Die wichtigste Frage soll zuerst beantwortet werden: Brauchte es unbedingt noch eine Einspielung des Violinkonzerts von Tchaikovsky? Haben nicht Jascha Heifetz, Nathan Milstein, David Oistrakh, Leonid Kogan, Anne-Sophie Mutter und zuletzt Janine Jansen, Joshua Bell und Julia Fischer (sowie unzählige andere) alles zu diesem Konzert gesagt? Gibt es noch einen Winkel dieses Konzerts, der beleuchtet werden müsste, ein Aspekt der betrachten werden könnte, ein Ansatz, der bisher unerhört blieb? Die klare Antwort lautet wenn man die Frage so formuliert und man ehrlich ist: Nein! Und dennoch ist diese CD alles andere als überflüssig, denn so elegant, so federleicht, charmant-zurückhaltend, so romantisch, so lyrisch kann man sich dieses Konzert immer wieder anhören. Es ist kein tiefes Geheimnis, das Ehnes und der Tchaikovsky-Experte Vladimir Ashkenazy mit der Sydney Symphony diesem Konzert zu entlocken versuchen, sondern lediglich seine ihm eigene Poesie, nicht weniger und glücklicherweise nicht mehr. James Ehnes ist kein Aufschneider, kein Angeber, keiner, der die gesamte Aufmerksamkeit für sich beansprucht, mit seiner Fingerfertigkeit protzt (obwohl er allen Grund dazu hätte) und genau das macht das sein Spiel so besonders, das Hörerlebnis dieses Albums so beeindruckend. Und wer vom Konzert noch berauscht sein wird von all dem Wohlklang und der Nonchalance, der wird die bezaubernde Sérénade mélancolique, op. 26 und die anderen Beiwerke der CD ebenso lieben.

Nota bene; Dies ist kein Tchaikovsky in Zuckerglasur getaucht, aber auch kein Tchaikovsky dessen romantische Seele weganalysiert wurde. Ich glaube nicht, dass diese CD Tchaikovsky-Skeptiker bekehren wird, Tchaikovsky-Liebhaber werden allerdings entzückt sein. So rein, so unprätentiös und dennoch romantisch, so lyrisch und verspielt hört man das Violinkonzert in D-Dur selten, mit dieser makellosen, unbeschwerten Technik vermutlich nie. Das blendend auf Tchaikovsky eingestellte Orchester hat am Gelingen des Albums einen nicht unerheblichen Anteil, auch dank dem Maestro Ashkenazy. Und damit beantwortet sich die eigentliche Fragestellung von selbst: Ja, diese Veröffentlichung ist eine echte Bereicherung der umfangreichen Tchaikovsky-Violinkonzert-Diskografie. Dieser Live-Mitschnitt reiht sich ganz weit vorne ein, sowohl interpretatorisch, als auch klanglich.

Die CD Pyotr Ilyich Tchaikovsky – Violin Concerto · Valse-Scherzo ·Sérénade mélancolique · Souvenir von James Ehnes mit der Sydney Symphony unter der Leitung von Vladimir Ashkenazy ist am 20. Januar 2012 auf Onyx Classics (ONYX 4076) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Violinkonzert in D-Dur,
2. Sérénade mélancolique op.26
3. Valse-Scherzo für Violine und Orchester in C-Dur, op.34
4. Souvenir d’un lieu cher, op.42

»Er hat einen sehr schönen, akkuraten Ton und meistert die Klippen im Schumann-Konzert scheinbar mühelos. «

Den gesamten Artikel zur Take-5-Ausgabe vom 23. Januar 2011 findet man → hier.

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Hier noch ein Video als Appetithappen, in dem Benedict Klöckner den ersten Satz des Schumannschen Cellokonzert in der Streichorchester-Fassung spielt. Er wird begleitet vom Kammerorchester Berlin unter der Leitung von Katrin Scholz:

