»Klar und direkt, mit straffen, zügigen Tempi, mit gezielter Wucht, aber ohne Fett: So geht Herbert Blomstedt Bruckners Musik an.«

und resümiert:

»Die Aura dieser Musik, so zeigt uns Blomstedt, muss nicht unbedingt durch magische Handlungen beschworen werden. Sie stellt womöglich noch überzeugender ein, wenn man sie für sich selbst sprechen lässt.«

Den gesamten Artikel kann man → hier nachlesen.

Die CD Anton Bruckner – Symphonie Nr. 4 Es-Dur des Gewandhausorchester Leipzig unter Herbert Blomstedt ist am 18. Mai 2012 auf Querstand (VKJK 1018) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

»Es bleibt noch übrig, über Mendelssohns Trio etwas zu sagen – weniges nur, da es sich gewiss schon in aller Hände befindet. Es ist das Meistertrio der Gegenwart, wie es in ihrer Zeit die von Beethoven in B und D, das von Schubert in Es waren; eine gar schöne Komposition, die nach Jahren noch Enkel und Urenkel erfreuen wird. […] Mendelssohn ist der Mozart des 19ten Jahrhunderts, der hellste Musiker, der die Widersprüche der Zeit am klarsten durchschaut und zuerst versöhnt […]. Was soll ich noch über dies Trio sagen, was sich nicht jeder, der es gehört, schon selbst gesagt?«

So äußerte sich Robert Schumann 1840 in der von ihm selbst herausgegebenen „Neuen Zeitschrift für Musik“ über Mendelssohns erstes Klaviertrio aus dem Jahr 1839. Jeder echte Kammermusik-Freund dürfte eine Aufnahme dieses und des zweiten Trios von 1845 in seiner Sammlung haben. Jetzt hat sich auch das junge Leibniz Trio an die beiden kanonischen Trios herangewagt…

Um die Musik von von Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847), verstehen und genießen zu können, müsse man als Hörer »feine Eidechsenohren« und »zarte Fühlhörner« besitzen, befand der Dichter Heinrich Heine im Jahr 1844 in seinem „Musikalischen Salon“, denn nur dann könne sich ihr »federleichter Zauber« offenbaren. Genau das will der vorliegenden Aufnahme aber nicht recht gelingen. Das hängt zum einen damit zusammen, dass auf der CD einige deutliche Schnitte zu vernehmen sind, die sich vor allem den unter Kopfhörern lauschenden „Eidechsenohren“ störend bemerkbar machen und den Eindruck forcieren, dass es sich bei der Aufnahme um „geschnittene Ware“ handelt, wo doch insbesondere der Kammermusik-Freund den Hörgenuss „am Stück“ wünscht.

Problematischer ist aber letztlich das Spiel des Leibniz-Trios beziehungsweise ihr Zugang zu der Musik von Mendelssohn. Hwa-Won Pyun (Violine), Lena Wignjosaputro (Cello) und Nicholas Rimmer (Klavier) gehen mit jugendlichem Eifer, manchmal sogar recht forsch, zu Werke, wogegen zunächst nichts einzuwenden ist. Leider bleiben dabei aber manche zarte Farben und Feinheiten der Musik auf der Strecke, so dass sich der „federleichte Zauber“ nicht einstellen will. Damit soll nicht der klassizistisch-glatten Lesart von Mendelssohns Musik das Wort geredet werden, die im Laufe der Rezeptionsgeschichte schon zu genügend Missverständnissen und Vorurteilen über den vermeintlichen Epigonen gesorgt hat. Letztlich hat sogar Friedrich Nietzsche mit seinem Diktum, bei Mendelssohn handele es sich um einen »schönen Zwischenfall« in der deutschen Musik, für mehr Missverständnisse als Aufklärung gesorgt und den Blick auf den „Fall Mendelssohn“ verstellt.

