei seinem Violinkonzert, diesem immer noch weitgehend unerschlossenen und unverstandenen Kammermusikwerk sui generis A-Dur op. 101 für großes Orchester und ein Solo-Instrument. Reger-Freunde (und solche, die es werden wollen) können sich glücklich schätzen, dass Hyperion mit seinem Vol. 11 der Serie The Romantic Violin Concerto“ nun eine Interpretation vorlegt, die das Werk in all seinen (kammer)musikalischen Feinheiten, aber auch in seiner ganzen orchestralen Pracht zum Leuchten bringt. Das vielleicht schönste Kompliment, das man der aus Stuttgart stammenden Geigerin Tanja Bender-Becker machen kann, ist, dass sie in ihrem Spiel ähnlich verfährt wie Max Reger beim Komponieren, der »Musik mit derselben natürlichen Folgerichtigkeit und Stetigkeit hervorbrachte wie ein Apfelbaum seine Früchte« (Alan Walker). Der „unendliche“ Klangstrom, den Becker-Bender ihrer wunderbar warm klingenden Guarneri del Gesù entlockt, fließt so natürlich aus ihrem Instrument heraus, als wäre es die größte Selbstverständlichkeit und natürlichste Sache von der Welt, diese Musik (so) zu spielen. Was ihr zur ganz großen Interpretin noch fehlt, ist der ureigene, individuelle und unverkennbare Ton, wie ihn nur die Leuchttürme der Zunft wie etwa Jascha Heifetz oder Nathan Milstein hatten. Gleichwohl gelingt es ihr trefflich, die verschiedenen Charaktere der drei Sätze 1. „Allegro moderato“, 2. „Largo con gran espressione“ und 3. „Allegro moderato“ individuell herauszuarbeiten und dabei trotzdem die große, alles verbindende Linie nicht aus den Augen zu verlieren.

Das Konzerthausorchester Berlin unter der kundigen Stabführung von Lothar Zagrosek ist der ideale Begleiter von Tanja Becker-Bender. Trotz der enormen solistischen Dauerpräsenz der Violine entspinnt sich ein weitgespannter und über weite Strecken beglückend inniger Dialog mit dem Orchester, was einerseits für ein hohes Maß an Transparenz und Durchhörbarkeit sorgt, andererseits den epischen, ja geradezu linguistischen Sprachgestus des – paradox gesagt – intimen Mammutwerkes buchstäblich zu Wort kommen lässt. Allenfalls ist das Spiel der Musiker hie und da nicht zupackend, nicht „wild“ und ruppig genug. Wirklich störend an der Aufnahme ist nur das Klangbild der Solo-Kadenz im ersten Satz, der man (vor allem unter dem Kopfhörer) ablauscht, dass sie extra aufgezeichnet wurde, da sie lauter und aufdringlicher klingt und so den chromatischen Fluss unterbricht, von dem eine Reger-typische Sogwirkung ausgeht. Dieser Anziehungskraft kann man sich fast nicht entziehen, wenn man bereit ist, sich auf den – nochmals paradox gesprochen – bis zum Äußersten ausdifferenzierten heißen Magmastrom des hyperpolyphonen Klanggeschehens einzulassen.

Ein kurzes Wort noch zu den „Zwei Romanzen“ op. 50. Meiner Meinung nach hätte Hyperion besser daran getan, diese zwar netten, dabei reichlich gefälligen, aber nicht sonderlich elaborierten Gelegenheitswerke mit ihrem etwas geschmäcklerischen Gestus nicht auch noch auf die CD zu pressen, sondern das Violinkonzert für sich alleine „sprechen“ zu lassen. Weniger ist manchmal mehr.

Fazit: Diese CD ist ein hoch willkommener und wichtiger Beitrag zum Thema Reger, der bestens dazu angetan ist, das immer noch vorurteilsbehaftete Bild über einen der am meisten missverstandenen, dabei größten Komponisten auf der Schwelle zwischen Alt und Neu, Tradition und Moderne, 19. und 20. Jahrhundert zu revidieren. Tanja Becker-Bender, Lothar Zagrosek und das Konzerthausorchester liefern vielleicht noch nicht die ideale, aber doch eine beeindruckende Aufnahme seines Violinkonzerts in guter bis sehr guter Klangqualität. Ein ganz besonderer Dank geht an Wolfgang Rathert, den Autor des hervorragenden Booklet-Textes.