Die CD Robert Schumann – Cello Concerto in A Minor mit der Deutsche Streicherphilharmonie unter der Leitung von Michael Sanderling und dem Solisten Benedikt Klöckner ist am 18. November 2011 bei Genuin (GEN 11215) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Auch auf seiner neuesten CD mit den berühmten Klavierkonzerten von Franz Liszt (1811-1886) und Edvard Grieg (1843-1907) gelingt Hough dieses Kunststück: Liszts virtuose Konzerte und Griegs monumentales Konzert klingen so frisch und unverbraucht, als würde man sie, wenn nicht nie, dann doch zumindest selten gehört haben. Ein Teil dieses erstaunlichen Effekts ist sicher seiner überragenden technischen Fähigkeiten geschuldet, die ihn selbst die schwierigsten Passagen (in aberwitzigen Tempi) so federleicht und mühelos spielen lassen, dass das Werk viel von seiner ‘mythologischen Patina’ verliert: Was bei den anderen als immense Anstrengung, als Kampf mit den Noten erscheint, ist bei Hough spielerisch leicht. Seine musikalischen Fähigkeiten scheinen keine Grenzen zu haben. Mehr noch als seine Technik scheint mir allerdings Houghs Fähigkeit entscheidend zu sein, sich jedem Werk mit der gleichen unvoreingenommenen Offenheit zu nähern, die zu seinen durch und durch inspirierten Interpretationen führen.

Und dann wäre da noch Houghs Mitstreiter, das norwegische Bergen Philharmonic Orchestra unter der sicheren und temperamentvollen Leitung von Andrew Litton. Sie scheinen mitgerissen zu sein, von Houghs makellosem Spiel, seiner überschäumenden Musikalität und seiner ungebremsten Romantik – und sie tun es ihm gleich: Mit der gleichen Brillanz, mit der gleichen unverkrampften Unvoreingenommenheit. Wer hätte gedacht, dass ausgerechnet ein norwegisches Orchester ein Werk des Nationalkomponisten par excellence so elektrisierend, so frisch und un-abgebrüht spielen könnte? Schon alleine für diese Einspielung des Griegschen Klavierkonzerts wäre die Anschaffung lohnenswert; umso erfreulicher, dass man mit den beiden Klavierkonzerten Liszts zwei ebenso bedeutende und überragend eingespielte Konzerte auf derselben CD erhält.

Es sind gewiss Konzerte, die die meisten Musikliebhaber bereits im Schrank stehen haben, aber Stephen Houghs unnachahmliche Art, das Bekannte neu zu beleuchten und durch seine interpretatorischen und technischen Fähigkeiten zu neuem Leben zu erwecken, sind ein starkes Argument für eine Neuanschaffung. Die besondere CD, erschienen im November 2011.

Die CD Franz Liszt / Edvard Grieg – Piano Concertos von Stephen Hough mit dem Bergen Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Andrew Litton ist am 18. November 2011 auf Hyperion (CDA67824) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Franz Liszt – Klavierkonzert No. 1 in Es-Dur, S124
2. Franz Liszt – Klavierkonzert No. 2 in A-Dur, S125
3. Edvard Grieg – Klavierkonzert in a-Moll, op. 16

»Reger, ein leeres, gefährliches Können und eine Lüge dazu. (…) Er ist nichts, er hat nichts als eine Fingerfertigkeit höherer Ordnung, und das Empörende daran bleibt, dass er doch nicht nur nichts ist, ein Quell der beständigen, fruchtlosen Irritierung.«

Sein Komponistenkollege Arnold Schönberg(1874-1951) dagegen konstatierte:

»Reger muss meines Erachtens viel gebracht werden: 1. weil er viel geschrieben hat. 2. weil er schon tot ist und man immer noch nicht Klarheit über ihn besitzt. (Ich halte ihn für ein Genie).«

Max Reger (Max Beckmann, 1917)

Und Paul Hindemith (1895-1963), einer seiner bedeutendsten Schüler, sagte lapidar:

»Max Reger war der letzte Riese in der Musik.«

Als einen solchen hat Max Beckmann (1884-1950) den Komponisten kurz nach dessen Tod gemalt. (s. rechts). Die neue Aufnahme seines monumentalen Violinkonzerts mit der Geigerin Tanja Becker-Bender und dem Konzerthausorchester Berlin unter der Leitung von Lothar Zagrosek, erschienen beim britischen Label Hyperion Records, bietet nun eine gute Gelegenheit, den „Fall Reger“ neu zu überdenken.

Regers einziges Violinkonzert, im Jahr 1907 parallel zu seinen „Hiller-Variationen“ op. 101 und seinem nicht minder monumentalen Klaviertrio op. 102 „während langer Eisenbahnfahrten ‚im Kopf ausgearbeitet’“, wie es im sehr lesenswerten Booklet-Text heißt, teilt das Schicksal seines ebenfalls einzigen Klavierkonzerts: Es wird (um die Formulierung Schönbergs zu variieren) nicht viel gebracht: 1. weil es sehr schwer zu spielen und zu hören ist. 2. weil man immer noch nicht Klarheit darüber besitzt. (Ich halte beide Konzerte für genial).