Kein Zweifel: das Leibniz-Trio versteht sein Handwerk, spieltechnische Probleme haben die drei Musiker nicht. Aber irgendwie finden sie nicht in den Kosmos von Mendelssohn hinein. Und es ist, als ob sie dies selbst auch ganz genau spüren und dieses fehlende gemeinsame Atmen aus dem Geist des Komponisten heraus mit forciertem Spiel wettzumachen versuchen. Aber in dem Maße, wie es versuchen, entfernen Sie sich von ihrem Ziel. Oft ist man beim Zuhören versucht, den Interpreten Hölderlins berühmte Worte „Komm ins Offene, Freund!“ aus seiner Elegie „Der Gang aufs Land“ zuzurufen. Und tatsächlich hat es den Eindruck, als enge das Spiel des Leibniz-Trios die Musik ein, wie es auch in der Elegie beschreiben wird: „zwar glänzt ein Weniges heute / Nur herunter und eng schließet der Himmel uns ein.“

Fazit: Das Leibniz-Trio ist eine junge, vielversprechende Formation, die ihr Können (nicht zuletzt auf ihrer Genuin-CD mit Werken von Dvořák, Martin und Finlay) schon eindrücklich unter Beweis gestellt haben, der es aber auf der vorliegenden Aufnahme nicht gelingen will, die Musik Mendelssohns für sich selber sprechen zu lassen. Es ist, als fehle ihrer Interpretation (noch) die Reife und Gelassenheit der wahrhaft großen Trio-Formationen. Allzu bemüht, forciert und flach bleibt ihr Spiel, die Musik kann und will ihren Zauber so nicht recht entfalten.

© Dr. Burkhard Schäfer

Unser Gast-Rezensent Dr. Burkhard Schäfer studierte Literaturwissenschaft und Philosophie an den Universitäten Tübingen und Wien. Gemeinsam mit seiner Frau betreibt er das Redaktionsbüro Schäfer. Spezialisiert auf den Bereich Kulturjournalismus (mit Schwerpunkt in der Klassik) hat Schäfer zahlreiche Interviews mit berühmten Vertretern der Musikszene geführt, beispielsweise mit Dietrich Fischer-Dieskau, Martha Argerich, Hans Werner Henze und Sofia Gubaidulina. Als freier Journalist schreibt er für Tageszeitungen, Fachmedien und Online-Portale wie Zeit-Online, Südwest Presse (SWP), die „neue musikzeitung“ (nmz) und das „Ensemble-Magazin für Kammermusik“.

Burkhard Schäfer lebt mit seiner Familie in Ulm und betreibt für das Redaktionsbüro Schäfer den Twitter-Account „Kammermusik“.

Die CD Leibniz Trio: Felix Mendelssohn Bartholdy – Piano Trios in D & C minor ist am 20. April 2012 bei Genuin Classics (GEN 12241) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Klaviertrio No. 1 in d-Moll, op. 49
2. Klaviertrio No. 2 in c-Moll, op. 66

Auf der heute veröffentlichten zweiten Bestenliste des Jahres wurde die bei Linn Records veröffentlichte Aufnahme “Music From The Missae Sex” mit Musik des franco-flämischen Komponisten Philippe Rogier (ca. 1561-1596) in der Kategorie ‘Alte Musik’ ausgezeichnet.

Uwe Schweikert schreibt für die Jury:

»Zwei seiner retrospektiv den Renaissancestil verklärenden Messen hat das englische Vokalensemble Magnificat unter der Leitung von Philip Cave aufgenommen – mit homogenem, sonorem Klang, der das dichte Stimmengeflecht freilegt und dennoch der Musik nichts von ihrer energischen Vitalität nimmt. Eine lohnenswerte Entdeckung! «

Die SACD Music From The Missae Sex des Ensemble Magnificat unter der Leitung von Philip Cave ist am 18. November 2011 auf Linn Records (CKD 387) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Howells betörend schöne Kompositionen, bei denen sich die Stimmen ein ums andere Mal kunstvoll übereinander schichten, gehören generell zu den absoluten Höhepunkten der englischen Chormusik des 20. Jahrhunderts. Dies gilt nicht nur für seine größeren Werke wie beispielsweise das Stabat mater oder den Hymnus Paradisi, sondern auch für die hier zusammengefassten, zum Teil nur auf wenige Minuten kondensierten Stücke.

Man könnte sich keinen besseren Interpreten für diese Werke vorstellen, als den Choir of Trinity College aus Cambridge. Die Perfektion und Klangschönheit, mit der sie die hier zusammengefassten Werke darbieten, ist schlichtweg atemberaubend. Crescendi und Decrescendi so imposant anschwellend und bis ins Pianissimo klar verständlich, so gleichmäßig in der Dynamik, so sauber und präzise intoniert hört man selbst im Land der besten Chöre der Welt selten.