© Dr. Burkhard Schäfer

Unser Gast-Rezensent Dr. Burkhard Schäfer studierte Literaturwissenschaft und Philosophie an den Universitäten Tübingen und Wien. Gemeinsam mit seiner Frau betreibt er das Redaktionsbüro Schäfer. Spezialisiert auf den Bereich Kulturjournalismus (mit Schwerpunkt in der Klassik) hat Schäfer zahlreiche Interviews mit berühmten Vertretern der Musikszene geführt, beispielsweise mit Dietrich Fischer-Dieskau, Martha Argerich, Hans Werner Henze und Sofia Gubaidulina. Als freier Journalist schreibt er für Tageszeitungen, Fachmedien und Online-Portale wie Zeit-Online, Südwest Presse (SWP), die „neue musikzeitung“ (nmz) und das „Ensemble-Magazin für Kammermusik“. Am 18. Juni 2011 war er Studiogast von Ines Pasz in der Sendung „SWR2 Treffpunkt Klassik extra“.

Burkhard Schäfer lebt mit seiner Familie in Ulm und betreibt für das Redaktionsbüro Schäfer den Twitter-Account „Kammermusik“.

Die CD The Romantic Violin Concerto Vol. 11: Max Reger - Violin Concerto in A major, Op. 101 · Two Romances for violin and small orchestra, Op. 50 des  Konzerthausorchester Berlin unter der Leitung von Lothar Zagrosek mit der Solistin Tanja Becker-Bender erscheint am 20. Januar 2012 auf Hyperion (CDA 67892) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Violinkonzert A-Dur, op. 101
2. Zwei Romanzen für Violine und kleines Orchester, op. 50

Denn die Werke Gubaidulinas – die sie selbst als „Züchtungen“ begreift, nicht als statische Bauwerke – zeichnen sich durch eine höchst moderne Offenheit aus, die auf allen Stufen des künstlerischen Prozesses bereit ist, neue Einflüsse aufzunehmen. Dieser prozessuale Charakter artikuliert sich zum Beispiel in den diversen Versionen der 1979 erstmals erschienenen Komposition „In Croce“, und bildet das nie müde werdende Interesse Gubaidulinas an musikalischen Phänomenen ab – zu denen nicht zuletzt die Entdeckungen gehören, die Musiker an ihren Instrumenten machen, wenn sie von ähnlicher Hingabe beseelt sind wie die Komponistin.

Auch die hier besprochene CD protokolliert eine solche Begegnung; in ihr scheint das 2003 uraufgeführte Konzert „Im Zeichen des Skorpions“ ganz zu vergessen, dass es ursprünglich für Bajan und großes Orchester komponiert wurde, und vertraut sich für die fast acht Minuten währende „Kadenza“ allein dem klassischen Akkordeon Iñaki Alberdis an. Eine Atempause soll diese eindringliche Interpretation im Sinne des Programms sein, die zwischen den geistlichen Stücken vermittelt – was für ein Anspruch! Aber er besteht am Ende doch zu Recht, angesichts der Dichte, die die „Sieben Worte“, „In croce“ und „Et exspecto“ durch die Intensität entwickeln, mit der sie hier vorgetragen werden.