Ganz offensichtlich stellt sich Reger mit seinem dreisätzigen Konzert in die Reihe der großen, singulären Werke von Beethoven und Brahms und betrachtete seinen eigenen Beitrag zu dieser Gattung wohl als eine Art der monumentalen Überbietung – und das bestimmt nicht im Sinne der Qualität, sondern zunächst einmal der Quantität und Masse. Genau diese spezifisch Regersche Form der Opulenz ist dem Komponisten im Laufe der höchst unglücklichen Rezeptionsgeschichte seines Œuvres immer wieder vorgeworfen worden. Dabei verstellt nichts so sehr den Blick auf einen der faszinierendsten und fragilsten (!) deutschen Tonsetzer wie dieser Vorwurf. Regers Klangballungen, seine fast schon pathologisch zu nennenden chromatischen Wucherungen und seine geradezu manische Phrasierungsbesessenheit – viele seiner Notenbilder (s. links) sind kalligraphische Kunstwerke vom Schlage eines Cy Twombly oder Hans Hartung – zielen gerade nicht auf Wagners totale Absorbierung des Hörers, sondern bleiben trotz aller Opulenz feinst gezeichnete Protokolle von kammermusikalischer Intimität und Introspektion. Auch wenn es – vor allem in seiner Orchestermusik – vielleicht so klingen mag: Reger war kein Al-Fresco-Maler, sondern Kalligraph.

Ich wage die Behauptung, dass mit Max Reger die „absolute Musik zu ihrem „absoluten Höhepunkt“ kommt. Kein Komponist vor ihm (auch nicht Brahms) und keiner nach ihm (auch nicht Webern) hat so radikal und unbedingt „absolut reine Nur-Musik“ geschrieben wie Reger, und nichts charakterisiert ihn vielleicht besser, als dass niemand – am allerwenigsten er selbst – es gewagt, geschweige denn geschafft hat, einem seiner Kammermusikwerke (um bei der „reinsten“ Gattung zu bleiben) einen illustrierenden Namen anzuhängen. Es gibt – und das ist das spezifisch Regersche Skandalon und Faszinosum – nur Werke mit einem Gattungsnamen (Streichquartett), einer Tonartenbezeichnung (fis-Moll) und einer Opuszahl (op. 121).

Und damit wären wir wieder bei seinem Violinkonzert, diesem immer noch weitgehend unerschlossenen und unverstandenen Kammermusikwerk sui generis A-Dur op. 101 für großes Orchester und ein Solo-Instrument. Reger-Freunde (und solche, die es werden wollen) können sich glücklich schätzen, dass Hyperion mit seinem Vol. 11 der Serie The Romantic Violin Concerto“ nun eine Interpretation vorlegt, die das Werk in all seinen (kammer)musikalischen Feinheiten, aber auch in seiner ganzen orchestralen Pracht zum Leuchten bringt. Das vielleicht schönste Kompliment, das man der aus Stuttgart stammenden Geigerin Tanja Bender-Becker machen kann, ist, dass sie in ihrem Spiel ähnlich verfährt wie Max Reger beim Komponieren, der »Musik mit derselben natürlichen Folgerichtigkeit und Stetigkeit hervorbrachte wie ein Apfelbaum seine Früchte« (Alan Walker). Der „unendliche“ Klangstrom, den Becker-Bender ihrer wunderbar warm klingenden Guarneri del Gesù entlockt, fließt so natürlich aus ihrem Instrument heraus, als wäre es die größte Selbstverständlichkeit und natürlichste Sache von der Welt, diese Musik (so) zu spielen. Was ihr zur ganz großen Interpretin noch fehlt, ist der ureigene, individuelle und unverkennbare Ton, wie ihn nur die Leuchttürme der Zunft wie etwa Jascha Heifetz oder Nathan Milstein hatten. Gleichwohl gelingt es ihr trefflich, die verschiedenen Charaktere der drei Sätze 1. „Allegro moderato“, 2. „Largo con gran espressione“ und 3. „Allegro moderato“ individuell herauszuarbeiten und dabei trotzdem die große, alles verbindende Linie nicht aus den Augen zu verlieren.

