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Authentischer und beschwingter Folk vom Quadriga Consort

Sal Pichireddu — Sat, 31 Jul 2010 14:30:22 +0000

Erst vor einigen Tagen besprach ich auf diesen Seiten die neue CD des österreichischen Quadriga Consort “Songs from the British Isles” (‘Die besondere CD’ Juli 2010, Besprechung s. → hier), auf der das Septett mit viel Fingerspitzengefühl alte (Folk-) Songs von den britischen Inseln historisch-informiert auf Originalinstrumenten vorträgt. Sie belegen (einmal mehr), dass E- und U-Musik mehr Berührungspunkte haben, als man glauben möchte und dass man Alte Musik auch so gestalten kann, dass sie Hörerschichten anspricht, die mit dem, was sonst unter dem Label ‘klassische Musik’ definiert wird, nicht viel anfangen können. Ausgerechnet die Alte Musik erweist sich hier als guter Einstieg in die Klassik-Welt.

Zum Monatsende habe ich hier nun einige Live-Videos der early music band zusammengetragen, die einen sehr guten Eindruck vermitteln, was den Hörer auf diesem wundervollem Album erwartet: Die einfühlsame und betörende Stimme von Elisabeth Kaplan und die unbeschwerte, federleichte Musikalität von Angelika Huemer (Blockflöten, Viola da Gamba), Karin Silldorff (Blockflöten), Dominika Teufel (Viola da Gamba), Peter Trefflinger (Barockcello), Laurenz Schiffermüller (Perkussionsinstrumente) und Nikolaus Newerkla (Cembalo, Arrangements, Leitung).

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Das Album Songs from the British Isles, gespielt vom österreichischen Quadriga Consort ist am 23. Juli auf Gramola (98876) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Dunedin Consort & Players, John Butt: Johann Sebastian Bach – Mass in B minor

Sal Pichireddu — Fri, 30 Jul 2010 16:24:52 +0000

Die h-Moll-Messe, BWV 232 (international meistens unter der englischsprachigen Bezeichnung “Mass in B minor” bekannt) von Johann Sebastian Bach (1685-1750) ist das letzte große Chorwerk des Thomaskantors und gleichzeitig jenes, um welches sich die meisten Mythen ranken. Die Tatsache, dass Bach die ursprüngliche Kurzmesse (geschrieben 1733, anlässlich des Todes des Kurfürsten Friedrich August I. von Sachsen) ohne (bekannten) Anlass 1748/9 zu einer vollständigen Messe ausbaute, der dann das vollständige Ordinarium des lateinischen Messetextes zugrunde liegt (und damit eher katholisch, denn protestantisch war – waren doch vollständige Messen auf Latein zu Bachs Zeiten in der protestantischen Glaubenswelt schon sehr ungewöhnlich), ließ Raum für Spekulationen. Gerade in der Romantik mutmaßte man, dass Bach sich selbst eine Totenmesse geschrieben hat (obwohl es sich bei der h-Moll-Messe nicht um eine Totenmesse, ein Requiem, sondern um eine Missa solemnis handelt), die sein wahres (katholisches) Glaubensbekenntnis beinhalte, eine gewagte These, wenn man bedenkt, wie wichtig Bach für die protestantische Kirchenmusik war und wie umworben seine Dienste waren. Wenn er wirklich katholisch hätte sein wollen, wäre es für ihn gewiss nicht unmöglich gewesen, dies zu sein.

Gleich welche Gründe es letzten Endes gegeben haben mag (am wahrscheinlichsten scheint heute einfach Bachs Wunsch ein weiteres exemplarisches Werk zu schaffen), wurde die 1733er Messe teils durch Neukompositionen, teils durch parodierende Umarbeitung vorhandener Sätze aus seinen Kantaten um ein Credo, ein Sanctus und ein Agnus Dei erweitert. Bachs zweitältester Sohn Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) erbte die Partitur, bearbeitete sie (möglicherweise begann er damit sogar noch zu Bachs Lebzeiten), doch erstmalig im Druck erschien die Messe allerdings erst 1805, lange nach dem Todes Carl Philipp Emanuels. Unklar bleibt, wann sie zum ersten Mal vollständig am Stück aufgeführt wurde, möglicherweise in den 1830er Jahren in Leipzig unter Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847).

Auch die Editionsgeschichte ist ein spannendes Kapitel der Musikhistorie und alles anderes als widerspruchsfrei und abgeschlossen. Nach dem neuesten Stand der Wissenschaft ist die Edition des Bach-Forschers Joshua Rifkin, der seine kritische Ausgabe der letzten Fassung der h-Moll-Messe 2006 beim renommierten Verlag Breitkopf & Härtel veröffentliche. Wie bei allen Ausgaben Rifkins sind die Solostimmen gleichzeitig der Kern des Chors, der nur in bestimmten (und zu bestimmenden) Momenten durch Ripienisten punktuell verstärkt wird. Diese äußerst akribisch erstellte Fassung (gerade was den Einsatz der Chorstimmen anbelangt) wurde nun zum ersten Mal vom schottischen Originalinstrumente-Ensemble Dunedin Consort & Players für das audiophile Label Linn Records eingespielt.