Insbesondere das komplexe Zwie-, ja Trigespräch der „Sieben Worte“ ist der bewegende Glücksfall einer gelungenen Aufnahme Neuer Musik. Es wird von den beiden Solisten und dem Orchester mit so großer Sensibilität geführt, dass man die außergewöhnliche Präzision glatt überhört, mit der hier agiert wird. Gubaidulinas text- aber keineswegs sprachlose Fassung der Kreuzesworte, inspiriert durch Schütz und Haydn, öffnet so von der ersten Sekunde an die Welt ihrer klanglichen Gesten und instrumentalen Metaphern. Eine Welt, die unter dem seit jeher gänzlich unzeitgemäßen Thema der Kreuzestheologie steht und sich hier – wie in dem ursprünglich für Cello und Orgel komponierten „In croce“ – auf vollkommen untheologische Weise manifestiert: als ein vielschichtiger künstlerischer Vollzug religiöser und humaner Motive – wenn man das Wort „Motiv“ denn einmal etwas aus der Musikwissenschaft befreien, und seiner Bedeutung einen Aspekt wie „Beweggrund“ hinzudenken will. Dieser ethische Grundzug ist der Musik Gubaidulinas eigen, und sie komponiert das Kreuzmotiv auf allen Ebenen, die ihr zur Verfügung stehen, bis in die Gestaltung des Notenbildes der „Sieben Worte“ hinein; sie nimmt den Atem der Balgbewegung und die mechanischen Geräusche des Akkordeons ebenso auf wie die Kreuzsymbolik, die in der Haltung des Cellos liegt, und die Klangsphären der Saitenbereiche vor und hinter dem Steg. Nicht zu vergessen die mathematischen Strukturen, die für Gubaidulina bekanntermaßen wichtig sind; sie stellen in einem musikalischen Prozess, der der Prozession nahe kommt, jene Ordnung her, die die Komponistin als den Zweck ihrer Musik begreift: als die „Wiederherstellung der Einbindung, als Wiederherstellung des ‚Legatos’ im Leben.“

Lässt sich Musik, die einem solchen Anspruch folgt, überhaupt auf CD pressen? Diese Frage habe ich mir mehr als einmal bei Werken Gubaidulinas gestellt, und halte es für ein unbedingtes Qualitätsmerkmal der vorliegenden Aufnahme, dass sie die Frage selbst nach wenigen Minuten verschwinden lässt. Die besondere CD, erschienen im November 2011.

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die CD Sofia Gubaidulina – Kadenza des Basque National Orchestra unter der Leitung von José Ramón Encinar und mit den Solisten Iñaki Alberdi (Akkordeon) und Asier Polo (Violoncello) ist am 14. November 2011 bei Etcetera Records (KTC 1433) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Seven Words
2. In croce
3. Kadenza
4. Et exspecto

Ich bin ein dunkler, verworr´ner Klang,
Der weit aus Thule herüberdrang.
Ich bin deiner Jugend verlühender Traum,
Dein erster Kuß unterm Apfelbaum.

Ich bin deine heil´ge Herzensnot,
Ich ruf dich in Morgen- und Abendrot.

Die Worte des Dichters Carl Busse (1872-1918) aus dem Gedicht Stimme der Sehnsucht, musikalisch umgesetzt von Hans Pfitzner im eröffnenden Titelstück des neuen Albums der niederländischen Sängerin Christianne Stotijn, charakterisieren sehr bildhaft, was den Hörer auf diesem Lieder-Album erwartet: Düster-schwermütige Spätromantik, melancholisch auf die Vergangenheit zurückblickend. Und die aus Delft stammende Mezzosopranistin belegt (einmal mehr), dass sie derzeit zu den besten Lied-Interpretinnen gehört. So variantenreich, so einfühlsam, so zart, so schmerzvoll, so kraftvoll, so stolz, so zerbrechlich singt heute kaum eine andere Sängerin Lieder.

Es sind Werke von Hans Pfitzner (1869-1949), Richard Strauss (1864-1949) und Gustav Mahler (1860-1911), den drei wohl bedeutendsten Vertretern der letzten ‘großen’ deutschsprachigen Lied-Komponisten-Generation, die durchtränkt sind von spätromantischer Sehnsucht. Doch Sehnen ist nicht gleich Sehnen: Wer meint, dass spätromantische Melancholie gleichförmig klingt, der wird überrascht sein, wie eigen die drei Komponisten das Thema Sehnsucht definierten und charakterisierten. Rastlos und aufgewühlt ist Pfitzners Sehnsucht und scheint Schuberts Erlkönig ewig zu zitieren, Strauss Sehnsucht ist verspielt scheint noch voller Erwartung und doch, in seiner Naivität, vor Enttäuschungen nicht gefeit, Mahlers Sehnsucht nach vergangenen, besseren Zeiten ist hoffnungslos und voller Schwermut. Und als Epilog des Albums, gleichsam als Hoffnungsschimmer, erklingt dann auch noch Strauss’ “Morgen!” mit den tröstenden Worten »Und am Morgen wird die Sonne wieder scheinen…«. Nach so viel Schwermut und Sehnsucht ist dies ein beruhigender und versöhnlicher Abschluss.