Das Konzerthausorchester Berlin unter der kundigen Stabführung von Lothar Zagrosek ist der ideale Begleiter von Tanja Becker-Bender. Trotz der enormen solistischen Dauerpräsenz der Violine entspinnt sich ein weitgespannter und über weite Strecken beglückend inniger Dialog mit dem Orchester, was einerseits für ein hohes Maß an Transparenz und Durchhörbarkeit sorgt, andererseits den epischen, ja geradezu linguistischen Sprachgestus des – paradox gesagt – intimen Mammutwerkes buchstäblich zu Wort kommen lässt. Allenfalls ist das Spiel der Musiker hie und da nicht zupackend, nicht „wild“ und ruppig genug. Wirklich störend an der Aufnahme ist nur das Klangbild der Solo-Kadenz im ersten Satz, der man (vor allem unter dem Kopfhörer) ablauscht, dass sie extra aufgezeichnet wurde, da sie lauter und aufdringlicher klingt und so den chromatischen Fluss unterbricht, von dem eine Reger-typische Sogwirkung ausgeht. Dieser Anziehungskraft kann man sich fast nicht entziehen, wenn man bereit ist, sich auf den – nochmals paradox gesprochen – bis zum Äußersten ausdifferenzierten heißen Magmastrom des hyperpolyphonen Klanggeschehens einzulassen.

Ein kurzes Wort noch zu den „Zwei Romanzen“ op. 50. Meiner Meinung nach hätte Hyperion besser daran getan, diese zwar netten, dabei reichlich gefälligen, aber nicht sonderlich elaborierten Gelegenheitswerke mit ihrem etwas geschmäcklerischen Gestus nicht auch noch auf die CD zu pressen, sondern das Violinkonzert für sich alleine „sprechen“ zu lassen. Weniger ist manchmal mehr.

Fazit: Diese CD ist ein hoch willkommener und wichtiger Beitrag zum Thema Reger, der bestens dazu angetan ist, das immer noch vorurteilsbehaftete Bild über einen der am meisten missverstandenen, dabei größten Komponisten auf der Schwelle zwischen Alt und Neu, Tradition und Moderne, 19. und 20. Jahrhundert zu revidieren. Tanja Becker-Bender, Lothar Zagrosek und das Konzerthausorchester liefern vielleicht noch nicht die ideale, aber doch eine beeindruckende Aufnahme seines Violinkonzerts in guter bis sehr guter Klangqualität. Ein ganz besonderer Dank geht an Wolfgang Rathert, den Autor des hervorragenden Booklet-Textes.

© Dr. Burkhard Schäfer

Unser Gast-Rezensent Dr. Burkhard Schäfer studierte Literaturwissenschaft und Philosophie an den Universitäten Tübingen und Wien. Gemeinsam mit seiner Frau betreibt er das Redaktionsbüro Schäfer. Spezialisiert auf den Bereich Kulturjournalismus (mit Schwerpunkt in der Klassik) hat Schäfer zahlreiche Interviews mit berühmten Vertretern der Musikszene geführt, beispielsweise mit Dietrich Fischer-Dieskau, Martha Argerich, Hans Werner Henze und Sofia Gubaidulina. Als freier Journalist schreibt er für Tageszeitungen, Fachmedien und Online-Portale wie Zeit-Online, Südwest Presse (SWP), die „neue musikzeitung“ (nmz) und das „Ensemble-Magazin für Kammermusik“. Am 18. Juni 2011 war er Studiogast von Ines Pasz in der Sendung „SWR2 Treffpunkt Klassik extra“.

Burkhard Schäfer lebt mit seiner Familie in Ulm und betreibt für das Redaktionsbüro Schäfer den Twitter-Account „Kammermusik“.

Die CD The Romantic Violin Concerto Vol. 11: Max Reger - Violin Concerto in A major, Op. 101 · Two Romances for violin and small orchestra, Op. 50 des  Konzerthausorchester Berlin unter der Leitung von Lothar Zagrosek mit der Solistin Tanja Becker-Bender erscheint am 20. Januar 2012 auf Hyperion (CDA 67892) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Violinkonzert A-Dur, op. 101
2. Zwei Romanzen für Violine und kleines Orchester, op. 50

Für ihre neue CD mit den zwei Streichquintetten opp. 4 und 29 Beethovens haben sie sich mit Barbara Buntrock mit einer der erfolgreichsten Bratschistinnen der jüngeren Generation zusammengetan. Und obwohl die Leipziger zum ersten Mal für eine Aufnahme mit der Wuppertalerin ins Studio (und in den Konzertsaal) gingen, klingen die hier eingespielten Streichquintette wie aus einem Guss. Diese wirklich hinreißenden Frühwerke Beethovens zeichnen sich durch Eleganz und Kunstfertigkeit aus. Das kraftvolle Element, das Beethovens spätere Musik auszeichnet, ist nur stellenweise erkennbar (v.a. im Quintett op. 29).