Stephen Layton hat es geschafft, einen der besten Chöre der Welt zu einer technischen Höchstleistung anzuleiten. Mehr noch: Ihm ist es gelungen, seinem Klangkörper (Layton steht dem Trinity College Choir seit 2006 als künstlerischer Leiter vor) die emotionale Tiefe, die diese von persönlichen Schicksalsschlägen geprägten Kompositionen innewohnt, zu vermitteln. Dabei konnte es eigentlich den jungen Chormitgliedern wohl kaum gelingen, die Erfahrungswelt Howells nachzuvollziehen, die geprägt war von den Gräuel des 1. Weltkriegs, wirtschaftlicher Unsicherheit und dem Verlust geliebter Menschen durch Epidemie-Krankheiten. Umso erstaunlicher ist es, dass die Sänger mit spürbarer Demut und behutsamen Respekt agierten und diese ‘kleinen’, sehr privaten sieben Kompositionen Howells mit echtem, unmittelbaren Empfinden (und nicht nur technischer Perfektion) umgesetzt haben.

Hier noch ein Video der Aufnahme-Sessions mit dem Gloria aus dem St Paul’s Service:

Unbedingt hervorzuheben wäre da auch die fantastische Klangqualität der CD und das überaus informative, dreisprachige (Englisch, Französisch, Deutsch) Booklet, das einen exzellenten Überblick über Herbert Howells Vita und die hier zusammengefassten Werke bietet.

Die CD Herbert Howells – Requiem & other works des Choir of Trinity College Cambridge unter der Leitung von Stephen Layton ist am 20. April 2012 auf Hyperion (CDA 67914) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. A Hymn for St. Cecilia
2. Salve regina (No. 4 aus ‘Four Anthems to the Blessed Virgin Mary’)
3. Gloucester Service
4. Take him, earth, for cherishing
5. St Paul’s Service
6. Requiem
7. Michael – All my hope on God is founded (Arr. John Rutter)

Also nochmal von vorne: Pavel Fischer, damals erster Geiger der „Škampas“, kam 2007 in die Verlegenheit, eine Lücke von ca. 15 Minuten schließen zu müssen, die im Programm eines gemeinsamen Auftritt des Quartetts mit Iva Bittová in der New Yorker Carnegie Hall klaffte – eine Lücke zwischen Janáček und Bittová wohlgemerkt, für die man nachvollziehbarer Weise nichts Rechtes findet, sondern am besten selber etwas schreibt. Fischer griff zu diesem Zweck tief in die Schatzkiste der mährischen Volksmusik, in der er reichlich Zymbal-Stoffe fand, aber auch eine Roma-Lamentation und einen Csárdás – die, im Gewand einer ebenso anspruchsvollen wir mitreißenden modernen Komposition, zu seinem ersten Streichquartett „Morava“ wurden.

In Fischers Quartetten wird saftig gestrichen, fein gesäuselt, gezupft, geklappert und polternd geklopft, geklatscht und gerufen, dass es eine Freude ist, und das alles auf tadellosem Škampa-Niveau, also Weltklasse. Ja, so eine richtige solide Streicherausbildung kommt doch auch der Folkmusik zugute, auf jeden Fall, wenn sie auf diesem Wege zu einem derart sprühenden Ausdruck findet, blitzsauber gespielt und dabei kein bisschen steril, im Gegenteil: die blanke Spielfreude.

Und genau so geht es weiter im Programm, nach einem kurzen Intermezzo mit zwei kleineren, sehr schönen Arbeiten Fischers von schlichter Poesie, die er zu mährischen Volksliedern aus der klassischen Sammlung von František Sušil geschrieben hat. Hier ist mit dem Škampa-Quartett und Pavel Fischer auch Iva Bittová zu hören, ein kurzer Auftritt, der der auch international mittlerweile gut bekannten Nonkonformistin und Cross-over-Künstlerin genügt, der CD mit ihrem unverwechselbaren Gesang ihren Stempel aufzudrücken, vorausschauend auf die Einspielung ihres Quartetts „Hopáhop tálitá“ am Schluss des Programms.