Christianne Stotijn ist die Zeremonienmeisterin dieser Sehnsüchte mit einer geradezu magisch wandelbaren Stimme, kongenial assistiert vom Münchener Pianisten Joseph Breinl, dessen Spiel sich dem bald zerbrechlichen, bald kraftvollen Gesang der Stotijn genau anpasst. Breinls Spiel ist selbstbewusst genug, um nicht im Hintergrund unbemerkt zu bleiben, zurückhaltend genug, um den samtweichen Mezzosopran nicht in den empfindsamsten Momenten zu überdecken, kurzum: Die beiden sind ein perfekt aufeinander abgestimmtes Duo, auch wenn es für einen Pianisten schwer sein muss, neben so einer grandiosen Sängerin zu bestehen.

Bemerkenswert ist neben Stotijns überragenden Mahler-Interpretation, die ihresgleichen sucht, auch ihr überzeugender Einsatz für Pfitzners immer noch unterschätzte Lieder. Christianne Stotijns CDs sind stets Höhepunkte in der Lied-Nische des Marktes, diese “Stimme der Sehnsucht” ist ein weiteres Juwel ihrer bemerkenswerten Diskografie.

Es gibt nicht viele Sängerinnen, die auf solch hohem Niveau so überzeugend die zu Unrecht in den Hintergrund gerückte Lied-Tradition erneuern und bewahren können. Christianne Stotijns “Stimme der Sehnsucht” ist ein echter Höhepunkt in der Lied-Diskografie des vergangenen Jahres. Die besondere CD, erschienen im November 2011.

Die CD Stimme der Sehnsucht – Lieder by Pfitzner, Strauss and Mahler von Christianne Stotijn und Joseph Breinl ist am 18. November 2011 auf Onyx (ONYX 4075) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Hans Pfitzner – Lieder
   • Stimme der Sehnsucht
   • Nachts
   • Lockung
   • Nachtwanderer
   • Abschied
2. Richard Strauss – Lieder
   • Ständchen
   • Der Dichters Abendgang
   • Schlechtes Wetter
   • Nachtgang
   • All mein’ Gedanken
   • Befreit
   • Zueignung
3. Gustav Mahler – Kindertotenlieder
   • Nun will die Sonn’ so hell aufgeh’n
   • Nun seh’ ich wohl, warum so dunkle Flammen
   • Wenn dein Mütterlein
   • Oft denk’ ich, sie sind nur ausgegangen
   • In diesem Wetter
4. Richard Strauss – Morgen

Hier, wie bei allen doppelbödigen Werken Shostakovichs ist es wichtig, dass der Dirigent einen kühlen Kopf behält und nicht nur auf die Offensichtlichkeiten der Partitur achtet. Shostakovichs Musik wirkt am überzeugendsten, wenn man ihr ihre inneren Widersprüche, ihre Konflikte, ihren beißenden Spott, ihre tiefe Resignation, manchmal auch ihre vordergründige Anbiederung (allerdings nicht bei dieser Sinfonie) einfach nur offenlegt, sie darstellt, nicht deutet. Haitink und das Concertgebouw-Orchester sind hier mehr als qualifizierte Interpreten. Frei von ideologischen Vorverurteilungen spielen sie diese letzte Sinfonie – und man hat spätestens im letzten Satz das Gefühl, Shostakovich selbst hätte sie als definitiv letzte Sinfonie konzipiert, so ins Ungewisse verlaufend wirkt sie – mal kühl distanziert, mal ironisch, mal dramatisch, mal fragend, suchend, resignierend, eben so, wie sie von Shostakovich selbst entworfen wurde. Haitink versucht erst gar nicht, die Rätsel der Sinfonie zu beantworten, er hat begriffen, dass diese Sinfonie keine schlüssige Antwort hat. Das Rätselhafte, das Unschlüssige, das Haitink hier konsequent einhält, macht diese Aufnahme so kohärent (sic!).

