Das flämische Ensemble B’Rock wurde 2005 auf Initiative Kontrabassisten Tom Devaere und des Cembalisten Frank Agsteribbe gegründet und spielt in unterschiedlichen Besetzungen (je nach Werk) ohne festen Dirigenten oder musikalischen Leiter Alte Musik historisch-informiert. Der ‘harte Kern’ besteht aus ca. 20. jungen Musikern aus ganz Europa, auf diesem Album spielen Rodolfo Richter (Violine), Martin Bauer (Viola da gamba), Tom Devaere (Violone), Wim Maeseele (Theorbe) und Frank Agsteribbe (Cembalo).

Zweierlei Fähigkeiten bedarf es, wenn man solche barocken Kleinode spielen will, deren Rezeptionsgeschichte noch relativ ungeschrieben ist: Zum einen braucht man eine brillante Technik und Sachkenntnis – über die verfügen Richter und seine Mitstreiter unüberhörbar; zum anderen benötigt man das richtige Einfühlungsvermögen, das Feeling würde man im Jazz sagen, um den Notentext in lebendige Musik umzusetzen – und auch hier zeigen sich die Flamen als äußerst qualifiziert. Petersens Virtuosenstücke erstrahlen regelrecht auf diesem Album und enthüllen die nicht ganz so neue Wahrheit, dass es im Bereich der Alten Musik noch so manchen Komponisten und so manches Werk zu entdecken und zu bewerten gilt. Petersens Violinen-Extravaganzen gehören auf jeden Fall zu den eindrucksvollsten mitteleuropäischen Beispielen virtuoser Violinenliteratur des Barocks.

Eine besondere Erwähnung verdient meiner Meinung nach auch das ungewöhnliche Coverfoto: Ein echter Hingucker, gerade wenn man bedenkt, dass es sich nicht um zeitgenössische Musik, sondern um barocke Kammermusik handelt. Ich wünschte, es gäbe mehr Labels, die bei der Gestaltung so viel Mut zur Phantasie beweisen würden.

Das Album David Petersen – Speelstukken – Stylus Phantasticus in the Low Countries vom Ensemble B’Rock XS ist am 20. August 2010 auf Etcetera (KTC 4032) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Speelstuk No. 1 in D major
2. Speelstuk No. 7 in G major
3. Gijsbert van Steenwick: Tricabylie
4. Speelstuk No. 5  in G minor
5. Anonymous: Amarrillis
6. Speelstuk No. 2 in A minor
7. Anonymous: Daphne
8. Speelstuk No. 4  in D major
9. Speelstuk No. 10  in E minor
10. Suite (auf dem Carillon), gespielt von Carl Van Eyndhoven [Bonus Track als MP3 auf der CD gespeichert: Mit dem Computer aufrufbar]

Puristen mögen ruhig die Nase indigniert rümpfen: Ich finde das Akkordeon gerade für Bach eine echte Alternative zum Cembalo und zum Klavier. Bachs vielschichtige Musik kann ich mich kaum klarer (im Sinne von ‘verständlicher’) vorstellen, als etwa auf solchen Aufnahmen. Was beim Klavier und beim Cembalo längst nicht bei jeder Aufnahme gelingt, nämlich die Architektur der Musik nachvollziehbar zu machen, gelingt Dimetrik bei seinem klaren, aber ungemein virtuosem Musizieren mühelos, geradezu spielerisch natürlich.

Mag sein, dass das Akkordeon im Bewusstsein der Menschen sein Image vom Schifferklavier niemals ganz ablegen wird (der Gitarre sagt man ja auch Lagerfeuer-Qualitäten nach und doch…), spätestens nach solch sorgfältigen Einspielungen sollte man für sich persönlich solche Vorurteile ad acta legen. Das Akkordeon ist ein wundervoll klingendes Instrument, das in Wolfgang Dimetrik einen begnadeten Virtuosen und Anwalt hat. Sein Bach verdient es gehört zu werden, nicht nur von einigen wenigen Akkordeon-Freunden, sondern auch von Bach-Liebhabern, die mit diesem Album eine äußerst vielschichtige Interpretation zu hören bekommen.