Zuvor aber darf Pavel Fischer die Früchte seiner Begeisterung für den schottischen Dudelsack und die Fiddle vorstellen, die in seine Streichquartette Nr. 2 und 3 eingeflossen ist. Ersteres ist eine kompakte Komposition, die im Mittelsatz die in Folk-Kreisen gut bekannte Ballade „Wild Mountain Thyme“ variiert, begleitet von den Tanzrythmen eines Jig im ersten und eines Reel im dritten Satz. Streichquartett Nr. 3 schließlich erinnert an den legendären „Mad Piper“ Bill Millin, der mitten im Kampfgeschehen der aliierten Landung in der Normandie am 6.6.1944 nicht von seinem Instrument ließ. Als wolle Fischer demonstrieren, dass es bei dieser Operation um nicht weniger als die Befreiung Europas ging, stellt er dem ersten, Millin gewidmeten Satz, einen zweiten mit wilden karpathischen Tänzen an die Seite, genießt im dritten die Nostalgie alter bulgarischer Dudelsackaufnahmen, um im vierten Satz bei der Musik der „Bärenführer“ anzukommen, der Ursari, die als ärmste Gruppe der rumänischen Roma eine Musik der improvisierten Instrumentierung entwickelt haben. Auch das kann ein Streichquartett, wie man staunend feststellt.

So gelangt die CD schließlich wieder zu ihrem Ausgangspunkt zurück, in die Carnegie Hall 2007/08, in der das Škampa-Quartett auch Iva Bittovás „Hopáhop tálitá“ aufführte. Bittová ist ja bekanntermaßen eine der äußerst raren Musikerpersönlichkeiten, die immer offen für die unmöglichsten Einflüsse sind und bei denen nie ein Stein auf dem anderen bleibt – denen es aber gleichwohl stets gelingt, einen vollkommen unverwechselbaren Stil zu produzieren. Fischer beschreibt, wie anspruchsvoll die spielerische, elementare Improvisation für die Musiker war, flankiert von einer gewissen Scham angesichts der deklamierenden Elemente, die für einen konzentriert agierenden Streicher wohl immer etwas von einer persönlichen Entblößung auf offener Bühne haben. Allein, nach einigen Auftritten mit „Hopáhop“ seien die Škampas lockerer geworden, und so ist das wuselig-poetische Stück ein wunderbarer Abschluss dieses Programms. Unsere CD des Monats Mai 2012.

Nochmal!

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die CD Morava – Streichquartette vom Škampa-Quartett mit Iva Bittová und Pavel Fischer ist am 20. April 2012 bei Supraphon (SU4092-2) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de oder → jpc.de (Link öffnet die Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Pavel Fischer, Streichquartett Nr. 1 „Morava“
2. „Jedu chlapci, jedu“, für Streichquartett und Gesang
3. „Brodil Janko kone“, für Streichquartett und Gesang
4. Streichquartett Nr. 2 „Wild Mountain Thyme“
5. Streichquartett Nr. 3 „Mad Piper“
6. Iva Bittová, Streichquartett „Hopáhop tálitá“

Das Album wurde beim norddeutschen Radiosender NDR Kultur von der Redakteurin Friederike Westerhaus vorgestellt.

So schreibt sie beispielsweise über das Spiel der drei Musiker beim Klaviertrio in D-Dur, Hob.XV:24 von Joseph Haydn:

»Armstrong, Bielow und Brendel spielen das Haydn-Trio herrlich klar und transparent, und finden hier – mehr noch als bei den anderen Werken – zu einem äußerst homogenen Klang.«

Den vollständigen Artikel kann man → hier nachlesen.

Die CD Klaviertrios von L. v. Beethoven, K. Armstrong, J. Haydn und F. Liszt von Kit Armstrong, Andrej Bielow und Adrian Brendel ist am 20. April 2012 auf Genuin (GEN 12239) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Die CD wurde nun von der Redakteurin  Meret Forster für den süddeutschen Kultursender BR-Klassik besprochen.

Sie schreibt:

»Das Nash Ensemble, das seit mehr als vierzig Jahren zu den besten Kammermusikensembles Großbritanniens zählt, musiziert leidenschaftlich, impulsiv, dabei aber stets äußerst präzise, nie akademisch und weit entfernt von schwülstigem Pathos, zu dem diese Musik viele Interpreten verführt. Die intensive Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Musik, die das Nash Ensemble in flexiblen Besetzungen pflegt, mag den hybriden musikalischen Ausdruckssphären Turinas zu Gute kommen und sie klar im 20. Jahrhunderts verorten. «

Den gesamten Artikel kann man → hier nachlesen.