Wieder einmal eine kritische Anmerkung zum Ende einer RCO-Live-Besprechung: Dass die Übersetzung des Booklets ins Deutsche mal wieder recht holprig ausgefallen ist, ist (wie immer) schade. Der überzeugenden Leistung der Musiker tut dies keinen Abbruch und sollte niemanden abhalten, diese klanglich und interpretatorisch hervorragende Einspielung zu kaufen.

Trotz meiner Einwände bezüglich der schlecht übersetzten Anmerkungen und des etwas irritierendem Artworks (Puppentorsi??): Auch diese hauseigene Veröffentlichung des Koninklijk Concertgebouworkest belegt wieder einmal eindrucksvoll, wie einzigartig dieser Klangkörper mit sinfonischer Musik des 20. Jahrhunderts umgehen kann. Die besondere CD, erschienen im Oktober 2011.

Das SACD Dmitri Shostakovich – Symphony No. 15 des Royal Concertgebouw Orchestra unter Bernard Haitink ist am 14. Oktober 2011 bei RCO Live (RCO 11003) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

An erster Stelle sei der Bratschist Lawrence Power erwähnt, der die drei zu hörenden Werke mit einer vollendeten Poesie und zugleich lupenreinen Klarheit und Wachheit interpretiert. Lauscht man seinem betörenden Spiel, muss man an die Worte von Nobuko Imai, der Grand Dame der Viola, denken, die im Interview mit dem „Ensemble-Magazin für Kammermusik“ (Ausgabe 5/2011, Seite 49) gesagt hat: »Der Viola-Klang ist so reich und breit gefächert, dass man darüber eine ganze Geschichte erzählen könnte. (…) Die Menschen sind viel berührter von dem, was du auf der Viola zaubern kannst, und ihre Farben sind die schönsten, die man sich nur vorstellen kann.« Zweitens sind auch das BBC National Orchestra of Wales und der dazugehörige Chorus (zu hören in Flos Campi) bestens disponiert und spürbar in ihrem (britischen) Element. Drittens ist die Klangqualität der Hyperion-CD wieder einmal überragend transparent, warm und natürlich wie im Konzertsaal, und viertens schließlich bietet der Booklet-Text viele wertvolle, gut recherchierte Hintergrundinformationen zu den Komponisten und ihren Werken.

Die CD beginnt mit Vaughan Williams Suite for viola and small orchestra aus dem Jahr 1934. Wie alle Werke auf dieser Scheibe wurde es für den berühmten Bratschenvirtuosen Lionel Tertis (1976–1975) geschrieben, einem Künstler, der die britische Violaszene während der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts beherrschte und für den unter anderem auch Sir Arnold Bax und Benjamin Dale Stücke schrieben. Zeitgenossen lobten Tertis’ „warmes Spiel“, und diese Eigenschaft hat sich auch der Interpret der vorliegenden CD Laurence Power ganz „ohrenscheinlich“ auf die Fahnen geschrieben. Angesichts dieses mustergültig „britischen“ Werkes mit seinen warmen, weichen Klangfarben, seinem betörenden Lyrismus und seiner pastoralen Stimmung fällt es zunächst einmal schwer, dem oben schon zitierten Douglas Boyd zuzustimmen, der im selben Interview sagt: „Ich glaube, es wäre ein aussichtsloses Unterfangen, das ‚Britische’ in britischer Musik nach herkömmlicher Art definieren zu wollen. Denn selbst die Werke von Vaughan Williams gehen weit über das hinaus, was man ‚English Country Side’ oder das ‚Pastorale’ nennen mag. Umgekehrt besteht kein Zweifel, vor allem in der Musik von Elgar bis zu Britten, dass die Natur einen großen Einfluss auf die Klangwelt ihrer Komponisten hatte.“ Mag die Vaughan Williams „Suite“ auch über diese zugegebenermaßen vereinfachenden Apostrophierungen hinausgehen, so fällt es gleichwohl schwer, die landschaftlichen Aspekte hier nicht zu hören.