Kein Album für Puristen und dennoch purer, reiner Bach: Wolfgang Dimetrik adaptiert Bach viel weniger, als man es zunächst glauben möchte: Seine Minor Music ist ein Beleg dafür, dass Bach nicht notwendigerweise auf dem (einzig wahren) Originalinstrument gespielt sein muss, um seine ursprüngliche Schönheit und Größe zu offenbaren. ‘Die besondere CD‘ im August 2010.

Das Album Johann Sebastian Bach – Minor Music von Wolfgang Dimetrik ist am 20. August 2010 auf Gramola (98819) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Englische Suite No. 2 in a-Moll, BWV 807
2. Englische Suite No. 3 in g-Moll, BWV 808
3. Englische Suite No. 5 in e-Moll, BWV 810

Vieles kommt bei dieser herausragenden Neueinspielung zusammen: Da wäre erst einmal das sensationelle Orchester (man achte einmal auf die Bläser und die Perkussionsinstrumente – beide extrem wichtig in der Symphonie fantastique), das hier im Verlauf der Live-Aufnahme (!) geradezu über sich hinauswächst; da wäre das sichere und klar strukturierte, aber überaus leidenschaftliche Dirigat von Marek Janowski; da wäre – last but not least – die meisterliche Aufnahmetechnik, die das so komplexe und vielschichtige Werk perfekt eingefangen hat, was gewiss gerade beim furiosen Finale alles andere als einfach gewesen sein muss. Diese Aufnahme ist so kraftvoll, so unheimlich, so düster, so obsessiv wie es nur irgendwie geht: Ein musikalischer Thriller, den man immer wieder ansehen, pardon anhören kann und immer wieder neue Details entdeckt. Sogar das Booklet ist informativ. Achtung: Die deutschen Liner Notes von Franz Steiger sind nicht identisch mit jenen (auf Englisch und Französisch) von Ronald Vermeulen, doch lesenswert sind beide. Müßig über das wenig gelungene Artwork (mit Totenschädel, sic!) viele Worte zu verlieren, hier entschädigt der Inhalt mehr als genug. Und dass man quasi als Bonus-Track die Ouvertüre Le Roi Lear obendrauf mitgeliefert bekommt, ist das i-Tüpfelchen an einer rundum gelungenen Veröffentlichung.

Eine wahrhaft fantastische Aufnahme der Symphonie fantastique: So kraftvoll, so unheimlich, so düster, so klar im Klang und Ausdruck hört man sie selten.  Eine überragende Leistung des Pittsburgh Symphony Orchestra und von Marek Janowski. ‘CD des Monats” August 2010.

Die SACD Hector Berlioz – Symphonie fantastique · Le Roi Lear des Pittsburgh Symphony Orchestra unter der Leitung von Marek Janowski ist am 20. August 2010 bei PentaTone Records (5186 338) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Symphonie fantastique, op. 14
2. Le Roi Lear – Overture for Orchestra, op. 4

Zweimal Musik des 20. Jahrhunderts von zwei einflussreichen und wichtigen Komponisten des deutschsprachigen Raums, dem Wiener Alban Berg und dem in Italien lebenden, aus Gütersloh stammenden Hans Werner Henze. Zweimal sind es symphonische Werke, deren musikalisches Material aus Opern entnommen worden ist und dennoch: Es sind auch zwei Werke, die neben vielen Ähnlichkeiten auch unüberhörbare Unterschiede aufweisen. Neben ihrer Ableitung aus Opernmaterial ist ihnen der düstere Grundton (der Opern) gemein, doch während Berg mit seiner Oper Lulu (»die beste Oper des 20. Jahrhunderts«, Philip Hensher, The Guardian) ein Meisterwerk der Zweiten Wiener Schule schuf, ist die Klangsprache Henzes keiner eindeutigen Schule zuzuordnen und weist heterogene Einflüsse auf. Beiden Werke ist wiederum eine essentielle Verdichtung des musikalischen Materials der Opern gemein.