Das erste, was einem schon bei den allerersten Klängen des eröffnenden Kyrie eleison auffällt, ist das zügige Tempo, das das Dunedin Consort unter John Butt anschlägt. Sicher, es gab auch schon vorher recht zügig von statten gehende Interpretationen: Gerade in den letzten Jahren tendiert man (endlich!) dazu, Bach nicht mehr jene extreme Langsamkeit zu verleihen, die man gerade hier in Deutschland so lange bei ihm pflegte (etwa bei Otto Klemperers sehr getragener, extrem düster wirkende Aufnahme von 1968 mit dem wuchtigen BBC Chorus und dem New Philharmonia Orchestra) , aber die sehr zügigen (nicht zu schnellen, schon gar nicht unpräzisen!) Tempi sind dennoch auffallend. Auffallend auch, weil der Chor tatsächlich unglaublich schlank, transparent und flexibel klingt, sicher auch dank der überragenden Aufnahmetechnik, auf die bei Linn Records immer mit äußerster Sorgfalt geachtet wird.

Die Solisten:

Susan Hamilton – Sopran 1
Cecilia Osmond – Sopran 2
Margot Oitzinger – Alt
Thomas Hobbs – Tenor
Matthew Brook – Bass

Nun gibt es schon lange keine Neuaufnahmen der h-Moll-Messe mehr, bei denen große Chöre (wie eben der riesige BBC Chorus in Klemperers Aufnahme) verwendet werden (von modernen Instrumenten ganz zu schweigen), doch der schlanke, wendige Chorgesang bleibt das ‘Markenzeichen’ der Aufnahme. Rifkin (und Butt) haben sich an jedem Punkt der Messe genaue Gedanken gemacht, wann man welche Stimmen doppelt und wann nicht. (De facto nehmen genau diese Überlegungen im Booklet einen großen Raum ein).

Aber es sind nicht nur das Reduzieren der Chorstimmen und das zügige Tempo, die diese Aufnahme aus der großen h-Moll-Messen-Diskografie hervorheben, es ist vor allem die Art und Weise, wie die Messe vorgetragen wird. In noch nie gehörter Freundlichkeit, stellenweise regelrechter Fröhlichkeit (!) wird hier die Messe zelebriert: Geht man dem Sinn einer Messe auf den Grund, dann ist dies gewiss nicht so abwegig, wie es sich zunächst anhört: Christen feiern Gottesdienste, sie bekennen sich freimütig zu ihrem Glauben und fühlen sich dadurch befreit. Selbstverständlich steckt in jeder Messe nicht nur Gottesfurcht, sondern auch Freude über seine Existenz, Freude über die Vergebung der Sünden, Freude über das versprochene Heil. Warum wurde diese überaus positive Aspekt in der sakralen Musik Bachs so oft übersehen? Vielleicht weil es nicht so recht ins Bild des strengen, brütenden Protestanten passen wollte? Aber Bach war nicht nur Protestant, er war auch ein Komponist, der seine Musik geradezu peychologisierte: Dramatik, Düsternis, Drohung sogar, aber eben auch Freude. Gerade eine lateinische Messe bot hierfür Spielraum. Wenn man das Gloria in excelsis Deo auf dieser Aufnahme hört, dann findet man jenen verspielten, freudigen, freundlichen Bach wieder, den man sonst nur in seinen instrumentalen Werken (etwa den Brandenburgischen Konzerten) vermutet.

Diese Aufnahme der h-Moll-Messe ist im Grunde eine Messe, die gefeiert wird, mit all dem, was im Psychogramm einer Messe tatsächlich vorhanden ist: Andacht, Gottesfurcht, Meditation und Spiritualität, aber eben auch Freude, wo Freude geboten ist. Dem Dunedin Consort unter John Butt ist eine menschenfreundliche h-Moll-Messe gelungen, die nichts von ihrer Ernsthaftigkeit und Größe, aber vieles von ihrer immer unterstellten Schwere verloren hat. Die einzigartige Musik der Bachs gewinnt so nur noch mehr an Tiefe und Vielschichtigkeit und gewinnt an innerer Logik.

Ein Meilenstein in Sachen Aufnahmequalität und Interpretation: So feierlich, so freundlich hat man die h-Moll-Messe noch nie gehört, selten wirkten Chor- und Solo-Passagen homogener. Eine Aufnahme, die man als Bach-Freund unbedingt gehört haben sollte, auch (und gerade!) wenn man glaubt, die h-Moll-Messe schon zur Genüge zu kennen. Dies ist ein herausragender Beitrag zur Bach-Diskografie des letzten Jahre: “CD des Monats” Juli 2010.

Musik und Interpretation
Klangqualität
Cover und Aufmachung

Die 2SACD Johann Sebastian Bach – Mass in B minor vom Dunedin Consort & Players unter der Leitung von John Butt ist am 23. Juli 2010 auf Linn Records (CKD 354) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

“Richard Wagner – Lohengrin” mit Victoria de los Ángeles bei »Neue CDs« auf NDR Kultur besprochen

Sal Pichireddu — Thu, 29 Jul 2010 15:27:09 +0000

Ob das Erscheinungsdatum zwei Tage vor der Eröffnung der diesjährigen Bayreuther Festspiele mit der Oper Lohengrin ein Zufall war? Wie dem auch sei. die NDR Kultur-Redakteurin Dagmar Penzlin hat in der Sendung “Neue CDs” vor einigen Tagen die vor kurzem erschienene 3-CD-Box mit einem historischen (Amateur-) Mitschnitt von 1964 derselben Oper unter die Lupe genommen. In der Titelrolle glänzt die spanische Sopranistin Victoria de los Ángeles, es spielt das Orchester und der Chor des berühmten Teatro Colón in Buenos Aires unter der Leitung von Lovro von Matačić. Sie schreibt:

»Victoria de los Ángeles besitzt genau jene leuchtend entrückten Töne, die man sich von einer Elsa-Interpretin wünscht. Die Spanierin liebte ein vielseitiges Repertoire, begeisterte als Lied-Interpretin ebenso wie in Wagner-Rollen. (…) so einer Wagner-Sängerin würden auch heute alle Türen offen stehen.«

Neben der de los Ángeles glänzt auch Christa Ludwig in der Rolle der Ortrud:

»Christa Ludwig (…) bringt das argentinische Publikum zum Jubeln. Etwa nach ihrem Racheschwur, den man selten so entfesselt und zugleich klangschön hört. So energiegeladen dieser Ausbruch, so subtil überwiegend der Ortrud-Gesang von Christa Ludwig. Wie in einem Schubert-Lied formt sie die Silben der Worte, mit denen sie in Elsa das Misstrauen weckt.«

Dagmar Penzlin resümiert:

»Diese historische “Lohengrin”-Aufnahme ist keine professionell gemachte. Wohl der Grund dafür, dass manche, gerade lautere Passagen verschwommen klingen. Wer Victoria de los Ángeles und Christa Ludwig in zwei ihrer Paraderollen erleben möchte, nimmt das sicherlich gern in Kauf.«

Den ganzen Artikel gibt es → hier in der Rubrik “Neue CDs” bei NDR Kultur

Den Podcast zur Sendung kann man im MP3-Format → hier herunterladen (mit der rechten Maustaste anklicken und “Speichern unter” auswählen)

Die 3CD Richard Wagner – Lohengrin mit Victoria de los Ángeles ist am 23. Juli 2010 bei Columna (1CM 0229) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Interview mit Pieter Dirksen: Johann Sebastian Bachs Goldberg Variationen

Sal Pichireddu — Wed, 28 Jul 2010 16:00:28 +0000

Einige Wochen sind nun vergangen, seitdem die bewusst authentische Aufnahme der berühmten Goldberg-Variationen von Johann Sebastian Bach (1685-1750) des niederländischen Musikwissenschaftlers, Organisten und Cembalisten Pieter Dirksen beim kleinen niederländischen Label Etcetera erschienen. Die Doppel-CD (siehe Besprechung → hier) wird ergänzt durch die “Kanonische Variationen”, BWV 769, gespielt an einer Kirchenorgel. Im Booklet äußerte Dirksen so etwas wie Frustration darüber, dass die Goldberg Variationen heutzutage vor allem in alles andere als authentischen Einspielungen wahrgenommen werden. Er schreibt dazu:

»Ich kenne kein anderes Hauptwerk der westlichen Musikgeschichte, bei dem die Intentionen eines Komponisten heute so systematisch ignoriert werden.«

Eine Aussage, der man freilich beipflichten muss, wenn man sich die Diskografie der Goldberg-Variationen anschaut, die mittlerweile auf allen möglichen Instrumenten eingespielt worden sind – zuletzt erschien eine sehr interessante (und durchaus gelungene Fassung) für Akkordeon von Teodoro Anzellotti – und die alle überstrahlt werden von der Jahrhundertaufnahme von Glenn Gould aus dem Jahre 1955. Dirksen plädiert dafür, dass es sich durchaus lohnt die Variationen in ihren Originaltempi (samt Wiederholungen) auf einem Original-Instrument neu zu entdecken. Ich konnte mit dem polyglotten Dirksen ein Interview (auf Deutsch!) führen, über das neue Album und über seine generellen Überlegungen zu Bach.

Ihr Album mit den Goldberg Variationen / kanonische Variationen ist seit einigen Wochen auf dem Markt. Sind Sie mit dem Album zufrieden?

Ganz zufrieden zu sein bei CD-Aufnahmen ist schwierig, aber so insgesamt kann ich doch zufrieden sein, glaube ich. Sehr schön finde ich jedenfalls, dass das Label meinem Vorschlag zugestimmt hat auch das Schwesterwerk der Goldberg-Variationen, nämlich die Canonische Veränderungen für Orgel, mit aufzunehmen. Ich glaube, diese eigentlich sehr auf der Hand liegende Kombination, ist hier zum ersten Mal gemacht worden.

Sie haben sich für eine konsequent historisch-informierte Spielweise entschieden, auf einem Cembalo(-Nachbau) der Epoche und mit allen Wiederholungen, die Bach angegeben hat. Warum glauben Sie, dass es wichtig ist, die Goldberg Variationen so zu spielen?

Ich kann mich eigentlich keine einzige Variation ohne Wiederholung vorstellen! Die Struktur des Werkes verlangt einfach danach. Ansonsten läuft man schnell in Gefahr das Werk miniaturhaft zu erfahren – und das war wirklich nicht Bachs Absicht.

Ihre Interpretation ist deutlich länger als viele andere Aufnahmen der Goldberg-Variationen. Warum ist das so?

Weil ich die Goldberg-Variationen in erster Linie nicht als ein Virtuosenwerk betrachte. Da wird doch manchmal vieles von den Vorstellungen des 19. und 20. Jahrhunderts hinein transportiert. Vertieft man sich aber wirklich in die wunderbare Linien, Kontrapunktik und Harmonik, so reduziert sich das Tempo wie von selbst.