Das zweite und mit 31 Minuten Spielzeit längste Werk auf der CD, John Blackwood McEwens Viola Concerto aus dem Jahr 1901, ist gleichwohl die ästhetisch schwächste Komposition – was nicht heißt, dass es sich hier um ein zweitklassiges Konzert handelt. Es handelt sich im Gegenteil sogar um ein sehr gutes Bratschenkonzert und eine willkommene Repertoireerweiterung mit einem dankbaren, von Power brillant gespielten Solopart, aber eben doch nicht um eine „unerhörte“ Neuentdeckung. Das dreisätzige Werk ohne Adagio bzw. Andante (im Zentrum steht hier ein delikates „Allegro grazioso“) ist im Jahr 1901 und damit zu einer Zeit entstanden, bevor die britische Musik vom Impressionismus beeinflusst wurde, der dann so prägend für die Komponisten der Insel werden sollte. Erinnert der erste Satz des Violakonzerts an Beethoven und Schumann, manchmal sogar an Bruckner, so evoziert die Feenmusik des Mittelsatzes mit ihrem Viervierteltakt die Welt der Wiener Klassik. Ein lebhaftes, wenn auch nicht sonderlich inspiriertes „Allegro con brio“ bildet den Schluss des Konzerts, das zu seiner Zeit zwar keinen großen Hörerkreis fand, aber das Publikum auf die Viola als Soloinstrument und das spieltechnische Potenzial von Lionel Tertis aufmerksam machte.

Den Schluss- und Höhepunkt der CD setzt Vaughan Williams Flos Campi (zu Deutsch: Blume des Feldes) von 1925. Die Textgrundlage für dieses damals höchst originelle Werk, das vom Chor nur auf dem „A“ vokalisiert wird, bilden die Überschriften aus dem biblischen Hohelied. Orchester, Solist und Chor interagieren wunderbar und erzeugen eine suggestive Klangtextur, die Hollywood dann später zur akustischen Verstärkung von Sandalenfilmen und monumentalen Historienschinken cineastisch aufpoliert hat. Mag „Flos Campi“ für uns Heutige manchmal vielleicht ein wenig kunstgewerblich klingen, so muss doch gleichzeitig gesagt werden, dass Vaughan Williams’ höchst anmutige Suite in sechs Sätzen nichts im Sinn hat mit den Pseudo-Atavismen vom Schlage eines Carl Off, die die Zeitläufte weit weniger gut überstanden haben als die raffiniert gemachten Schein-Naivitäten des klugen Briten.

Fazit: Wer sich für die intimen Klangraffinessen und die Geheimnisse der Viola zu begeistern weiß und/oder eine Schwäche für die britische Musik hat, sollte sich diese CD auf jeden Fall anhören. Vor allem die beiden Werke von Vaughan Williams sind großartig und erfahren eine kongeniale Interpretation in bester Aufnahmetechnik. Aber auch das Violakonzert von John Blackwood McEwen kann sich (mehrmals sehr gut) hören lassen und verdient Aufmerksamkeit. Eine rundum schöne und wichtige Veröffentlichung; unsere besondere CD, erschienen im November 2011.

© Dr. Burkhard Schäfer

Die CD Ralph Vaughan Williams -  Flos Campi ·   Suite for viola and small orchestra /  John Blackwood McEwen – Viola Concerto vom BBC National Orchestra and Chorus of Wales unter der Leitung von Martyn Brabbins und dem Solisten Laurence Power ist am 18. November auf Hyperion Records (CDA 67839) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Ralph Vaughan Williams – Suite for viola and small orchestra
2. John Blackwood McEwen – Viola Concerto
3. Ralph Vaughan Williams – Flos Campi – Suite for viola, wordless chorus and orchestra

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Unser Gast-Rezensent Dr. Burkhard Schäfer studierte Literaturwissenschaft und Philosophie an den Universitäten Tübingen und Wien. Gemeinsam mit seiner Frau betreibt er das Redaktionsbüro Schäfer. Spezialisiert auf den Bereich Kulturjournalismus (mit Schwerpunkt in der Klassik) hat Schäfer zahlreiche Interviews mit berühmten Vertretern der Musikszene geführt, beispielsweise mit Dietrich Fischer-Dieskau, Martha Argerich, Hans Werner Henze und Sofia Gubaidulina. Als freier Journalist schreibt er für Tageszeitungen, Fachmedien und Online-Portale wie Zeit-Online, Südwest Presse (SWP), die „neue musikzeitung“ (nmz) und das „Ensemble-Magazin für Kammermusik“. Am 18. Juni 2011 war er Studiogast von Ines Pasz in der Sendung „SWR2 Treffpunkt Klassik extra“.