Das frühere der beiden, das Quintett in Es-Dur, op. 4, hatte Beethoven noch im Unterricht bei Joseph Haydn aus dem in Bonn geschriebenen Bläseroktett (posthum veröffentlicht als op. 103) erarbeitet und 1795 noch einmal revidiert, bevor es 1796 im Druck erschien. Auch wenn Haydn selbst kein Quintett geschrieben hat (weil er »alles mit vier Stimmen ausdrücken könne«, soll Haydn gesagt haben), steckt in diesem Werk noch sehr viel von der Sorgfalt und Kunstfertigkeit, die Haydns Kammermusik auszeichnet und die der junge Beethoven so bewunderte.

Das spätere der beiden Quintette in C-Dur (von 1800/01), ist die eigentliche Überraschung der CD. Beethovens einziges ‘echtes’ Quintett erweist sich als kammermusikalische Großtat erster Güte  und gleichzeitig als völlig anders geartet als seine zeitnah entstandenen Streichquartette op. 18. Zweifelsohne zeigte sich Beethoven beim Quintett deutlich experimentierfreudiger, kühner und nonkonformistischer, was die tradierten Kompositionstechniken anbelangt. Die ausführenden Musiker glänzen hier (wie auch beim dem Quintett in Es-Dur) durch eine perfekte Balance von Temperament und Zurückhaltung, machen Beethovens kleine und große Kunstgriffe hörbar. Gerade im dynamischen Bereich überraschen die Musiker mit einer bemerkenswerten Feinabstimmung. So nuancenreich wurden diese Quintette gewiss noch nie aufgenommen. Dank der (gewohnt) exzellenten MDG-Tontechnik ist dies auch in jeder Sekunde der CD hörbar.

Fazit; Eine exzellente Einspielung bemerkenswerter Musik, die zu Unrecht eher unbeachtet bleibt, ausgeführt von fünf herausragenden Musikern. Eine Überraschung ist dies bei den Leipzigern freilich nicht, wohl aber immer wieder erfreulich.

Die  CD Ludwig van Beethoven – String Quintets, op. 4 & 29 des Leipziger Streichquartett und Barbara Buntrock ist am 18. November 2011 bei MDG (MDG 307 1715) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Streichquintett für 2 Violinen, 2 Violen und Cello in Es-Dur, op. 4
2. Streichquintett für 2 Violinen, 2 Violen und Cello in C-Dur, op. 29

Der Rezensent Malte Ruhnke schreibt über die Ausrichtung des bei Pentatone erschienene Albums:

»Ganz bewusst bewegt sich die Berliner Aufführung fern von Konventionen und Hörgewohnheiten. Mit dem trockenen Klang der Philharmonie, mit übertriebener Deutlichkeit und fein differenziertem Orchesterton dominiert eine oratorienhafte Ernsthaftigkeit (…)«

und lobt ausdrücklich den Rundfunkchor Berlin

»Ein Genuss der besonderen Art ist dabei die Präzision und Homogenität des Chores, die man in dieser Qualität an keinem Opernhaus der Welt erleben kann.«

Die 4-SACD Richard Wagner – Die Meistersinger von Nürnberg vom Rundfunkchor Berlin mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin unter der Leitung von Marek Janowski ist am 18. November 2011 auf Pentatone (PTC 5186 402) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Ich bin ein dunkler, verworr´ner Klang,
Der weit aus Thule herüberdrang.
Ich bin deiner Jugend verlühender Traum,
Dein erster Kuß unterm Apfelbaum.

Ich bin deine heil´ge Herzensnot,
Ich ruf dich in Morgen- und Abendrot.