Die Essener Philharmoniker erweisen sich als erfahrenes und überaus qualifiziertes Ensemble in Sachen Musik des 20. Jahrhunderts, die sich unter der Leitung von Stefan Soltesz sicher durch die vielschichtigen und komplexen Partituren bewegen. Das gelingt ihnen bei Appassionatamaente plus ganz exzellent und das gelingt ihnen vielleicht noch ein wenig mehr bei der Lulu-Suite. Das ist wiederum vielleicht gar kein Zufall, war es doch das Essener Aalto-Theater, das die Oper – damals noch unvollendet – vor über fünfzig Jahren als erste deutsche Bühne aufgeführt hat. Die zwei Gesangspartien, die aus der Oper auch in die Suite Eingang gefunden haben, das zentrale Lied der Lulu (»Wenn sich die Menschen um meinetwillen umgebracht haben, so setzt das meinen Wert nicht herab (…)«) und die letzten Worte der Gräfin Geschwitz am Ende des abschließenden Adagio (»Lulu! – Mein Engel! – Lass dich noch einmal sehen! Ich bin dir nah! – Bleibe dir nah – in Ewigkeit!«) singt Julia Bauer, die auch schon die Lulu in der diesjährigen Essener Aufführung der Lulu im Aalto-Theater sang.

Die SACD Appassionatamente plus Lulu-Suite der Essener Philharmoniker unter der Leitung von Stefan Soltesz mit der Koloratur-Sopranistin Julia Bauer als Solistin ist am 20. August 2010 bei Cybele Records (860801) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Hans Werner Henze – Appassionatamente plus per grande orchestra (1994/2003)
2. Alban Berg – Lulu-Suite: Symphonische Suite aus der Oper “Lulu” – Konzertante Fassung für Koloratursopran und großes Orchester (1934)

Hört man die vorliegende CD, dann ist es zuerst der perlende, helle Klang des Érard, der einem auffällt. Der Pianist Jan Krzystof Broja hat in Frankfurt, Hannover und Warschau studiert und zahlreiche Preise bei internationalen Wettbewerben gewonnen. Hier am Érard überzeugt er durch sein vitales, klares Spiel und seine Fähigkeit, auf seine Mitmusiker zu achten, allen voran dem Cellisten Andrzej Bauer, der mit seinem wohlklingenden Spiel eine echte Entdeckung auf diesem Album ist. Seine Diskografie ist verhältnismäßig klein und leider zum Großteil nicht mehr erhältlich, doch Bauer ist kein wirklicher Nobody in der Szene, hat er doch Ende der 1980/ Anfang der 1990er einige bedeutende Preise und Förderpreise gewonnen (darunter den ARD-Musikwettwerb 1992 in München). Mag sein, dass Bauer hierzulande nur einigen Insidern bisher bekannt war: Mit dieser Aufnahme empfiehlt er sich als feinsinniger und intelligenter Chopin-Interpret auf höchstem internationalen Niveau. Last but not least sei hier ausdrücklich auch noch Jakub Jakowicz lobend erwähnt, der auf dieser CD lediglich bei dem Trio in g-Moll, op. 8 zu hören ist, aber dessen Erfahrung als Mitglied des renommierten Zehetmair Quartetts, eines der besten Streichquartette für romantische Kammermusik überhaupt, ein weiterer Pluspunkt auf dieser rundum gelungenen CD ist. Die Stücke selbst, die drei frühen auf der einen, die späte Sonate auf der anderen Seite, wirken fast gegensätzlich zueinander: Auf der einen Seite die ausladenden, unbeschwert-fröhlichen Klavierparts, auf der anderen Seite eine gefühlvolle, erstaunlich reife Sonate, bei der das Klavier deutlich weniger prominent ist und bei der Chopin eine wundervolle Partitur fürs Cello geschrieben hat, die man einem, der sonst quasi exklusiv für das Klavier schrieb, kaum zutrauen mag, wenn es sich nicht um ein musikalisches Genie wie Chopin handelte. Mag sein, dass Chopin sich bei seinem Kompositionen auf sein Instrument nahezu ausnahmslos beschränkt hat, vor allem die Sonate zeigt, dass er sehr wohl in der Lage gewesen wäre auch andere Gattungen der Musik zu bereichern.