Burkhard Schäfer lebt mit seiner Familie in Ulm und betreibt für das Redaktionsbüro Schäfer den Twitter-Account „Kammermusik“.

In seiner Rezension für NDR Kultur schreibt der Redakteur Christoph Vratz:

»Zwei Klavierkonzerte und eine 20-minütige Fantasie für Klavier und Orchester hat Widor hinterlassen. Nun haben Markus Becker und das BBC National Orchestra of Wales unter Thierry Fischer diese drei Werke aufgenommen. (…) Becker, der sich mit einer Gesamteinspielung der Klavierwerke von Max Reger internationale Anerkennung erspielte, findet bei Widor zu einer idealen Balance aus Kraft und Poesie (…).«

und resümiert:

»Hoffentlich kann diese Aufnahme ja dazu beitragen, die unbekannten Konzerte stärker im Konzertalltag zu verankern.«

Den gesamten Artikel kann man → hier nachlesen.

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Den interessanten Beitrag von Jan Ritterstaedt für WDR 3, der übrigens zu einem ganz ähnlichen Resümee kommt, kann man leider nicht nachlesen, wohl aber kann man den Radiobeitrag aus der Sendung “TonArt” von 1.12.2011 in vollständigen Länge (und mit kurzen Musikbeispielen) im Internet nachhören.

Den Podcast mit der CD-Rezension kann man → hier aurufen und anhören.

Die CD The Romantic Piano Concerto Vol. 55: Charles-Marie Widor – Piano Concerto No. 1 in F minor · Fantaisie in A flat major · Piano Concerto No. 2 in C minor des  BBC National Orchestra of Wales unter der Leitung von Thierry Fischer mit dem Solisten Markus Becker ist am 18. November 2011 auf Hyperion (CDA 67817) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Burkhard Schäfer lebt mit seiner Familie in Ulm und betreibt für das Redaktionsbüro Schäfer den Twitter-Account „Kammermusik“.

Ohne Übertreibung darf man sagen, dass die vom britischen Label Hyperion Records vor ziemlich genau 20 Jahren ins Leben gerufene Serie „The Romantic Piano Concerto“ sich längst zu der wohl wichtigsten CD-Reihe ihrer Art gemausert hat. Was am 6. November 1991, dem Erscheinungstag von Volume 1 ^{[→ bei amazon.de | → bei jpc.de]}, mit den Klavierkonzerten von Paderewski und Moszkowski begann, erreicht mit den beiden schönen Klavierkonzerten von Charles-Marie Widor (1844–1934) und seiner nicht minder berührenden „Fantaisie“ für Klavier und Orchester jetzt die stolze „Hausnummer“ 55 – und ein Ende der Reihe ist, so hat es den Anschein und so ist auch nur zu hoffen, immer noch nicht abzusehen.

Erst unlängst hat Blog-Betreiber Sal Pichireddu an dieser Stelle dem Volume 54 der Reihe seine Referenz erwiesen. Vieles, was dort gesagt wurde, gilt auch für die Nummer 55. Wieder einmal ist es schier unfassbar, dass die beiden Klavierkonzerte von Widor erst jetzt von Hyperion zum ersten Mal auf Platte eingespielt worden sind. Das ist um so erstaunlicher, als es sich bei diesen Werken nicht etwa um zurecht vergessene oder an den Rand gedrängte Konzerte minderer Güte handelt, sondern im Gegenteil um zwei Musterbeispiele ihrer Gattung, die alles, aber auch wirklich alles haben, was das Herz und Ohr begehren: Kantabilität, Melodienreichtum, Spielwitz, kompositorische Meisterschaft und tiefste Musikalität.