Machen andere Interpretationen (auf dem Klavier, auf der Orgel etc.) nicht auch Sinn? Was halten Sie von Goulds berühmter Aufnahme von 1956 der Goldberg Variationen?

Ich will keinesfalls die Bedeutung alternativer Ausführungen schmälern, aber ich muss gleichzeitig einfach feststellen, dass die Goldberg-Variationen mehrheitlich auf Instrumenten oder in Instrumentationen gespielt und aufgenommen werden, die dem nachdrücklich vom Komponisten vorgeschriebenen zweimanualigen Cembalo nicht entsprechen. Ich glaube, dass es kein anderes Hauptwerk der Musikgeschichte gibt, wo das der Fall ist, und somit ist das allgemeine Bild einfach verzerrt. Diese Verzerrung, so könnte man sagen, ist auch die Stärke von Goulds 1955er Aufnahme. Er führt quasi den Beweis an, dass die Goldberg-Variationen eben kein Klavierwerk sind ad absurdum, aber er macht es auf geniale Weise.

Gibt es denn überhaupt andere Aufnahmen/Interpretationsansätze, die Sie als gelungen betrachten?

Natürlich gibt es bei solch einem Meisterwerk eine breiten Raum für verschiedene Interpretationen, aber ich muss bekennen, dass ich schon seit langem mich meistens auf das Anhören von Musik beschränke, die ich nicht selbst spiele …

Sie schreiben in ihren höchst informativen Anmerkungen im Booklet, dass Sie »kein anderes Hauptwerk der westlichen Musikgeschichte (kennen), bei dem die Intentionen eines Komponisten heute so systematisch ignoriert werden.« Warum ist das so? Die historische Aufführungspraxis hat doch gerade bei Bach einen wichtigen Ausgangspunkt gehabt.

Ich spiele hier natürlich auf die außerordentliche Popularität des Werkes unter den Pianisten an. Diese vergessen dabei aber, dass diese Tatsache mehr über die ganz konkurrenzlose Qualität des Stückes, als über die Eignung des Werkes für ihr Instrument aussagt (man denke nur an die zweimanualige Variationen mit ihre ständig kreuzende Stimmen!).

Mir ist aufgefallen, dass es in Belgien und in den Niederlanden viel mehr historisch-informierte Solisten und Ensembles gibt. Warum glauben Sie ist das so? Und warum ist das in Deutschland anders? Haben Sie Erfahrungen mit dem deutschen Publikum?

Meine Erfahrung ist, dass das in Deutschland jetzt doch ziemlich kräftig nachgeholt wird. Meine Erfahrungen mit dem deutschen Publikum sind sehr positiv: Es bleibt ja ein einmaliges Land der Musik!

Historisch-informierte Musik (gerade für Soloinstrumente) erscheint selten bei den großen Labels. Ist das ein Problem für die Künstler? Oder sind die Konzerte wichtiger als die CD-Veröffentlichungen?

Die Konzerte bleiben natürlich das weitaus Wichtigste. Nichts kann die Spontanität eines Spielens auf der Bühne und den Kontakt mit das Publikum ersetzen. CDs sind niemals “endgültiges Ziel” oder “definitiv”.

Wie sehen ihre Pläne für die Zukunft aus? Gibt es schon konkrete Projekte für die Zukunft?

Ich habe jetzt schon einiges von Bach veröffentlicht und will das auf selektive Weise in der Zukünft fortsetzen – aber bestimmt keine “Gesamtaufnahme”, wobei mir die Relevanz hier (zumal bei Bach) zunehmenderweise fragwürdig erscheint. Aber auch bezüglich der (noch) älteren Literatur für mitteltönig gestimmte Instrumente habe ich noch einiges geplant. Hier wird es allerdings immer schwieriger das dann auch bei einem Label unterzubringen. Neben Bach schlägt mein Herz ja vor allem für die wunderbare Cembalo- und Orgelliteratur des 17. Jahrhunderts!

Vielen Dank für das aufschlussreiche Gespräch.

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Das Doppelalbum Johann Sebastian Bach – Goldberg Variations · Canonic Variations von Pieter Dirksen ist am 19. März 2010 auf Etcetera (KTC 1400) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Ida Haendel · Czech Philharmonic Orchestra, Karel Ančerl: Ludwig van Beethoven – Violin Concerto in D major · Jean Sibelius – Violin Concerto in D minor

Sal Pichireddu — Tue, 27 Jul 2010 16:02:18 +0000

Die in Warschau geborene und zwischen Paris und London aufgewachsene Violinistin Ida Haendel (*1928) war eine der ersten Frauen, die sich in der Männerdomäne Violine behaupten konnte, lange bevor Frauen wie Anne-Sophie Mutter (übrigens eine glühende Bewunderin Haendels) und und zahlreiche Violin-Nymphen die Podien eroberten. Bereits mit sieben Jahren wurde sie als Schülerin von Mieczyslaw Michalowicz an der Musikakademie Warschau aufgenommen. Als 1935 ihre Familie nach Paris verzog, studierte sie dort bei Carl Flesch und später bei George Enescu. Sie gilt als Spezialistin für Stravinsky, Tchaikovsky und Sibelius und sie hat mehrfach betont, dass ihr die deutschen Komponisten (Beethoven und Brahms) stets besonders am Herzen gelegen hätten. In der Tat gilt ihre Aufnahme des Violinkonzerts in D-Dur, op. 61 von Ludwig van Beethoven (1770-1827) aus dem Jahre 1949 (mit dem Philarmonia Orchestra unter Rafael Kubelik) als Meilenstein in der Musikgeschichte, dasselbe gilt für ihre Aufnahme des Violinkonzerts in d-Moll, op. 47 von Jean Sibelius (1865-1957) aus dem Jahre 1993 (!) mit dem jungen Simon Rattle und dem Birmingham Symphony Orchestra. Sibelius selbst hatte sie 1949 mit seinem Konzert spielen gehört und über sie geschwärmt, dass sein Konzert in Ida Haendel »eine Interpretin von seltenem Können« gefunden habe.