Die Worte des Dichters Carl Busse (1872-1918) aus dem Gedicht Stimme der Sehnsucht, musikalisch umgesetzt von Hans Pfitzner im eröffnenden Titelstück des neuen Albums der niederländischen Sängerin Christianne Stotijn, charakterisieren sehr bildhaft, was den Hörer auf diesem Lieder-Album erwartet: Düster-schwermütige Spätromantik, melancholisch auf die Vergangenheit zurückblickend. Und die aus Delft stammende Mezzosopranistin belegt (einmal mehr), dass sie derzeit zu den besten Lied-Interpretinnen gehört. So variantenreich, so einfühlsam, so zart, so schmerzvoll, so kraftvoll, so stolz, so zerbrechlich singt heute kaum eine andere Sängerin Lieder.

Es sind Werke von Hans Pfitzner (1869-1949), Richard Strauss (1864-1949) und Gustav Mahler (1860-1911), den drei wohl bedeutendsten Vertretern der letzten ‘großen’ deutschsprachigen Lied-Komponisten-Generation, die durchtränkt sind von spätromantischer Sehnsucht. Doch Sehnen ist nicht gleich Sehnen: Wer meint, dass spätromantische Melancholie gleichförmig klingt, der wird überrascht sein, wie eigen die drei Komponisten das Thema Sehnsucht definierten und charakterisierten. Rastlos und aufgewühlt ist Pfitzners Sehnsucht und scheint Schuberts Erlkönig ewig zu zitieren, Strauss Sehnsucht ist verspielt scheint noch voller Erwartung und doch, in seiner Naivität, vor Enttäuschungen nicht gefeit, Mahlers Sehnsucht nach vergangenen, besseren Zeiten ist hoffnungslos und voller Schwermut. Und als Epilog des Albums, gleichsam als Hoffnungsschimmer, erklingt dann auch noch Strauss’ “Morgen!” mit den tröstenden Worten »Und am Morgen wird die Sonne wieder scheinen…«. Nach so viel Schwermut und Sehnsucht ist dies ein beruhigender und versöhnlicher Abschluss.

Christianne Stotijn ist die Zeremonienmeisterin dieser Sehnsüchte mit einer geradezu magisch wandelbaren Stimme, kongenial assistiert vom Münchener Pianisten Joseph Breinl, dessen Spiel sich dem bald zerbrechlichen, bald kraftvollen Gesang der Stotijn genau anpasst. Breinls Spiel ist selbstbewusst genug, um nicht im Hintergrund unbemerkt zu bleiben, zurückhaltend genug, um den samtweichen Mezzosopran nicht in den empfindsamsten Momenten zu überdecken, kurzum: Die beiden sind ein perfekt aufeinander abgestimmtes Duo, auch wenn es für einen Pianisten schwer sein muss, neben so einer grandiosen Sängerin zu bestehen.

Bemerkenswert ist neben Stotijns überragenden Mahler-Interpretation, die ihresgleichen sucht, auch ihr überzeugender Einsatz für Pfitzners immer noch unterschätzte Lieder. Christianne Stotijns CDs sind stets Höhepunkte in der Lied-Nische des Marktes, diese “Stimme der Sehnsucht” ist ein weiteres Juwel ihrer bemerkenswerten Diskografie.

Es gibt nicht viele Sängerinnen, die auf solch hohem Niveau so überzeugend die zu Unrecht in den Hintergrund gerückte Lied-Tradition erneuern und bewahren können. Christianne Stotijns “Stimme der Sehnsucht” ist ein echter Höhepunkt in der Lied-Diskografie des vergangenen Jahres. Die besondere CD, erschienen im November 2011.

Die CD Stimme der Sehnsucht – Lieder by Pfitzner, Strauss and Mahler von Christianne Stotijn und Joseph Breinl ist am 18. November 2011 auf Onyx (ONYX 4075) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Hans Pfitzner – Lieder
   • Stimme der Sehnsucht
   • Nachts
   • Lockung
   • Nachtwanderer
   • Abschied
2. Richard Strauss – Lieder
   • Ständchen
   • Der Dichters Abendgang
   • Schlechtes Wetter
   • Nachtgang
   • All mein’ Gedanken
   • Befreit
   • Zueignung
3. Gustav Mahler – Kindertotenlieder
   • Nun will die Sonn’ so hell aufgeh’n
   • Nun seh’ ich wohl, warum so dunkle Flammen
   • Wenn dein Mütterlein
   • Oft denk’ ich, sie sind nur ausgegangen
   • In diesem Wetter
4. Richard Strauss – Morgen