Hätte Charles Marie Widor, der in Deutschland allenfalls als Orgelkomponist und „titulaire“ an der Kirche Saint-Sulpice bekannt ist, nur das f-Moll-Klavierkonzert aus dem Jahre 1876 geschrieben – er wäre trotzdem ein herausragender Komponist. Auch wenn dieses Werk aus der französischen Hochromantik noch ganz in der Tradition der großen deutschen Klavierkonzerte eines Beethoven und Brahms steht, kann man es keinesfalls als epigonal oder gar eklektizistisch bezeichnen. Wie alle Werke des vornehmen Franzosen, der, weiß Gott, mehr geschrieben hat als nur die „Toccata“ aus seiner 5. Orgelsinfonie, auf die er notorisch festgelegt wird, besitzt auch das Konzert diese Widor-typische Altmeisterlichkeit und zurückhaltende Noblesse, die sein Œuvre für Kenner so anziehend macht. Vielleicht kann man das Wesen des f-Moll-Konzerts, ja die Musik von Widor generell, auf die folgende Formel bringen: Sie bietet keine Überraschungen, gewinnt aber mit jedem Hören an Substanz hinzu.
Und genau so wird sie von dem ausgezeichnet disponierten BBC National Orchestra of Wales unter seinem Dirigenten Thierry Fischer und Markus Becker am Klavier auch gespielt. Alle Musiker agieren, man verzeihe die etwas altmodische Ausdrucksweise, völlig uneitel im Dienst der Sache. So entsteht eine Aufnahme, die man nahezu mustergültig nennen könnte – wäre da nicht dieses Klavier. Nein, Markus Becker ist kein schlechter Pianist, er ist ein guter, vielleicht sogar sehr guter Pianist, aber sein Spiel wirkt – bei aller zugestandenen Könnerschaft – in allen drei Werken etwas blass und, bei allem Respekt, langweilig. Zur allerersten Riege der großen Klavierspielerinnen und Klavierspieler – Martha Argerich, Marc-André Hamelin, Krystian Zimerman – gehört er nicht, dafür fehlen ihm hörbar der eigene Ton und die Unverwechselbarkeit des Anschlags.

Was oben über Widors erstes Klavierkonzert gesagt wurde, gilt – mit Einschränkungen – auch für sein zweites in c-Moll aus dem Jahre 1905. Rund 30 Jahre nach dem f-Moll-Werk entstanden, ist es komplexer und – mit seiner knapp 20minütigen Spielzeit – auch konziser in der Anlage als sein halbstündiges Schwesterwerk. An die Stelle der romantisch ausladenden Weitschweifigkeit tritt hier Energie, Leidenschaft und, ja, Expression. Höhepunkt des Konzertes – und vielleicht der ganzen CD – ist der dritte Satz „Tempo deciso“, auf den alle musikalischen Entwicklungen des Werkes zulaufen und den man als Juwel unter den wahrlich nicht edelsteinarmen Sätzen aus der Feder von Widor bezeichnen darf.

Die zeitlich zwischen den beiden Konzerten stehende „Fantaisie“ in As-Dur aus dem Jahr 1889 charakterisiert ihr Widmungsträger, der Pianist Isodore Philipp, zutreffend mit den Worten „heiter und edel“ sowie „von unfehlbar gutem Geschmack“. Sie ist vielleicht ein bisschen akademischer geraten als die beiden Konzerte, aber gleichwohl ein geniales Stück Musik. Man kann dem ersten Rezensenten auch heute noch beipflichten, der vor mehr als 120 schrieb: „Das Werk ist mehr als nur ein brillantes und wirkungsvolles Stück, da es, wie alle Kompositionen Widors, eine ernsthafte Zielgerichtetheit, große Originalität und nicht wenig melodische Schönheit besitzt.“ Dem ist nichts hinzuzufügen.

© Dr. Burkhard Schäfer

Die CD The Romantic Piano Concerto Vol. 55: Charles-Marie Widor – Piano Concerto No. 1 in F minor · Fantaisie in A flat major · Piano Concerto No. 2 in C minor des  BBC National Orchestra of Wales unter der Leitung von Thierry Fischer mit dem Solisten Markus Becker ist am 18. November 2011 auf Hyperion (CDA 67817) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Klavierkonzert No. 1 in f-Moll, op. 39
2. Fantaisie in As-Dur, op. 62
3. Klavierkonzert No. 2 in c-Moll, op. 77