Nun ist erstmalig eine Radio-Aufnahme auf dem tschechischen Label Supraphon erschienen, die unmittelbar nach dem Tod Sibelius’ (am 20. September 1957) im Rudolphinum in Prag (am 18. Oktober 1957) mit der Tschechische Philharmonie unter dem legendären Karel Ančerl entstanden ist. Auf der CD befindet sich neben dem Violinkonzert von Sibelius auch eine Live-Aufnahme des Konzerts von Beethoven desselben Abends. Und hört man nun diesen über 50 Jahre alten Mono-Mitschnitt, von den Toningenieuren in Prag behutsam und kompetent restauriert und remastert, dann wird klar, warum man bei der Grande Dame der Violine immer wieder von ihrem geradezu vulkanischem Temperament liest. Ida Haendel spielt das Violinkonzert in d-Moll so kraftvoll, so emotional, so souverän, dass sie fasst das vorzügliche Orchester, das sie begleitet, in den Schatten stellt. Die Aufnahmetechnik tut dabei ihr übriges, in dem sie auf Ida Hanedels Violine stark fokussiert (in heutigen audiophilen Zeiten würde sich das kein halbwegs selbstbewusstes Ensemble mehr bieten lassen – aber zu Mono-Zeiten wurde oft so gearbeitet). Wenn dann die Solo-Violine zum ersten Mal für einige Takte im ersten Satz des Konzerts schweigt, dann wird der Hörer förmlich von den mächtigen tschechischen Philharmonikern umgeworfen. Was für ein großartiges Orchester schon damals in Prag arbeitete. Doch dann setzt die Violine wieder ein und reißt den Zuhörer in den Strudel aus Emotionen und Musik hinein. Es steckt so vieles in dieser Aufnahme: Trauer um Sibelius, den verstorbenen Komponisten, fortwährende Freude an seiner Musik und Bewunderung für sein Werk – zweifelsohne ist dieses Zeitdokument eine gefühlvolle Hommage an den finnischen Komponisten.

Und ihr Beethoven ist nicht minder überzeugend, im Gegenteil: So komplexe, so schwierige, so technisch vertrackte Kadanzen (jene von Joseph Joachim), wie sie die fast 30-jährige Haendel hier spielt, traut sich heutzutage kaum noch einer auf dem Podium zu bringen. Auch hier überrascht Ida Haendel mit kräftigem, selbstbewusst-temperamentvollen Bogenstrich; auch in ihrem Beethoven steckt viel Bewunderung, viel Freude.

Das vielleicht Faszinierende an diesen Aufnahmen ist: Die virtuosesten, technisch anspruchsvollsten Momente werden so mühelos, so schwerlos gespielt, dass sie federleicht erscheinen. Auch wenn Ida Haendel der ganz große Weltruhm ihre Kollegen verwehrt bliebt (und sie wohl auf ewig ein wenig unterschätzt bleiben wird): Ida Haendel gehört zu den ganz großen ihrer Zunft. Diese CD ist ein Beleg dafür.

Musik und Interpretation
Klangqualität
Cover und Aufmachung

Die CD Ludwig van Beethoven – Violin Concerto in D major · Jean Sibelius – Violin Concerto in D minor mit Ida Haendel als Solistin und dem Czech Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Karel Ančerl ist am 23. Juli 2010 bei Supraphon (5186 317) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

Ludwig van Beethoven – Violin Concerto in D major
Jean Sibelius – Violin Concerto in D minor

Quadriga Consort: Songs from the British Isles

Sal Pichireddu — Mon, 26 Jul 2010 16:00:02 +0000

Bei den meisten sogenannten Mittelalter- und Renaissance-Bands, die heute teilweise mit recht großem Erfolg durch die Lande tingeln, mag ich deren Trivialisierung, ja Vulgarisierung der Alten Musik nicht. Sicher, die Volksmusiken waren noch nie kunstvoll ausgeschmückte Barock-Opern, aber mir scheint, dass Einfachheit und Volksnähe zu oft mit Derbheit verwechselt wird. Wenn das Zotige zum Selbstzweck verkommt, dann taugt die dargebotene Musik zumeist eher als lärmende Untermalung des nächsten Mittelalter-Jahrmarktes. Mit einer ernsthaften Auseinandersetzung mit der Pop(ulär)musik der Vergangenheit hat das nicht viel gemein, was unendlich schade ist, denn es gibt gerade bei den einfachen Liedern aus dem Mittelalter, der Renaissance und dem Frühbarock viel Kunstvolles zu entdecken und es gibt nicht wenige, die den Ursprung unserer heutigen Song-orientierten Pop-Musik genau in diesen alten Liedern sehen.