Das Chopin-Institut hat seiner Reihe auf Originalinstrumenten den Beinamen »The real Chopin«, der echte, der wahre Chopin gegeben. Wenn man diese Aufnahmen mit den bekannten Einspielungen auf modernen Instrumenten vergleicht, so ist das veränderte Klangbild mehr als nur ein Überraschungseffekt. Die gesamte Klangarchitektur der Musik Chopins verändert sich, wenn man sie auf diesen ursprünglichen Instrumenten spielt. Aus meiner persönlichen Hör-Erfahrung kann ich sagen, dass ich mit diesem historisch-informierten Spiel bei Chopin (und generell bei den Romantikern) viel besser zurecht komme, als mit vielen anderen ‘konventionellen’ Einspielungen. Gerade bei vermeintlichen den Nebenwerken Chopins offenbaren sich so viele Nuancen, die sonst untergehen, weil moderne Konzertflügel wenn sie nicht mit äußerster Bedacht gespielt werden, viel zu opulent im Klang sind und so viele Kleinigkeiten verdecken. Die stetig wachsende und mittlerweile fast vollständige Gesamtaufnahme des NIFC wird in Zukunft die Referenz sein, an der sich alle anderen Chopin-Einspielungen messen lassen werden müssen. Dabei ist freilich nicht nur die Wahl der Instrumente, sondern auch die der Interpreten entscheidend und hier scheint das Chopin-Institut, wohl auch dank des berühmten Klavierwettbewerbs, auf eine Vielzahl erstklassiger Interpreten zurückgreifen zu können. Ich freue mich schon auf die kommenden Veröffentlichungen aus Warschau.

Wie quasi alle Veröffentlichungen des polnischen Narodowy Institut Fryderyka Chopina: Beste Interpretationen mit exzellenter Klangtechnik aufgenommen und ansprechend verpackt. Authentischer, lebendiger und (wieder-) entdeckenswerter Chopin. ‘Die besondere CD‘ im Monat August 2010.

Das Album Frédéric Chopin – Chamber music von Jan Krzysztof Broja (Fortepiano), Andrzej Bauer (Cello) und Jakub Jakowicz (Violine) ist am 20. August 2010 als Veröffentlichung des NIFC (NIFCCD 013) und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Sonate in g-Moll für Violoncello und Klavier, op. 65
2. Polonaise brillante für Violoncello und Klavier C-Dur, op. 3
3. Gran Duo concertant sur “Robert le Diable” de Meyerbeer für Violoncello und Klavier E-Dur, WoO 16
4. Trio für Klavier, Violine und Violoncello, g-Moll, op. 8

»Die Sonate hatte übrigens als Komposition nicht ganz seinen Erwartungen entsprochen, weshalb er eine zweite, ‘bessere’ zu machen beschloß.«

Vielmehr ist die zweite Sonate ein großangelegtes Konzertstück (deswegen auch ihr Name »Grand Sonata für Violine und Klavier«), das einen völlig anderen Aufbau hat, einer völlig andere Dramaturgie fogt. Die erste Sonate wurde im internen Sprachgebrauch der Schumanns immer nur das »Duo« genannt, was eben ihren Charakter unterstreicht. Die zweite Sonate stellt die Violine und deren solistischen Passsagen viel weiter in den Vorgrund (deswegen auch »für Violine und Klavier« und nicht umgekehrt); die erste Sonate (das »Duo« für Klavier und Violine) ist deutlich bescheidener, kammermusikalischer im Aufbau und die beiden Instrumente sind gleichberechtigter eingesetzt. Genau hier setzen Chumachenco und Randalu bei ihrer Interpretation an: Mit kraftvoller und ausladender Solo-Violine bei der Grand Sonata und dem Klavier das meistens eher begleitet (meistens, nicht immer!), während das Duo deutlich zurückhaltender und insgesamt schlanker und wendiger im Klang bei der ersten Sonate vorgeht.