Die CD Joaquín Turina – Chamber Music vom Nash Ensemble ist am 20. April 2012 auf Hyperion (CDA 67889) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

In den sich verändernden Zeitgeist der aufkommenden Romantik passt auch die Transkription des Requiems durch den Beethoven-Schüler Carl Czerny (1791-1857) für Solo-Sänger, Chor und Klavier zu vier Händen. Durch die drastische Reduktion des Orchesterparts auf vierhändiges Klavier, durch dieses Schaffen eines kammermusikalischen Rahmens, verleiht die Czerny-Bearbeitung dem Requiem eine Intimität, die der damaligen monumentalisierenden Aufführungspraxis des Werkes (im Original, oder dem, was man dafür hielt) diametral gegenüberstand. Czernys Transkription ist nichts anderes als ein überaus kunstfertiger Versuch, Mozarts Werk der veränderten Ästhetik der Frühromantik anzupassen.

De rnun beim Mailänder Label La Bottega Discantica erschienenen Aufnahme mit dem Coro Costanzo Porta aus Cremona mit den Solisten Silvia Frigato (Sopran), Anna Bessi (Alt), Raffaele Giordani (Tenor) und Riccardo Dernini (Bass) sowie Diego Maccagnola und Francesco Pasqualotto (Klavier) gelingt es, einen exzellenten Klangeindruck zu vermitteln, wie sich die frühe Romantik Mozarts Requiem ‘verbessert’ vorgestellt haben mag. Die Klavierbegleitung wirkt, bei aller virtuosen Ausarbeitung, im Vergleich zur bekannten Orchesterfassung deutlich zurückgenommener und stellt, wenn überhaupt, eher die verschiedenen pianistischen Möglichkeiten des Klavierspiels zu vier Händen zur Schau. Der Chor und vor allem die Solisten stehen in Czernys Fassung viel unmittelbarer im Zentrum des musikalischen Geschehens.

Antonio Greco hat bei seiner Interpretation die klare, reine Intimität der Bearbeitung herausgearbeitet. Sowohl der Chor, als auch die Solisten agieren zurückhaltend (fast möchte man “mit angemessenem Respekt vor dem Verstorbenen” schreiben), die beiden Pianisten setzen Czernys Klavierpartitur sehr sauber und präzise um, verzichten aber darauf, sich in den Vordergrund zu spielen. Die klare, direkte Aufnahmetechnik unterstreicht den kammermusikalischen Charakter der Transkription.

Mozarts Requiem hat in seiner über 200-jährigen Geschichte viele Metamorphosen erlebt. Während wir die Entwicklungen (und Irrwege) des 20. Jahrhunderts weitgehend an zahlreichen Tonaufnahmen nachvollziehen können, sind Aufnahmen solcher damals üblichen Transkriptionen ein gute Möglichkeit nachzuvollziehen, wie sehr sich das Klangideal der Menschen nur einer Generation nach Mozarts Tod verändert hatte. Eine aufschlussreiche Veröffentlichung vor allem für jene, die sich für die stets wandelnde Rezeption des Mozartschen Requiems als ein exemplarisches Stück Musikgeschichte interessieren.

Die CD Wolfgang Amadeus Mozart – Requiem (Transcription by Carl Czerny for Soli, Coro & Piano 4 Hands) des Coro Costanzo Porta unter der Leitung von Antonio Greco ist am 20. April 2012 auf La Bottega Discantica (BDI 238) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

So gelingt Shelley und dem OSI ein hörenswerter, schöner Abschluss ihrer Expedition in ein Terrain, das aus heutiger Sicht ein – meist gänzlich unbeachteter – Übergang von Beethoven in die Ära Schuberts, Mendelssohns und Schumanns ist. Spohr als Exponenten dieser „Zwischenzeit“ neu gewürdigt zu haben ist das Verdienst dieses Unternehmens; seine Symphonien eröffnen interessante Perspektiven gerade auf die Werke seiner „Nachfolger“, die ihn freilich bald überstrahlten, zuvor aber eben diese Symphonien rezipiert, gelobt und auch wiederholt aufgeführt haben.