Das österreichische Quadriga Consort. kommt aus der Alten-Musik-Bewegung, nennt sich selbst early music band, und versucht seit Jahren den schmalen Grat zwischen Authentizität und dennoch attraktiver Interpretationen zu gehen und dabei sowohl der Musik als auch dem Publikumsgeschmack gerecht zu werden, sie nennen es popular & traditional, was ganz gut das Spannungsfeld ihrer Musik definiert: Sie spielen traditionelle Folkssongs (mit deutlichem Schwerpunkt auf die Lieder der britischen Inseln) in populären Fassungen, dazu eigene Kompositionen des irischen Nationalkomponisten Turlough O’Carolan (1670-1738) und seines schottischen Pendants Niel Gow (1727-1807). Mittlerweile hat das Ensemble über 200 Arrangements solcher Songs im Programm, die es bei zahllosen Konzerten auf Original-Instrumenten und ohne modernen Schnickschnack (keine E-Gitarren, keine Synthesizer, keine Beats aus dem Rechner, aber auch keine zu üppigen, barocken Arrangements, keine Kunstlied-Stimmen etc.) aufführt. Ihre 20 besten Nummern sind nun auf der CD “Songs From The British Isles” zusammengefasst, die alles das bietet, was so viele andere Aufnahmen nur versprechen: Authentische Instrumente, historisch-informierte Aufführungen (So kann es damals wirklich geklungen haben!) und mitreißende Performances. Das Album ist ihr insgesamt viertes, das erste jedoch für das renommierte Wiener Gramola-Label.

Dieser Ausschnitt aus der DVD desselben Konzerts vom 5. Januar 2009 in Freistadt vermittelt einen guten Eindruck von ihrem Sound:

Besonders lobenswert sind sowohl die aus Südafrika stammende Sängerin Elisabeth Kaplan, die mit ihrem angenehmen, natürlichen Gesang die Songs gefühlvoll vorträgt, als auch die geschmackvollen und stilsicheren Arrangements vom künstlerischen Leiter und Cembalisten Nikolaus Newerkla. Erfreulich ist auch, dass die Instrumentalstücke, die das Quadriga Consort immer wieder einstreut, alles andere als bloße Füller auf der CD sind: Diese Nummern zwischen Folk und höfischer Liedkultur sind nichts anderes als sehr frühe Pop-Musik, aus einer Zeit, in der es die sinnlose Trennung zwischen E- und U-Musik noch nicht gab.

Die Alte-Musik-Szene hat in den letzten Jahren des öfteren bewiesen, dass sie keine Berührungsängste zu traditionellen Volksmusiken hat – sie bilden ja mit ihrem Melodienreichtum das Fundament für die weltliche Musik der Neuzeit. Das Quadriga Consort ist einer der unterhaltsamsten Anwälte dieser halb vergessenen, halb allgegenwärtigen Musik. ‘Die besondere CD‘ Juli 2010.

Musik und Interpretation
Klangqualität
Cover und Aufmachung

Inhalt:

Trad. – John Barleycorn (Schottland)
Turlough O’Carolan – James Betagh / James Betagh Jig (Irland)
Trad. – Chi mi na mòr-bheanna (Schottland)
Trad. – On A Cold Winter’s Day (Irland)
Trad. – Harmish The Carpenter / There Cam a Young Man / Hills of Glenorchy / Jenny Nettles (Schottland)
Trad. – The Willow Tree (England)
Trad. – ‘Twas in the Moon of Wintertime (Frankreich/Kanada)
Trad. – The Maid Who Sold Her Barley (England)
Turlough O’Carolan – Carolan’s Cup / The Two William Davises (Irland)
Turlough O’Carolan – Miss Noble (Irland)
Trad. – Pulling The Sea-Dulse (Irland)
Trad. – Boyne Water / Morrison Jig (Irland)
Trad. – Fine Flowers In The Valley (Schottland)
Trad. – Captain James (England)
Trad. – Puirt a beul – Mouthmusic (Schottland)
Niel Gow – Neil Gow’s Lament for the Death of His Second Wife (Schottland)
Trad. – The Saucy Sailor (England)
Trad. – The Wraggle-Taggle Gypsies, O! (England / Schottland)
Trad. – The Drunken Sailor (England / Schottland)
Trad. – The Cliffs of Doneen (Irland)

“Songs from the British Isles” vom Quadriga Consort als »CD der Woche« beim Deutschlandradio Kultur

Sal Pichireddu — Sat, 24 Jul 2010 14:00:56 +0000

Ich freue mich immer wieder darüber, wenn die deutschen Kulturradios auch CDs abseits vom Klassik-Mainstream besprechen, wenn CDs besprochen werden, deren Material vielleicht nicht immer direkt mit ‘klassischer Musik’ assoziiert wird. Der überregionale deutsche Sender Deutschlandradio Kultur präsentiert diese Woche als »CD der Woche« in der Sparte Klassik das neue (Live-) Album “Songs from the British Isles” der early music band (Eigendefinition) Quadriga Consort. Dieses österreichische Originalinstrumente-Ensemble hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Volksmusik-Schätze vergangener Jahrhunderte authentisch, lebendig und doch zeitgemäß aufzuführen. Angenehmerweise verzichtet das Ensemble dabei gänzlich auf moderne Instrumente (wie elektronische Sounds und Beats), ebenso verzichtet das Quadriga Consort auf aufgesetzte Künstlichkeit und auch auf zur Schau gestellter Derbheit (was bei vielen sogenannten Mittelalter- und Renaissance-Bands leider zum Alltag gehört). Das siebenköpfige Ensemble findet bei seinen Arrangements, die der Bandleader Nikolaus Newerkla in den allermeisten Fällen selbst schreibt, eine angenehme Balance zwischen Natürlichkeit und Kunst.