Auch die wenig gespielte und oft genug als zu vernachlässigen abgewertete  Sonate No. 3, WoO 2 erfährt durch das sorgfältig musizierende Duo eine echte Aufwertung. Da die Sonate in die allerletzte Schaffensperiode Schumanns fällt – sie entstand 1853, kurz vor Schumanns Einweisung in die Endenicher Heilanstalt – hält sich hartnäckig das Gerücht, dass sie, wie all seine Werke dieser Zeit (sic!) überschattet sei von der nahenden Geisteskrankheit. Hört man aber nun den engagierten, schwungvollen, dann wieder lyrischen Vortrag Chumachencos und Randalus, muss man sich über solch ein Vorurteil wundern. Die aus der gemeinschaftlich mit Johannes Brahms (1833-1897) und Albert Dietrich (1829-1908) geschriebenen F-A-E-Sonate entstandene dritte Violinsonate ist hier alles andere als ein Fragment (auch wenn die endgültige Reihenfolge der Sätze nicht von Schumann festgelegt wurde), sondern eine ebenbürtige Sonate, die den beiden vorangegangenen in nichts nachsteht. Gerade das träumerische Intermezzo hier ist einer der schönsten vergessenen Momente in der Kammermusik Schumanns.

Übrigens: Anders als im Booklet vermerkt, ist bei der dritten Sonate das Scherzo an zweiter, das Intermezzo an dritter Stelle (wie im Autograph und in der Erstausgabe des Notentextes von 1956 vermerkt) und nicht umgekehrt (wie in den Neuausgaben von 2001 und 2007). Vermutlich ein Fehler bei der CD-Herstellung, den man dank programmierbarer CD-Player schnell beheben kann. Die ausführlichen Anmerkungen von Joachim Draheim sind informativ, engagiert und lesenswert.

Die CD Robert Schumann – Violinsonaten Nos. 1 – 3 vom Ensemble Musica: Nicolas Chumachenco & Kalle Randalu ist am 20. August 2010 bei MDG (304 1647) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Violinsonate No. 2 in d-Moll, “Grand Sonata”, op. 121
2. Violinsonate No. 1 in a-Moll, op. 105
3. Violinsonate No. 3 in a-Moll, WoO 2

Nun, da wäre zum einen die wirklich makellose Technik, mit der Zacharias die Klavierparts bewältigt. Das klingt alles so federleicht, so unbeschwert (die Kenner wissen, wie anspruchsvoll genau jene Passagen bei Mozart sind, die dem Hörer so spielerisch erscheinen), gleichzeitig so präzise und wohldurchdacht, dass man niemals auch nur den Hauch eines Zweifels daran hat, dass Zacharias und sein Orchester genau wissen was sie tun. Überhaupt, was für ein feiner und wendiger Klangkörper das OCL ist. Ebenso perlend und freundlich, hell und klar im Klang wie Zacharias, ergänzen sich die beiden Seiten nicht nur, sie verschmelzen miteinander. Pianist und Dirigent in Personalunion, das geht nicht immer gut und führt oft dazu, dass das Orchester zu weit in den Hintergrund gedrängt wird, dass das Ego des Solisten den Klang dominiert. Nicht so bei den Aufnahmen zu diesem Zyklus: Hier wird eine durchdachte Balance zwischen der Orchester- und der Solostimme gehalten. Zacharias erweist sich als intelligenter, virtuoser Pianist (und als einfühlsamer Mozart-Interpret: Man beachte die von ihm verfassten Kadenzen zum Klavierkonzert No. 21) und als klar strukturierter Dirigent. Das Orchester folgt dieser souveränen Leitung schlafwandlerisch sicher und verwandelt die Mozartschen Klavierkonzerte in zeitlose Kleinode. Allein die Gestaltung des Booklet-Covers finde ich für solch eine Spitzenproduktion zu konventionell. Lesenswert allerdings (wie immer bei MDG) sind die fachkundigen Liner Notes.von Gerhard Allroggen.