Diese Brückenposition untereicht das erste Werk auf dieser CD, die Symphonie Nr. 9 in h-Moll op. 143, die programmatisch dem Thema der vier Jahreszeiten gewidmet ist. Sie entstand im Frühjahr 1850 und wurde am 24. Oktober desselben Jahres im Leipziger Gewandhaus uraufgeführt – ein später Termin, der schon allein dazu geeignet ist, Spohr aus der beschriebenen musikgeschichtlichen Lücke zu befreien. Die farben- und stimmungsreiche Komposition enthält alles, was man zu diesem Thema erwarten kann und erwarten darf, vor dem Hintergrund der anderen berühmten Arbeiten zu diesem Sujet, von Vivaldi an: Winterschwere und -strenge, Vogelstimmen und flirrende Schwüle, Donnergrollen, Jagdliches und Zitate aus Volkslied und -tanz. Spohr gibt dem Stoff aber eine ungewöhnliche Anordnung und gliedert die Symphonie in zwei Teile, deren erster Winter und Frühling umfasst, der zweite Sommer und Herbst, jeweils mit einem verbindenden Zwischenspiel. So verläuft das Jahr von den Mühen der kalten Jahreszeit zur versöhnlichen Wärme des Herbstes – ein Konzept, das man wie Keith Warsop im Begleittext biographisch interpretieren kann, vermutlich aber nicht muss.

Auch in der zweiten hier vorgestellten Symphonie, der neun Jahre früher entstandenen Nr. 7 in C-Dur op. 121, gelingt Spohr ein bemerkenswerter Ausdruck seiner souveränen Kreativität. Nach Art seiner Doppel-Streichquartette ist die ebenfalls programmatische Symphonie für zwei Orchester angelegt, mit einem vollständigen Symphonie-Orchester, neben das eine kleine Gruppe von elf Musikern tritt. Im Grundriss des Themas „Irdisches und Göttliches im Menschenleben“ symbolisieren Flöte, Oboe, Klarinette, Fagott, zwei Hörner, zwei Geigen, eine Bratsche, ein Cello und ein Kontrabass die Stimme des Göttlichen. Das Zwiegespräch ist auf drei Sätze angelegt, die aus der „Kinderwelt“ über die „Zeit der Leidenschaften“ zum „Endlichen Sieg des Göttlichen“ führen. Schlicht und kindlich-verspielt lotet Spohr im ersten Satz die Möglichkeiten aus, die ihm die ausgefallene Besetzung bietet. Unter den irdischen „Leidenschaften“ des zweiten Satzes ist besonders das virtuose Solo hervorzuheben, das der ersten Geige des „göttlichen“ Orchesters zugedacht ist und in dem Spohr eine hübsche Kostprobe seines instrumentalen Könnens niedergelegt hat. Mit gefälliger Dramatik inszeniert der dritte Satz die Befreiung des Geistes aus den Ketten des irdischen Treibens, um zu einem an Poesie gewiss nicht überdimensionierten, aber versöhnlich-ruhigen, schönen Schluss zu gelangen.

Mit zwei kleinen Kompositionen Spohrs, der keine Minute währenden „Introduzione“ in D-Dur von 1830 und dem 1825 zur Hochzeit von Prinzessin Marie von Hessen-Kassel komponierten Festmarsch in derselben Tonart, schließen Shelley und das OSI die CD-Reihe mit Spohrs Symphonien ab. Dieses mitreißende, geradezu swingende Stück kam schon bei der Hochzeitsgesellschaft bestens an und musste auf Wunsch des Kurfürsten Wilhelm II von Hessen-Kassel und des Bräutigams gleich noch einmal wiederholt werden. Solches konnte Spohr also auch, und zwar so gut, dass man den zeitlichen Abstand zwischen der für einen ganz anderen Anlass geschriebenen „Introduzione“ und dem Festmarsch gar nicht wahrnimmt. Romantische Hofmusik vom Feinsten, berstend vor Festlichkeit – die perfekte Zugabe eben, mit der Shelley und das OSI einen gelungenen Schlusspunkt ihrer CD-Reihe setzen.