Obwohl es sich um eine Live-Aufnahme (vom 3. Juni 2011) handelt, waren die Aufnahmebedingungen der Aufführung ideal. Grund: Für den geplanten Wagner-Zyklus entschied man sich für konzertanten Aufführungen, die ohne Inszenierung und damit auch ohne Bühnengeräusche unverfälscht aufgenommen werden können. Sie vereinen die Perfektion einer Studioaufnahme mit der Unmittelbarkeit einer Live-Aufführung. Bei den Meistersingern griff  Janowski wieder auf einen Stamm exzellenter Sänger und Sängerinnen zurück:  Albert Dohmen in der Hauptrolle als Hans Sachs, Dietrich Henschel als Sixtus Beckmesser, Robert Dean Smith als Walther von Stolzing und Edith Haller als Eva (und auch alle anderen Sänger dieser glänzenden Besetzung, s. rechts) bürgen für Wagner-Erfahrung und hervorragende Gesangsleistungen, das RSB und der Rundfunkchor unter der Leitung des Wagner-erfahrenen Maestro Janowski erarbeiten Wagner unverkrampft, schwungvoll  und frisch, ganz ohne jene leicht angestaubte Patina, die selbst gelungene Wagner-Aufführungen/Einspielungen oft anhaftet. Einen nicht unerheblichen Anteil daran hat einmal mehr das spritzige, bewegliche und dennoch sehr akzentuiert spielende Orchester und der exquisite Chor. Erst im Zusammenspiel mit diesen formidabel eingestellten Musikern kann die erfahrene Sängerriege ihr gesamtes Potential entfalten.

Fazit: Ein hochklassige Fortsetzung des ambitionierten Opernprojekts in der Hauptstadt. Janowski und seine Mitstreiter gewähren Wagner in Berlin einen dauerhaften Zweitwohnsitz.

Die 4-SACD Richard Wagner – Die Meistersinger von Nürnberg vom Rundfunkchor Berlin mit dem Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin unter der Leitung von Marek Janowski ist am 18. November 2011 auf Pentatone (PTC 5186 402) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Über die auf dieser CD versammelten Stücke sind unmittelbar nur wenige Worte zu verlieren; sie finden beileibe nicht zum ersten Mal in einem Programm zusammen, und wer eine ebenso kompakte wie flüssig lesbare Orientierung sucht, dem seien die ausgezeichneten Begleittexte von Bayan Northcott im Booklet mit Nachdruck empfohlen. In seinen einleitenden Bemerkungen erinnert er sehr zu Recht an die Zwischenstellung, die gerade die beiden Sonaten einnehmen – nach Beethoven, vor Brahms – und betont ihre hohe „Kunstfertigkeit … von den komplexen, unterschwelligen Gefühlen ganz abgesehen.“ Und wie manch ein anderes Werk Mendelssohns werden diese Kompositionen gerade deshalb oft unterschätzt, weil ihre Komplexität so vollendet auskomponiert ist, dass man ihre Leichtigkeit bei oberflächlichem Hören als Leichtgewichtigkeit missverstehen kann.

Vor diesem Hintergrund sollte man also besonders aufmerksam sein, wenn sich ein Cellist und ein Pianist zusammentun, um Mendelssohn zu spielen – und innerhalb der Aufnahmen der vergangenen Jahre darf man der Interpretation der Brüder Watkins eine beeindruckende Stringenz bescheinigen, die auf der Basis perfekter Spieltechnik gründet und eine kontrollierte, luzide und mit reichlich Finesse ausgestattete Lesart dieser Literatur bietet. Wo aber das Rettende wächst, scheint hier einmal die Gefahr nicht weit zu sein, und so ist die wohlbemessene Durchdachtheit dieser Aufnahme zugleich ihre gefährliche künstlerische Falle. Keine Arbeit Mendelssohns verträgt einen zu gebändigten, reflektierten, ja: akademischen Zugang, wenn sie denn zünden und ergreifen soll. Das gilt für die Cellowerke in besonderer Weise: Sie stellen den hohen Anspruch, zugleich den hochemotionalen, schnell wechselnden Lagen ihrer Ausdruckswelt gerecht zu werden, nein: sie mit Leben zu erfüllen – während man sich kompromisslos auf der Höhe der in ihnen artikulierten satztechnischen Meisterschaft bewegen muss; und sei es nur, damit weder die Interpreten noch das Publikum, von der geballten musikalischen Energie bedrängt, in wilde Raserei verfallen. Und genau diesen sensiblen Punkt verpassen die Brüder Watkins leider an entscheidenden Stellen, und fliehen – was im Zweifel die bessere Wahl sein mag – in ein hochpräzises und meisterliches Musizieren, das, leicht unterkühlt, Mendelssohn insgesamt doch mehr zeigt als spielt.