Deutschlandradio Kultur-Redakteurin Bettina Schmidt lobt in ihrer Besprechung des nun erschienenen vierten Albums des Septetts, das Debüt für das renommierte, kleine aber feine Wiener Label Gramola, den »gelungenen Spagat« zwischen »historischem und modernem Stilgefühl« und konstatiert »“Lieder von den Britischen Inseln” bietet so genannten “early music pop”, und das vom Feinsten.«

Den gesamten Artikel kann man → hier nachlesen.

Eine Besprechung des Albums auf diesen Seiten folgt in den nächsten Tagen ist seit dem 26.07. → hier abrufbar.

Aquarelle Guitar Quartet: Dances

Sal Pichireddu — Fri, 23 Jul 2010 16:30:12 +0000

Die Gitarre ist eines der wenigen Instrumente, dass in allen Genres der Musik als Solo-Instrument verwendet wird: Sowohl in der Popmusik, als auch im Jazz, im Blues, in den verschiedenen Volksmusiken (und erst recht bei dem, was man unter Folk zusammenfasst) und ebenso in der klassischen Musik. Vielleicht hat diese Omnipräsenz in der Musik dazu beigetragen, dass die Musik für Gitarre auch oft genreübergreifend komponiert wird, dass selbst ‘klassische’ Komponisten bei ihren Werken für Gitarre auch Einflüsse aus anderen Bereichen der Musik aufgenommen haben: Gitarrenmusik ist immer in erster Linie Musik für Gitarren, ganz gleich unter welchem ‘Etikett’ dann diese gehandelt wird. Für die Connaisseurs dieser Musik ist das nebensächlich. So hat der Flamenco-Gitarrist Paco De Lucía 1978 eigens Noten gelernt, um Kammermusik von Manuel De Falla (1876-1946) aufnehmen zu können, 1991 folgte dann sogar das berühmteste Gitarrenkonzert überhaupt, das Concierto de Aranjuez von Joaquín Rodrigo (1901-1999); der britische Jazz-Gitarrist John McLaughlin wiederum komponierte 1988 sein ‘klassisches’ Mediterranean Concerto für Gitarre und Orchestra.

Das Aquarelle Guitar Quartet (kurz AGQ) aus Manchester, bestehend aus Michael Baker, Vasilis Bessas, James Jervis und Rory Russell, hat gerade seine zweite CD für das Label Chandos namens “Dances” veröffentlicht. Der Titel des Albums ist dann wirklich auch Programm: Dem englischen Quartett ging es auf dem Album darum, die rhythmisch-tänzerischen Möglichkeiten der Gitarre auszuloten und die verschiedensten Tänze zu interpretieren. Auf dem Album vereinen sie Musik aus unterschiedlichen Epochen, etwa aus der Klassik mit einem wundervoll-beschwingten Fandango von Luigi Boccherini (1743-1805), traditioneller Musik vom Balkan, aus Italien und Spanien, dem brasilianischen Jazz des 20. Jahrhunderts von Egberto Gismonti (*1947) und dem europäischen Jazz von Andy Scott (*1966) mit der Welt-Ersteinspielung von “Seven Dances and ‘No Looking Back’”. Man hört Tango Nuevo von Astor Piazzolla (1921-1992) ebenso wie Musik der zeitgenössischen Komponistin und Folk-Musikerin (und ehemaligen Mitstudentin des AGQ am Royal Northern College of Music) Catriona McCay (*1976). Ein Großteil der Stücke wurde von den AGQ-Musikern selbst für Gitarrenquartett umarrangiert, nur Scotts “Seven Dances” und “Hasta Alicia Baila” des Kubaners Eduardo Martin (*1956) mit seinem zum Tanz verführendem Rhythmus sind Originalkompositionen für Quartett. Ob im Original, oder in der Bearbeitung: Das Faszinierende an diesem Album ist, wie homogen, wie natürlich, wie spielerisch sich die unterschiedlichsten Genres hier unter der Überschrift des Tanzes zusammenfassen lassen. Von einigen ruhigeren, kontemplativen Momenten auf der CD abgesehen, dominiert auf der CD das Rhythmische, das Perkussive. Dazu spielt das Quartett atemberaubende Läufe, bezaubernde Melodien und mitreißende Ohrwürmer. Das Aquarelle Guitar Quartet empfiehlt sich als frisches, mutiges Ensemble mit exzellenter Technik und Experimentierfreude. Eine ungewöhnliche Tracklist und ein ungewöhnlich gelungenes und abwechslungsreiches Album mit Gitarrenmusik.

Hörbeispiele zum neuen Album gibt es auf ihrer Myspace-Seite → http://www.myspace.com/aquarellegq

Die CD Dances des Aquarelle Guitar Quartet erscheint heute, am 23. Juli 2010 bei Chandos (10609) und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

Egberto Gismonti – Baiao Malandro
Eduardo Martin – Hasta Alicia Baila
Andy Scott – Seven Dances and ‘No Looking Back’ (Weltersteinspielung)
Luigi Boccherini – Introduction & Fandango
Trad. – Ajde Dali Znaes Pametis Milice
Trad. – Pajduska
Astor Piazzolla – La Muerte del Angel
Catriona McKay – The Swan ‘LK 243′
Trad. – Malaguena Salerosa
Trad. – Tarantella
Biréli Lagrène – Made in France

Echo Klassik 2010: Die Preisträger im Codaex-Vertrieb

Sal Pichireddu — Wed, 21 Jul 2010 06:00:30 +0000

Die Echo Klassik-Preisträger 2010 wurden gestern durch die Deutsche Phono-Akademie bekanntgegeben. Der Echo Klassik ist wohl der bekannteste und wichtigste Musikpreis Deutschlands und wird seit 1992 jährlich vergeben. Am 17. Oktober 2010 findet eine große Echo 2010-Gala, der”Echo der Stars” in der Essener Philharmonie statt, moderiert von Thomas Gottschalk und übertragen vom ZDF.