Unser Gast-Rezensent Nils-Christian Engel studierte Evangelische Theologie in Tübingen, Prag, Leipzig und Halle (Saale). Er arbeitet als PR-Journalist, bevorzugt an Streicherthemen, mit der persönlichen Begeisterung eines Amateur-Cellisten.

Die CD Louis Spohr – Symphonies Nos. 7 & 9 · Introduzione und Festmarsch in D-Dur vom Orchestra della Svizzera Italiana unter der Leitung von Howard Shelley ist am 23. März 2012 bei Hyperion Records (CDA67939) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de oder → jpc.de (Link öffnet die Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Symphony No. 9 in B minor op. 143 (1850)
2. Symphony No. 7 in C major op. 121 (1841)
3. Introduzione in D major WoO5 (1830)
4. Festmarsch in D major WoO3 (1825)

Die CD beginnt paradoxerweise mit dem Ende: „Endling“ heißt das erste – und beste! – Werk, und es thematisiert nach den Worten des Komponisten den Verlust der Natur, der Artenvielfalt auf unserem Planeten und das Verschwinden der Schönheit in einer komplett ausgebeuteten und von Gott verlassenen Welt. Dieser Schmerz artikuliert sich in „Endling“ aber nicht in Atonalität und harschen Dissonanzen, sondern in einer fast schon transzendenten Harmonie, in der die Wehmut über all das Unwiederbringliche die Gestalt einer Schönheit annimmt, die von der Welt Abschied nimmt und ihr doch zuinnerst zugewandt bleibt. Gerade in ihrer Abgeklärtheit und inneren Ruhe hat diese Musik etwas Herzzerreißendes und zutiefst Anrührendes.

„Endling“ erinnert an eine Szene aus dem Science-Fiction-Film „Soylent Green“ (deutscher Titel: …Jahr 2022… die überleben wollen), als der alte Sol Roth, der im Leben keinen Sinn mehr sieht, in die Klinik geht, um sich den Todescocktail geben zu lassen. Bis das Gift wirkt, lässt Sol sich noch einen Naturfilm zeigen, in dem die Erde zu sehen ist, wie sie vor ihrer totalen Ausbeutung und Verödung ausgesehen hat: mit Wäldern, Blumen, Tieren und Vögeln. Dazu läuft die „Morgenstimmung“ aus Griegs „Peer Gynt Suite Nr. 1“. Auch wenn „Endling“ anders klingt als die „Morgenstimmung“, erzielt Schultz mit seinem Werk eine ganz ähnliche Wirkung, der man sich schwer entziehen kann. Auch wer die emphatische Musik des Letten Pēteris Vasks schätzt, wird auch „Endling“ lieben, obwohl die Tonsprache eine andere ist. Kleine Vasks-Zitate, vor allem am Schluss des Stückes, sind aber trotzdem zu hören.

Lag die Filmmusik-Assoziation schon bei „Endling“ in der Luft, ist sie im zweisätzigen Violinkonzert mit Händen zu greifen. Das heißt im Fall Schultz aber gerade nicht, dass seine Kompositionen nur in Verbindung mit einem (realen) Film Sinn machen, nein: die Werke selbst sind der musikalische Film, sie bedürfen keiner Illustration sondern sind klang-bildlich und klang-sinnlich aus sich selbst heraus. Auch darin berühren sie sich mit der Musik des großen Letten, in der ebenfalls die großen, existenziellen Themen wie Liebe, Natur, Glaube, Sehnsucht, Hoffnung, Leben und Tod verhandelt werden – emotional, spontan, direkt und ohne Berührungsängste vor „verbrauchter“ Tonalität und Harmonie. Man kann Schultz‘ Violinkonzert, das 15 Jahre darauf warten musste, auf CD gebannt zu werden, in eine Reihe mit den ganz großen Werken stellen, die in den letzten Jahren für dieses Instrument geschrieben wurden: „Distant Light“ von Pēteris Vasks, „Concentric Path“ von Thomas Adès oder „1001 Nights in the Harem“ von Fazil Say.