Unbeschwert, virtuos, aber dennoch detailgetrau und präzise. Mozarts Klavierkonzerte musikalisch und interpretatorisch in Bestform. Zeitlos und bezaubernd: ‘Die besondere CD‘ im August 2010.

Die SACD Wolfgang Amadeus Mozart – Piano Concertos Vol. 6 vom Orchestre de Chambre de Lausanne mit Christian Zacharias als Solist und Dirigent ist am 20. August 2010 bei MDG (940 1646) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Klavierkonzert No. 21 in C-Dur, KV 467
2. Klavierkonzert No. 14 in Es-Dur, KV 449
3. Klavierkonzert No. 15 in B-Dur, KV 450

Vor allem die lyrische Oper Rusalka, die Dvořák 1900 nach einem Libretto von Jaroslav Kvapil geschrieben hatte und die am 31. März 1901 am Prager Nationaltheater uraufgeführt wurde, wurde schnell weit über die Landesgrenzen hinaus populär und gilt heute, gemeinsam mit Prodaná nevěsta (zu Dt. ‘Die verkaufte Braut‘) von Bedřich Smetana, als beliebteste und bekannteste tschechische Oper.

Im Sommer 2009 wurde beim wohl berühmtesten englischen Opernfestival, dem Glyndebourne Festival Opera, Dvořáks Rusalka aufgeführt. Die Titelrolle sang die puertoricanische Sopranistin Ana Maria Martinez, die mit einer Glanzleistung das Publikum und die Kritiker gleichermaßen begeisterte. So eine Sängerin hatte man schon lange nicht mehr als Rusalka erleben können: Ana Maria Martinez meisterte die (selbstverständlich) in der Originalsprache Tschechisch aufgeführte Partitur mit bemerkenswerter Sicherheit, märchenhafter Leichtigkeit, sinnlicher Weiblichkeit und einer beeindruckenden Bühnenpräsenz.

Der Erfolg der Produktion (und des nun erschienenen Mitschnitts auf CD) hat allerdings weitere Gründe: Neben der strahlenden Hauptrolle glänzte der junge US-amerikanische Tenor Brandon Jovanovich als in der Liebe wankelmütiger Prinz nicht minder und auch die Nebenrollen sind brillant besetzt (eine besondere Erwähnung verdient die russische Mezzosopranistin Larissa Diadkova als Ježibaba). Überragend auch und vor allem die durch und durch beseelte Leistung des London Philharmonic Orchestra (»das mitteleuropäischste aller Londoner Ensembles«, Hugh Canning in seiner → Besprechung für The Sunday Times) unter der souveränen Leitung von Jiří Bělohlávek, der es verstanden hat, den beteiligten Akteuren das Tschechische Element dieser Oper ebenso klarzumachen, wie das träumerische, das märchenhafte, aber eben auch das zutiefst menschliche dieser Oper. Ohne jeden Zweifel konkurriert diese neue Live-Aufnahme künstlerisch mit den beiden richtungweisenden Aufnahmen der Tschechischen Philharmonie unter Václav Neumann (1983, Supraphon) und unter Charles Mackerras (1998, Decca) um den ‘Titel’ der Referenzaufnahme der Rusalka schlechthin.

Anders als die beiden anderen Referenzaufnahmen handelt es sich bei dieser Veröffentlichung um eine unverfälschte Live-Aufnahme, die während des Festivals mitgeschnitten wurde. Dadurch resultiert ein anderer, wenn man so will bühnenhafterer Höreindruck, als bei einer Studioaufnahme. Hier bewegen sich die Akteure auf der Bühne und dies wird im Klangbild der Aufnahme entsprechen wiedergegeben. Glücklicherweise ist diese Aufnahme dennoch überdurchschnittlich (im Sinne der → Bewertungskriterien des Blogs) gut für eine Live-Aufnahme dieser Art, so dass man auch klanglich keine Abstriche zu befürchten braucht.