Von Codaex vertriebene Labels haben auch bei dieser Auflage des Echo Klassik zahlreiche Auszeichnungen gewonnen. Alleine das Detmolder Label Musikproduktion Dabringhaus und Grimm (MDG) hat acht Preise erringen können, mehr als jede andere einzelne Plattenfirma. Insgesamt wurden 14 Veröffentlichungen aus der Codaex-Familie ausgezeichnet.

Hier eine Liste aller Codaex-Preisträger des Echo Klassik 2010.

KATEGORIE: INSTRUMENTALIST DES JAHRES

(Cembalo)
Siegbert Rampe
Wilhelm Friedemann Bach: Klavierwerke (MDG)

(Orgel)
Martin Schmeding
J. S. Bach: Goldberg-Variationen (Fassung für Orgel) (Cybele Records)

KATEGORIE ENSEMBLE/ORCHESTER DES JAHRES

(Vokal-Musik)
Norddeutscher Figuralchor / Jörg Straube
Francis Poulenc: Weltliche Chorwerke (MDG)

KATEGORIE KLASSIK-OHNE-GRENZEN

Selmer Saxharmonic / Milan Turković
Flying Saxophone Circus (MDG)

KATEGORIE KONZERTEINSPIELUNG DES JAHRES

(Musik bis inkl. 18. Jahrhundert)
(Klavier)
Christian Zacharias
W.A. Mozart: Klavierkonzerte Vol. 5 (MDG)

(19. Jahrhundert)
(Cello)
Peter Hörr
Jean-Louis Duport: Cellokonzerte 4 – 6 (MDG)

(19. Jahrhundert)
(Violine)
Arabella Steinbacher
A. Dvořák/K. Szymanowski: Violinkonzert Op.53/Romanze/Violinkonzert Op.35 (PentaTone Classics)

KATEGORIE KAMMERMUSIK-EINSPIELUNG DES JAHRES

(17./18. Jahrhundert)
(Streicher)
Casal Quartett
Birth of the String Quartet (Solo Musica)

(17./18. Jahrhundert)
(Gemischtes Ensemble)
Wiener Klaviertrio
Joseph Haydn: Klaviertrios (MDG)

(19. Jahrhundert)
(Bläser)
Ma’alot Quintet
Gioacchino Rossini: La Cenerentola/Tancredi
arr. für Bläserquintett (MDG)

KATEGORIE KAMMERMUSIK-EINSPIELUNG DES JAHRES

(20./21. Jahrhundert)
(Streicher)
Minguet Quartett
Peter Ruzicka: Sämtliche Werke für Streichquartett (Neos Music)

KATEGORIE SOLISTISCHE EINSPIELUNG DES JAHRES

(20./21. Jahrhundert)
(Klavier)
Hardy Rittner
Arnold Schönberg: Sämtliche Klavierwerke (MDG)

KATEGORIE WELT-ERSTEINSPIELUNG DES JAHRES

Bohuslav Martinů – Drei Fragmente der Oper “Juliette”
Czech Philharmonic Orchestra / Sir Charles Mackerras (Supraphon)

KATEGORIE SURROUND-EINSPIELUNG DES JAHRES

Karl Amadeus Hartmann und das Streichquartett (Cybele Records)

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»Echo 2010« für Sir Charles Mackerras für “Bohuslav Martinů – Three Fragments from the Opera Juliette”

Sal Pichireddu — Tue, 20 Jul 2010 12:16:01 +0000

Nur wenige Tage nach seinem Tod (blog.codaex.de berichtete) und rund einen Monat nach Bekanntgabe, dass Charles Mackerras (1925-2010) für seine CD “Antonín Dvořák – Symphonic Poems”C (eingespielt mit der Tschechischen Philharmonie) den renommierten Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik 2010 (blog.codaex.de berichtete) erhält, wurde heute bekannt gegeben, dass das bei Supraphon erschienene Album “Bohuslav Martinů – Three Fragments from the Opera Juliette”, ebenfalls eingespielt mit der Tschechischen Philharmonie, den Klassik-Echo 2010 für die beste »Welt-Ersteinspielung des Jahres« erhält.

Mackerras galt, neben anderen Schwerpunkten seiner Arbeit, als kompetentester Dirigent für tschechische Musik und hat maßgeblich dazu beigetragen, dass die Musik der großen tschechischen Komponisten des 19. und 20. Jahrhunderts Bedřich Smetana, Antonín Dvořák, Leoš Janáček, Bohuslav Martinů usw. heute international wahrgenommen und anerkannt wird.

→ www.echoklassik.de

Die CD Bohuslav Martinů – Three Fragments from the Opera »Juliette«, gespielt von der Tschechische Philharmonie unter Charles Mackerras, ist am 25. Mai 2009 auf Supraphon (3994-2) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.