Schultz‘ Violinkonzert beginnt mit einem langsamen Satz, der „Chorale: Expansive“ überschrieben ist. Wie wohlige Wellen brandet die Musik an, läuft wieder zurück und brandet wieder an – und immer so weiter. Dies ist Musik für die Ewigkeit. Der Komponist stellt dem Konzert ein Gedicht des englischen Romantikers William Butler Yeats voran, dabei erinnert der erste Satz auch an Goethes Formulierung: „Gestaltung, Umgestaltung, des ewigen Sinnes ewige Unterhaltung.“ Der zweite Satz „Dances: Fast and vibrant“ ist rhythmisch, überschwänglich, ausgelassen und bildet quasi die Antithese zum vorausgegangenen „Chorale“. Am Schluss kehrt die Musik dann wieder in das ruhigere Fahrwasser des ersten Satzes zurück. Die junge Geigerin Jennifer Pike nimmt sich als Solistin sehr zurück, sie spielt aber niemals blass oder konturlos. Mit ihrer einfühlsamen Art, sich dem Violinkonzert zu nähern, trifft sie genau den richtigen Ton, den man sich allenfalls an ein paar wenigen Stellen etwas voluminöser und ein kleines bisschen üppiger gewünscht hätte.

Den Schluss der CD bildet das Orchesterwerk – man könnte auch sagen: die Tondichtung – „Once upon a time…“ aus dem Jahr 2006. Der Komponist äußert sich wie folgt darüber: „Eine Tür zum Orchesterspielen zu öffnen ist für mich, wie in einen magischen Bereich einzutreten. Eine Welt, in der es fantastische und unendliche Möglichkeiten gibt, genauso wie in den verzauberten Wäldern der Märchenerzählungen. [...] In diesem Werk ergreift der Geist des musikalischen Geschichten-Erzählens alle Teile [und Instrumente] der Komposition.“ Genau hier liegt aber auch das Problem des Werkes, das musikalisch am wenigsten überzeugt. Im Unterschied zum Violinkonzert und „Endling“ klingt „Once upon a time…“ tatsächlich nach Filmmusik im negativen Sinne des Wortes. Die „unendlichen Möglichkeiten“, die dem Komponisten zur Verfügung stehen, schlagen um in Beliebigkeit und das postmoderne „Anything goes“.

Fazit: Auch wenn man sich über das dritte Stück der CD streiten kann, ist das eine großartige Veröffentlichung, die unbedingt darauf neugierig macht, mehr Musik von Andrew Schultz und anderen australischen Komponisten kennenzulernen. „Endling“ und das Violinkonzert sind in einem äußerst suggestiven, gleichsam musikalischen CinemaScope-Verfahren geschrieben, das dem Hörer einen akustischen „Panorama-Blick“ gestattet. Das Tasmanian Symphony Orchestra und die Solistin Jennifer Pike interpretieren die Werke technisch brillant und mit großer Einfühlsamkeit. Das Klangbild ist präsent, ausgewogen und klar, wenn auch vielleicht nicht überwältigend räumlich. Die Booklet-Texte zu den Werken, die der Komponist selbst verfasst hat, sind hilfreicher als viele Werkerläuterungen, die man sonst so häufig in den Booklets zu lesen bekommt.

© Dr. Burkhard Schäfer

Unser Gast-Rezensent Dr. Burkhard Schäfer studierte Literaturwissenschaft und Philosophie an den Universitäten Tübingen und Wien. Gemeinsam mit seiner Frau betreibt er das Redaktionsbüro Schäfer. Spezialisiert auf den Bereich Kulturjournalismus (mit Schwerpunkt in der Klassik) hat Schäfer zahlreiche Interviews mit berühmten Vertretern der Musikszene geführt, beispielsweise mit Dietrich Fischer-Dieskau, Martha Argerich, Hans Werner Henze und Sofia Gubaidulina. Als freier Journalist schreibt er für Tageszeitungen, Fachmedien und Online-Portale wie Zeit-Online, Südwest Presse (SWP), die „neue musikzeitung“ (nmz) und das „Ensemble-Magazin für Kammermusik“.

Burkhard Schäfer lebt mit seiner Familie in Ulm und betreibt für das Redaktionsbüro Schäfer den Twitter-Account „Kammermusik“.

Die CD Andrew Schultz – Orchestral Works des Tasmanian Symphony Orchestra unter der Leitung von Richard Mills mit der Solistin Jennifer Pike* ist am 23. März 2012 ABC Classics (ABC 476 4519) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Endling, Op. 72 (2007)
2. Violin Concerto, Op. 55 (1996)*
3. Once upon a time…, Op. 70 (2006)