Eine wundervolle Oper in einer herausragenden Einspielung: Die CD-Ausgabe ist wundervoll ausgestattet: Das dicke Booklet überzeugt mit Bildern, dem kompletten Libretto auf Tschechisch und Englisch, sowie zusammenfassende Einführungen auf Englisch, Französisch und Deutsch. Angenehm auch, dass die drei Akte der Oper auf drei CDs separat daherkommen anstatt auf zwei CDs zusammengequetscht zu werden. ‘Die besondere CD‘ Juli 2010, eine der schönsten Opern-Veröffentlichungen des Jahres.

Die 3CD Antonín Dvořák – Rusalka des London Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Jiří Bělohlávek mit dem Glyndebourne Chorus und Ana Maria Martinez in der Titelrolle ist am 23. Juli 2010 bei Glyndebourne (GFO 00709) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Mahlers nur schwer nachvollziehbaren Charakterisierung zum Trotz ist es tatsächlich jene Sinfonie, die aus seinem Œuvre am ehesten übergangen oder vergessen wird. Von keiner anderen Sinfonie Mahlers gibt es so wenig Einzelaufnahmen, die nicht im Rahmen eines großen Gesamtaufnahme-Projekts (erst-) veröffentlicht wurden, wie von der Siebten. Umso bemerkenswerter ist es, wenn ein Orchester mit seinem (relativ) neuem Chefdirigenten ausgerechnet mit dieser Sinfonie debütiert. Andererseits: Sowohl das Orchester, als auch der Dirigent sind freilich nicht gänzlich unbeleckt und haben Mahlers Werke sowohl aufgeführt, als auch anfgenommen, wenn auch nicht gemeinsam.

Wie aber nähern sich Järvi und seine niederländischen Musiker der Sinfonie? Nun,sie tun es bemerkenswert zügig (rund 70 Minuten brauchen sie für das fünfsätzige Werk, statt der üblichen 80), jedoch ohne große Gesten, ohne eine voreilige Deutung, weder die traditionelle spätromantische, noch die das Moderne darin betonende. Die Sinfonie, die Mahler zügig im Sommer 1904 begann (in dem er die beiden Nachtmusiken, respektive die Sätze II und IV schrieb) und die dann lange brach lag und erst im darauffolgenden Jahr sehr schnell vollendet wurde, macht es dem Hörer auch wirklich nicht leicht. Sie wirkt etwas zerrissen (gemessen an anderen Sinfonien Mahlers), ohne den sonst so nachvollziehbaren Zusammenhalt. Es steckt etwas Übergangshaftes in Järvis Deutung, das immer wieder andeutet, dass Mahler hier tatsächlich “zwischen allen Stühlen” saß. Vielleicht ist das die unsichtbare Überschrift dieser Sinfonie: Veränderung, Bewegung, Übergang. Der Kontrast zwischen Tag und Nacht, etwa zwischen dem ersten und zweiten Satz, ist schroff; noch gespenstischer ist der 3. Satz (zwischen den beiden Nachtmusiken), einem Scherzo mit der Anweisung ‘schattenhaft‘, der hier bei Järvi fast wie der Prototyp eines beißend-spottenden Satzes einer Shostakovich-Sinfonie wirkt. Grelle Effekte wechseln sich mit poetischen Momenten ab, Licht mit Dunkelheit, »Film noir und Romanze« wie Wilhelmer schreibt.

Mahlers Siebte bleibt in Järvis Interpretation rätselhaft, widersprüchlich, gleichzeitig stößt sie mit der unüberhörbaren Abkehr von Konventionen die Tür zur Moderne ganz weit auf, gerade im 3. und 4. Satz. Nicht umsonst war Arnold Schönberg einer der ersten und prominentesten Fürsprecher für dieses Werk.