Nun gehört es sich nicht, die Arbeiten reifer Interpreten gegeneinander in Stellung zu bringen, und nicht in diesem Sinne sei der immense Kontrast unterstrichen, der sich ergibt, wenn man die Mendelssohn-Interpretationen von Wispelwey-Giacometti und Watkins-Watkins vergleicht. Sicher: nach einer so mitreißenden, „durchbluteten“ Hörerfahrung ist der erste Eindruck der hier besprochenen CD zunächst einmal erschreckend nackt, und leicht verstört fragt man sich, ob man denn wirklich dieselbe Musik desselben Komponisten höre. Irgendwann beim zweiten oder dritten Durchgang kam mir allerdings der Gedanke, dass der Abstand beider Aufnahmen ähnlich zu bemessen ist wie der zwischen den Instrumenten, mit denen sie entstanden: Ein Guadagnini-Cello von 1760 mit reichlich italienischem Esprit bei Wispelwey, das zudem mit dem Érard-Flügel von 1837 eine glanzvolle Freundschaft pflegt – ein Vuillaume von 1846 bei Watkins, das an sich schon ein gerüttelt Maß an Forschergeist und feinster, ausgetüftelter Handwerkskunst mit sich bringen muss … die analytische Kraft, durch die sich die Interpretation der beiden Brüder aus Wales auszeichnet, hätte in diesem Sinne ihr höchst angemessenes Medium gefunden. So gesehen, aus einer etwas ins Akademische gerückten Perspektive, ist diese CD aufschlussreich und empfehlenswert und setzt einen interessanten Akzent in der einschlägigen Diskographie.

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die CD Felix Mendelssohn – Works for Cello and Piano von Paul & Huw Watkins ist am 15. Oktober 2011 bei Chandos (CHAN 10701) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Sonata No. 1, op. 45
2. Variations concertantes, op. 17
3. Lied ohne Worte D-Dur, op. 109
4. Sonata No. 2, op. 58

Die beiden sind ‘Wiederholungstäter’: Bereits im Mai wurde ihr Auftritt in der Wigmore Hall des Zyklus Die schöne Müllerin veröffentlicht, nun also folgt mit der Winterreise der zweite Teil. Nächstes Jahr schließt man dann das gemeinsame Schubert-Projekt in der Wigmore Hall mit dem Schwanengesang ab.

Die Kritiker waren bei der schönen Müllerin von Maltmans warmer Stimme zwischen zarter, empfindsamer Lyrik, tiefer Ernsthaftigkeit und panischer Ängstlichkeit (»warm lyricism, stern gravity and panicky anxiety«, Classical Source, sic!) beeindruckt. Ein ganz ähnliches Spektrum entfaltet er nun, auch dank des sensiblen Spiels von Graham Johnson, ein weiteres Mal bei der Winterreise. Mit klarer, sauberer und müheloser Aussprache gelingt es Christopher Maltman diese Reise als facettenreiche, letzten Endes aber der Gravitation des völligen Zusammenbruchs ausgelieferte Unausweichlichkeit zu gestalten. Maltmans gestaltet den Protagonisten als einen Reisenden ohne Alternativen, ohne Auswege: Seine Stimmungsschwankungen erweisen sich als Psychogramm eines Verlorenen; die Reise ist nicht örtlich, sondern innerlich, von der schmerzvollen Enttäuschung des Zurückgewiesenen in ‘Gute Nacht’ bis zur absolut kraftlosen Hoffnungslosigkeit in ‘Der Leiermann’. Maltman ist gewiss nicht der erste, der diese Reise so gestaltet, aber die Intensität, die er mit minimalen Veränderungen in seiner schönen Stimme erreicht, ist wirklich hörenswert.

Fazit: Eine bemerkenswert psychologisch konsequente Einspielung der Winterreise aus England, lebendig und nuanciert von Christopher Maltman vorgetragen und kongenial begleitet vom Schubert-Experten par excellence Graham Johnson. Die besondere CD, erschienen im Oktober 2011.

Die CD Franz Schubert – Winterreise des Bariton Christopher Maltman, begleitet von Graham Johnson ist am 14. Januar 2011 auf Wigmore Hall Live (WHLIVE 0046) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.