Die SACD  Gustav Mahler -  Symphony No. 7 des Residentie Orchestra The Hague unter Neeme Järvi ist am 23. Juli 2010 auf Chandos (CHSA 5079) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

»Es ist geigerisch konzipiert [Mozart hatte ja bereits in seiner Kindheit Violine spielen gelernt und war sich der Möglichkeiten des Instrumentes ergo bewusst. Anm. d. Autors] wie kein anderes Konzert. Dort stößt man beim Übertragen an Grenzen, die es zu respektieren gilt.«

Darüber hinaus gibt es gegen eine Transkription per se keine echten musikalischen Einwände: Transkriptionen waren bis weit ins 20. Jahrhundert eine gängige Methode, um ein Werk zu verbreiten und facettenreich darzustellen. Wenn man so will hat die Schallplatte diese Methode ersetzt, die dem Hörer heute zahlreiche Einspielungen ein- und desselben Werkes in derselben Besetzung zugänglich macht. Früher lernte man ein Werk vornehmlich in verschiedenen Fassungen kennen, oft genug im eigenen heimischen Rahmen. Auch fertigten viele Komponisten Bearbeitungen für bestimmte Orchester an, um diese dann beispielsweise auf Reisen aufführen zu können. Was uns dem heutigen Verständnis nach als ‘minderwertig’ erscheint oder als banale ‘Zweitverwertung’ von Material, war lange Zeit gleichberechtigte Variante und Usus.

Aber wir klingen denn nun die ‘Cellokonzerte’ von Mozart? Nun, sie klingen in erster Linie tatsächlich nach Mozart. Und die Auswahl der Konzerte gibt Hilger recht: Gerade das eröffnende Konzert KV 207 klingt erstaunlich ‘cellistisch’ wenn man bedenkt, dass es ein waschechtes Violinkonzert ist. Der heitere Charakter des Konzerts lässt sich allerdings ebenso gut auf einem Cello wiedergeben, wie auf einer Violine. Sicher: Hie und da merkt man schon, für welches Instrument die Konzerte eigentlich geschrieben worden sind, aber im großen und ganzen funktioniert die Illusion: Cellokonzerte von Mozart? Doch doch, das geht.

Das eigens dafür zusammengestellte Ensemble Akademie Leipzig, ein von Hilger eigens dafür zusammengestelltes Kammerorchester mit vielen befreundeten Musikern, erweist sich als nicht zu unterschätzender Faktor für das Gelingen dieses Projekts. Hilger meint zur Akademie:

»Wir kennen uns schon aus verschiedenen Kammermusikbesetzungen und liegen stilistisch auf einer Wellenlänge. Das ist ein Vorteil und hat die Arbeit wesentlich erleichtert. Über viele Dinge mussten wir nicht sprechen, sie waren selbstverständlich. Was anfangs nicht zu planen war: Die Musiker haben in den Entstehungsprozess der Transkriptionen maßgebend mit eingegriffen. Über mehrere Stellen der Übertragung haben wir heftig diskutiert, Spielräume ausgetestet. Und ich bin dankbar für den Rat der Kollegen. Auf viele aufführungspraktische Details sind das Resultat gemeinsamer Suche.«

Transkriptionen als Ergebnis einer gruppendynamischen Diskussion? Nun, warum nicht? Wenn das Ergebnis dann so gelungen (bis in viele Details hinein) ist, dann soll es dem Hörer recht sein. “Mozart Cellokonzerte?” ist ein gelungenes Experiment und eine schöne Bereicherung der Mozart-Diskografie, gerade für Cellofreunde, die schon immer einmal wissen wollten, wie es hätte klingen können, wenn Mozart tatsächlich Konzerte fürs Cello komponiert hätte.

Die CD Mozart Cellokonzerte? von der Akademie Leipzig mit dem Solisten Norbert Hilger ist am 23. Juli 2010 bei Querstand (VKJK0917) erschienen und kann im Fachhandel erworben oder bei großen Buch- und CD-Versendern wie → amazon.de und → jpc.de (Links öffnen die jeweilige Produktseite) bestellt werden.

Inhalt:

1. Konzert für Violoncello und Orchester in B-Dur (Transkription des Violinkonzerts KV 207)
2. Konzert für Violoncello und Orchester in G-Dur (Transkription des Violinkonzerts KV 216)
3. Konzert für Violoncello und Orchester in D-Dur (Transkription des Violinkonzerts KV 218)